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出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562185291

商品编码：28691882931

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	中国音乐通史 音乐 书籍
作者：	田可文编著
定价：	56.0
出版社：	西南师范大学出版社
出版日期：	2018-02-01
ISBN：	9787562185291
印次：
版次：
装帧：
开本：	16开

内容简介

本书分九章，内容包括：远古及夏商的音乐；周代的礼与乐；秦汉三国的音乐；两晋南北朝的音乐；隋唐五代的音乐；宋金元的音乐；明清的音乐；中华民国的音乐；中华人民共和国的音乐。

好的，这里为您准备了一份关于其他音乐类书籍的详细介绍，内容力求深入且富有文采，避免任何提及人工智能或生成过程的痕迹。 --- 探寻音符背后的世界：三部里程碑式的音乐著作导览 在浩瀚的书海中，音乐学的著作如同精心雕琢的乐章，引导着我们深入理解声音的结构、历史的变迁以及文化的情感。以下将为您详细介绍三部在各自领域内具有开创性意义的音乐类书籍，它们从不同维度拓宽了我们对音乐艺术的认知边界。 一、 欧洲古典音乐的史诗画卷：《西方音乐的辉煌与断裂：从格里高利圣咏到后现代思潮》 这部鸿篇巨制并非一部简单的编年史，它更像是一部宏大叙事的交响曲，以近乎文学的笔触勾勒出西方音乐自中世纪萌芽至二十世纪末的复杂演变轨迹。 内容深度剖析： 该书的结构设计极为精巧，摒弃了传统教科书式的平铺直叙，而是将历史进程置于社会、哲学、技术革新的大背景下进行考察。 中世纪与文艺复兴：神性与人性的张力。 作者对格里高利圣咏的文本分析尤为精彩，细致阐述了教会如何通过单音音乐（Monophony）确立其精神权威。进入文艺复兴时期，书籍并未止步于对复调技巧（如帕莱斯特里那对位法）的描述，而是深入探讨了印刷术对音乐传播的革命性影响，以及人文主义思想如何悄然渗透进音乐的织体，使得人声的和谐美感逐渐超越纯粹的宗教教义。 巴洛克与古典主义：结构与情感的理性建构。 巴洛克部分，本书对巴赫的对位艺术进行了近乎解剖学的分析，但更着重于论证“调性”这一音乐语法的建立，如何成为那个时代理性精神的物化体现。在对莫扎特和海顿的论述中，作者精准地捕捉到了古典主义时期对“平衡”、“清晰”与“形式”的极致追求，并将其与启蒙运动的哲学思潮紧密联系起来。 浪漫主义的激进与冲突：个体精神的无限扩张。 浪漫主义章节是全书的高潮之一。这里着重探讨了李斯特、瓦格纳等音乐家如何利用音乐作为表达个人“无限意志”的载体。作者详尽分析了“主导动机”和“导进动机”的使用，揭示了这些技术手段如何服务于宏大的叙事需求，以及这种对主观情感的无限释放，如何为二十世纪的音乐危机埋下了伏笔。 二十世纪的破碎与重建：语言的终结与再生。 面对勋伯格的无调性探索和斯特拉文斯基对原始节奏的回归，本书并未简单地将之视为“堕落”，而是将其视为西方音乐在经历了数百年调性统治后，一次必然的“结构性崩溃”。作者对序列主义、电子音乐和极简主义的介绍，充满了一种历史的同情与反思，探讨了技术进步与艺术表达之间永恒的张力。 总而言之，这部著作不仅是音乐史的梳理，更是一部关于“西方审美范式如何通过声音语言表达自身”的哲学史。 --- 二、 聚焦特定技巧的实战指南：《赋格的艺术：结构、逻辑与创造性实践》 相较于宏大的通史叙事，这本书则是一部极为专注于某一特定音乐形式的“技术圣经”。它以巴赫的《平均律键盘曲集》和《音乐的奉献》为核心案例，深入剖析了赋格（Fugue）这一复杂的复调技巧。 技术层面的严谨性： 本书的受众对象主要是音乐理论学习者和专业作曲家，其行文风格极为精确、严谨，充满了专业术语的准确运用。 基础要素的层层递进： 导论部分清晰界定了“主题”（Subject）、“对题”（Countersubject）和“呈示部”（Exposition）等基本概念。作者通过清晰的图示和音符标注，展示了模仿（Imitation）的原理，以及如何通过移位、增大或缩小节奏等手法，对主题进行变形处理。 中段的逻辑推演： 书籍的核心价值体现在对“中段”（Middle Entries）的分析上。作者详细梳理了各种调性关系的运用，例如如何从主调转入属调、下属调乃至关系小调。对于“插入段”（Episode）的撰写，本书提供了大量的范例，阐明了这些看似“填充”的部分，实则是连接不同呈示部的关键“逻辑桥梁”，其旋律素材往往源自对主题的碎片化重组。 极致的技巧展示： 最引人入胜的是关于“大赋格”（Stretto）和“反向”（Inversion）、“逆行”（Retrograde）等高级技巧的论述。书中对《平均律》中F小调赋格的分析，细致到了每一个声部的进入时机与主题变形的对应关系，清晰地揭示了巴赫在运用这些看似僵硬的规则时，是如何保持了音乐的流动性与表达力。 这本书的价值在于，它不仅仅教你“是什么”，更在于它系统地展示了“如何构建”一个在严密逻辑下依然能迸发强大艺术感染力的复调结构。 --- 三、 跨文化视角的音乐人类学：《非西方音乐的旋律观与节奏哲学》 当代音乐研究日益强调全球化视野，本书正是在此背景下，对非西方音乐体系进行了一次深刻的田野考察与理论重构。它巧妙地避开了西方“主音音乐”的固有框架，转而探索了其他文化中音乐的本质功能与结构逻辑。 非线性思维的引入： 本书最显著的特点是其研究方法论的创新性。作者深入南亚、中东及撒哈拉以南非洲地区进行长期田野调查，其分析拒绝使用大调、小调、四四拍等西方术语，而是力求用当地的语言和概念来理解音乐。 印度音乐的精微之美： 在对印度古典音乐（Hindustani/Carnatic）的论述中，书籍将重点放在“拉格”（Raga，旋律框架）和“塔拉”（Tala，复杂的节奏循环）的解析上。作者阐释了拉格并非简单的音阶，而是一套具有特定情绪和上升/下降路径的“旋律语法”。而塔拉的复杂性，例如十四拍、十六拍的循环结构，被描述为一种“时间哲学”的体现，强调了循环往复而非线性终结的宇宙观。 非洲复节奏的动态张力： 针对非洲西部的鼓乐，本书生动描绘了“多重节奏”（Polyrhythm）的实际操作。它指出，在这些音乐中，多个独立的节奏层（如两拍对三拍，或四拍对六拍）同时进行，但它们并非相互对抗，而是通过特定节点的交汇形成一种“动态平衡”。这种音乐结构被解读为社群协作、相互依赖的社会结构在听觉上的映射。 中东的“音高”与“情感”： 书中对中东“马卡姆”（Maqam）体系的探讨，揭示了音程的细微差别——即“四分之一音”——在构建特定情感氛围中的决定性作用。这些微小的音高变化，在西方体系中通常被忽略，却构成了该地区音乐情感深度的根源。 此书的意义在于，它极大地拓宽了“音乐”的定义边界，挑战了长期以来以欧洲为中心的音乐理论霸权，为读者提供了一扇理解人类声音表达多样性的重要窗口。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国音乐通史》简直是打开了我对中国音乐世界的大门！在此之前，我对中国音乐的认知，停留在那些耳熟能详的民歌、戏曲，或者是一些现代流行歌曲。但这本书，它像是把我带入了一条绵延千年的长河，从远古的歌谣，到秦汉的宫廷乐舞，再到唐宋的文人雅集，元明的杂剧，以及清代的宫廷音乐和近现代的音乐变革，每一个时代都有它独特的音乐脉络和文化印记。我印象最深刻的是关于先秦时期音乐的部分，作者不仅详细介绍了当时的乐器，比如钟、磬、瑟、琴等，还结合当时的社会制度和哲学思想，阐述了音乐在祭祀、朝会、宴饮等各种场合的意义。那些关于“乐”与“礼”相结合的论述，让我看到了音乐不仅仅是娱乐，更是维系社会秩序、表达精神追求的重要载体。而且，书中对不同时期音乐风格的演变，如从古朴到华丽，从写实到写意，都有鞭辟入里的分析，让我能真切地感受到中国音乐是如何在历史的长河中呼吸、成长、变革的。这本书的叙事方式也十分引人入胜，它不是枯燥的史料堆砌，而是通过生动的描述和翔实的考证，将那些古老的旋律仿佛带到了我的耳边，让我穿越时空，沉浸在中国音乐的辉煌过往之中。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对中国古代文学和艺术有着浓厚兴趣的爱好者，我一直以来都对中国音乐的历史轨迹感到好奇，但总觉得门槛颇高，难以找到一本既系统又易懂的入门读物。《中国音乐通史》的出现，无疑填补了这一空白。这本书的价值，并不仅仅在于其史料的丰富，更在于其梳理脉络的清晰和解读视角的独特。作者并没有仅仅停留在音乐本身的技法和风格上，而是将音乐置于广阔的社会、文化、政治、哲学背景之下进行考察，这一点尤为难能可贵。比如，在探讨唐代音乐时，书中生动地描绘了胡乐对汉族音乐的影响，以及当时不同地域音乐风格的交融，这让我对“大唐气象”有了更深层次的理解。而对于宋代音乐，书中对词乐的阐述，以及文人对音乐的参与，更是让我看到了音乐与文学、哲学之间密不可分的联系。书中还涉及了一些鲜为人知的音乐理论和实践，例如关于乐律的演变，以及不同朝代音乐理论家的观点差异，这些内容虽然专业，但在作者的解读下，变得生动有趣，不再是冰冷的学术术语。总而言之，这本书让我看到了中国音乐史的深度和广度，也让我对中华文明的音乐智慧有了全新的认识。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，了解一个民族的音乐，是了解这个民族内心最深处最直接的方式之一。而《中国音乐通史》这本书，则恰恰提供了一个绝佳的视角。《中国音乐通史》不仅仅是一本关于音乐的书，它更像是一部关于中国文化和民族精神流变的书。从书的开篇，讲述那原始的、带着自然气息的远古歌谣，我就能感受到先民们与天地对话的朴素情感；接着，秦汉时期那庄重、宏大的宫廷乐舞，又展现了统一王朝的磅礴气势；而唐宋时期，音乐的精致、细腻，以及与文人生活的高度融合，则反映了那个时代的繁荣与雅致。书中对佛教音乐的探讨，也让我看到了宗教对中国音乐的深远影响。最让我惊喜的是，作者并没有回避近现代音乐的复杂性，而是深入分析了西方音乐的传入、民族音乐的变革以及新中国成立后音乐创作的走向，这让整个通史的脉络更加完整和连贯。这本书让我意识到，每一段旋律，每一首曲子，背后都承载着一个时代的记忆，一种民族的情感，一种文化的积淀。它让我重新审视那些熟悉的旋律，也让我对那些未曾听闻的音乐产生了浓厚的兴趣。

评分☆☆☆☆☆

读完《中国音乐通史》，我最大的感受是，中国音乐的历史，比我想象的要丰富、要复杂、要迷人得多。这本书的叙事角度非常独特，它没有拘泥于单一的音乐学理论，而是将音乐放在了一个更宏观的历史视角下进行审视。我特别喜欢书中关于音乐与社会生活的结合的论述，比如，书中详细介绍了不同朝代宫廷中的乐器、乐队编制，以及音乐在朝会、祭祀、宴乐等各种场合的作用，这让我对古代社会的生活图景有了更生动的想象。同时，书中对民间音乐的关注也让我印象深刻，无论是汉代的乐府民歌，还是宋代的民间曲艺，都展现了音乐作为一种大众文化形态的生命力。作者的语言风格也十分吸引人，既有学术的严谨，又不失文学的色彩，阅读起来毫不费力，甚至可以说是享受。书中对不同时期音乐风格的细致描摹，以及对音乐家、作曲家群体的介绍，都让我看到了中国音乐发展中那些鲜活的面孔。这本书让我明白，音乐不仅仅是听觉的艺术，更是历史的见证，是文化的载体，是情感的抒发。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是给所有热爱中国文化，但又对音乐史望而却步的人量身定做的！《中国音乐通史》以一种非常接地气的方式，带领我走过了一段又一段中国音乐的辉煌历程。我一直觉得，要真正理解一个时代的精神风貌，离不开对这个时代音乐的了解。从古朴的钟磬之声，到宫廷的恢弘乐章，再到文人的雅乐，以及市井的喧闹曲调，这本书都一一娓娓道来。让我印象深刻的是，作者并没有刻意去拔高某些音乐形式，而是以一种客观、公正的态度，展现了不同时期、不同地域、不同阶层音乐的特点和价值。比如，在谈到近现代音乐时，书中对民族音乐的抢救、整理和创新，以及对西方音乐的学习和融合，都进行了深入的探讨，这让我看到了中国音乐在时代变迁中的坚韧与活力。书中还穿插了不少有趣的轶事和考证，让枯燥的学术内容变得鲜活起来。读完这本书，我感觉自己不仅仅是了解了中国音乐史，更是与中国历史、中国文化进行了一次深刻的对话。这本书让我对中国音乐充满了敬意，也对未来的中国音乐发展充满了期待。