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出版社： 上海人民出版社

ISBN：9787208148079

商品编码：25370988826

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	佛教美学新编
作者：	祁志祥著
定价：	78.0
出版社：	上海人民出版社
出版日期：	2017-12-01
ISBN：	9787208148079
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装帧：
开本：	小16开

内容简介

本书作者将佛教和美学作为一个跨学科的论题，从自己对美和美学的理解出发，挖掘、演绎、分析佛教中的美学思想和意蕴。书中，作者对佛教各宗派美学个性研究较为深入，还包罗了对佛教美学创作的丰富展示。

《静观与妙合：东方智慧中的审美意境》 导论 在纷繁的世界图景中，人类的审美体验扮演着至关重要的角色。它不仅仅是对感官愉悦的追求，更是一种深刻的生命理解和价值认同。当我们审视东西方不同的审美传统时，会发现它们在追求的终极目标上，往往殊途同归，却又展现出截然不同的路径和风貌。《静观与妙合：东方智慧中的审美意境》一书，正是试图剥离西方理性分析的框架，深入东方古典语境，探寻那隐藏在山水之间、器物之中、乃至一颦一笑里的，蕴含着深邃哲思的审美意境。 本书不拘泥于对既有艺术作品的简单罗列与评论，而是着眼于构建一种认识东方审美特质的认知体系。我们将从“静观”与“妙合”这两个核心概念出发，层层剥茧，展现东方智慧如何渗透于艺术创作的各个层面，并最终导向一种超越感官的、澄明宁静的生命境界。 第一章：静观之道——“无”中生“有”的体悟 “静观”是东方审美意识的基石。它并非被动地观看，而是一种主动的、内敛的、深沉的凝视。这种凝视，要求观者暂时放下主观的欲望与预设，进入一种虚静的状态，去感受客体本身的存在。 虚室生白： 中国山水画中的留白，不仅仅是技法，更是哲学。它象征着无限的可能性，是观者自由想象的画布。留白之处，并非空无，而是蕴含了比具体形象更广阔的精神空间。我们将在本章探讨，这种“虚”如何成为“实”的载体，如何通过“无”引出“有”的妙趣。 意在笔先： 与西方写实主义追求形似不同，东方艺术更注重“意”。“意”是艺术家内心的感悟、生命的体验，是超越具体形象的精神内涵。书法中的飞白、绘画中的写意，都体现了“意”的主导地位。本章将深入剖析，“意”如何在创作过程中被孕育，又如何在观照中被唤醒。 禅心寂照： 佛教的“禅”观念，对东方的审美产生了深远影响。禅宗强调“明心见性”，通过禅定的力量，使心灵达到一种宁静、空寂的状态，从而洞察事物的本质。寺庙建筑的极简风格、禅意园林的枯山水，无不体现了这种“静观”的智慧。本章将借助禅宗语录和实践，阐释“静观”如何是一种心灵的修行，一种通往真理的途径。 物我两忘： 当观者能够真正达到“静观”的境界时，便能体验到“物我两忘”的超然。此时，主体与客体之间的界限模糊，人与自然融为一体。这种体验，在古代文人的隐逸诗歌、山水游记中得到了淋漓尽致的展现。本章将探讨，这种“忘”并非是消极的逃避，而是更为深刻的融入与体悟。 第二章：妙合之境——“象”外之“音”的共鸣 “妙合”则是“静观”之后，主体与客体达到和谐统一的境界。它强调的不是征服或改造，而是理解、顺应与融合。这种“合”，是心灵的契合，是生命的共鸣。 天人合一： 这是中国哲学和美学中最核心的思想之一。它主张人是自然的一部分，应顺应自然的规律，与天地万物和谐相处。园林艺术中的“虽由人作，宛自天开”，便是这种“妙合”思想的集中体现。本章将分析，如何在不同的艺术形式中，体悟“天人合一”的审美精神。 情景交融： 东方诗歌和绘画中，常常将人的情感与自然景物融为一体。词人笔下的“杨柳岸晓风残月”，不仅仅是对景色的描绘，更是词人孤寂心境的投射。这种“情景交融”，使得艺术作品拥有了更深沉的感染力。本章将探讨，如何通过艺术的语言，实现情感与景物的“妙合”。 阴阳相生： 东方哲学中的阴阳学说，揭示了万事万物相互依存、相互转化的普遍规律。这种对立统一的观念，也体现在审美之中。例如，中国瓷器中釉色的变化、水墨画中浓淡的对比，都体现了对“阴阳相生”的艺术化处理。本章将分析，这种辩证思维如何丰富了东方的审美维度。 妙笔生花： “妙合”并非僵化的模式，而是一种灵动而精妙的创造。艺术家在遵循规律的同时，又能在细节处展现出非凡的匠心。一处恰到好处的点睛之笔，往往能使整件作品焕发生机。本章将通过对具体艺术品细节的赏析，展现“妙合”是如何在点滴之处成就艺术的辉煌。 第三章：山水寄情——自然之境与心灵之境的对话 山水，是东方审美最重要的载体之一。它不仅仅是自然风光的描摹，更是艺术家心灵的投射，是哲学思考的载体。 山水的“人化”： 东方的山水画，并非客观的地理记录，而是经过了艺术家的“人化”处理。山峦的起伏，仿佛是人生百态的写照；溪流的蜿蜒，则寓意着生命的曲折。本章将分析，艺术家是如何将个体的情感与体验，注入到山水之中，使其具有生命力。 “卧游”的艺术： 当艺术家和观者无法亲身抵达远方的山水时，绘画便成为了“卧游”的媒介。通过观赏山水画，人们可以在精神上进行一次心灵的远游。这种“卧游”，体现了东方审美对精神自由的追求。本章将探讨，绘画如何打破时空的限制，实现“卧游”的艺术功能。 园林的“缩影”： 中国古典园林，是山水意境的另一种体现。它将自然的山水浓缩于咫尺之间，创造出一个可以“移步换景”的微缩世界。园林的设计，讲究曲径通幽，虚实相生，与山水画的审美意境异曲同工。本章将深入剖析园林的设计理念，以及其所蕴含的审美哲思。 诗画合璧： “诗中有画，画中有诗”，这是对东方诗画结合的最佳诠释。诗歌以其凝练的语言，描绘出画面感；绘画则以其丰富的视觉元素，传递出诗意的意境。本章将通过具体的诗画作品，展示诗与画如何通过“妙合”，达到一种更为深刻的艺术表现力。 第四章：器物之道——生活美学与精神寄托 东方审美不仅体现在宏大的山水画卷中，更融入了寻常的器物之中，渗透到生活的方方面面。 “物”的灵魂： 东方的许多器物，如青铜器、陶瓷、家具，都不仅仅是实用的工具，更承载着文化、历史和哲学。它们在形态、纹饰、质感上，都体现了对美学的极致追求。本章将以几件经典的东方器物为例，分析其背后蕴含的审美理念。 “手作”的温度： 与工业化生产的标准化不同，东方传统器物往往带有浓厚的“手作”痕迹。匠人的一刀一凿，一揉一捏，都赋予了器物独特的生命力和人文关怀。这种“温度”，使得器物不仅仅是物品，更是情感的寄托。本章将探讨，“手作”如何成为东方器物审美的独特魅力。 “道”器一体： 东方哲学强调“道”与“器”的统一。一件好的器物，不仅要形美，更要蕴含着某种“道”的精神。例如，茶道的器具，其简朴无华的设计，背后却蕴含着“和、静、怡、真”的哲学思想。本章将分析，器物如何成为承载和体现“道”的载体。 生活的诗意： 东方审美并非阳春白雪，它同样存在于寻常百姓家。一盏茶，一束花，甚至一把椅子，都可以成为审美体验的对象。这种将审美融入生活的态度，使得生活本身也充满了诗意。本章将通过对日常器物的赏析，展现东方人如何通过“物”来提升生命的品质。 第五章：书法之韵——线条的生命力与书写的哲学 书法，被誉为“无声的诗，无形的舞”，是东方艺术中最具代表性的门类之一。它以线条为载体，传递着书写者的精神气韵。 线条的意志： 书法中的每一笔，都不是机械的运动，而是蕴含着书写者的意志和情感。提、按、顿、挫，笔锋的起承转合，都仿佛有了生命。本章将分析，如何通过对线条的细致观察，体悟其内在的张力和力量。 字形之美： 书法的美，不仅在于笔画的运用，更在于字形的结构。点、横、竖、撇、捺的相互关系，疏密、长短、欹正的平衡，都构成了一幅幅动态的画面。本章将探讨，汉字本身所具有的结构美，以及书法家如何在其基础上进行再创造。 “笔精墨妙”： 书法是“笔精墨妙”的艺术。优质的笔墨纸砚，是创作的基础，但更重要的是书写者对笔墨的驾驭能力。墨色的浓淡枯湿，笔锋的枯润变化，都为书法增添了丰富的层次感。本章将分析，笔墨在书法创作中的作用，以及如何通过对笔墨的运用，达到“妙合”之境。 书写者的“心相”： 每一幅书法作品，都或多或少地反映了书写者的精神状态和个人品格。狂草的奔放，行书的流畅，楷书的端庄，都透露出书写者的性情。本章将从“心相”的角度，解析书法作品所传达的深层信息。 结论 《静观与妙合：东方智慧中的审美意境》一书，并非试图为东方审美下一个绝对的定义，而是提供一种认识东方审美特质的视角和方法。我们所探讨的“静观”与“妙合”，以及它们在山水、器物、书法等不同领域中的体现，旨在揭示一种更为深沉、更为内在的审美追求。 东方审美，是对生命本真的回归，是对心灵宁静的向往，是对宇宙和谐的体悟。它要求我们从纷杂的表象中抽离，用一颗澄明的心去感受，用一种“妙合”的态度去融入。通过对这些古老智慧的重拾，我们希望能够为当代人提供一种不同于西方理性主义的审美体验，一种更加贴近生命本质的审美路径，从而在喧嚣的世界中，寻找到属于自己的那份宁静与和谐。本书的探索，仅仅是一个开始，东方审美智慧的博大精深，值得我们持续地去发现、去体悟、去传承。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本关于20世纪先锋派电影理论的文集，就像是置身于一场充满激烈辩论的沙龙。这本书的特点是汇集了多位重量级理论家的核心观点，并辅以大量的影片剪辑分析作为佐证。书中对蒙太奇理论的演进进行了细致入微的梳理，从爱森斯坦的“吸引子式”蒙太奇，到戈达尔对线性叙事的彻底颠覆，每一部分都充满了智力上的刺激。作者对“异化”在电影语言中的体现有着独到的见解，特别是分析了某种实验性镜头语言如何故意制造观众的不适感，从而达到政治或哲学上的反思目的。文字论述的特点是逻辑推演非常清晰，如同一个精密的机械结构，每个理论支点都支撑着下一步的论证。阅读过程中，我感觉自己的观影习惯和思维模式都在被不断地挑战和重塑，它迫使你跳出故事的表层，去审视光影、声音和剪辑点本身所承载的意义重量。

评分☆☆☆☆☆

这部关于非物质文化遗产保护的田野报告，读起来就像是在翻阅一位人类学家的私人笔记，充满了泥土的芬芳和真诚的关怀。作者将焦点放在了濒临消亡的口头传统和地方性手工艺上，语言风格非常口语化和富有画面感，完全没有学术论文的刻板。书中记录了作者在偏远山区与匠人、歌者进行长期接触的经历，那些关于技艺传承的片段，比如一块古老木材的气味、一段歌谣中隐藏的季节密码，都被描绘得栩栩如生。我印象最深的是对一种失传的染色工艺的抢救性记录，作者详细描述了采集植物、熬制染料，乃至最后成品呈现出那种自然界独有的“不完美”之美，并反思了工业化标准对这种“慢美学”的冲击。这本书的价值在于，它不仅仅是记录，更是在为这些易逝的文化表达进行一次温柔的“记忆抢救”，其情感的投入和伦理的审慎是值得称赞的。

评分☆☆☆☆☆

读完这本关于古典文学批评的著作，我仿佛经历了一次对文本的彻底“解剖”。这本书的视角极为独特，它没有停留在对莎士比亚或荷马史诗的简单赏析上，而是聚焦于叙事结构和原型象征的内在运作机制。作者对“英雄之旅”模型进行了极其详尽的图解和批判性分析，指出其在不同文化背景下的变异和局限性。尤其令人称奇的是，书中对“不可靠叙述者”手法的梳理，从塞万提斯到福克纳，作者用近乎数学般的精确性拆解了叙事声音是如何被操纵，以及这种操纵如何影响读者对“真相”的感知。我特别喜欢它探讨的那个部分——关于“留白”的力量，即作者刻意省略的内容如何反过来构建了意义的重量。文字风格上，它带着一种严谨的学院派气息，但绝不沉闷，充满了对文本的敬畏和探索的激情。对于任何想深入理解文学作品“如何工作”而非仅仅“讲述什么”的人来说，这本书提供了难以替代的工具箱。

评分☆☆☆☆☆

这本关于艺术哲学的书，简直是一场穿越时空的思想漫步。作者以一种极为细腻的笔触，将西方从古希腊到现代的哲学流变，与具体的艺术流派紧密地编织在一起。我印象最深的是其中关于“美与真”的辩证分析，特别是对康德和尼采在审美判断上的深刻解读，文字的密度很高，需要反复咀择才能体会到其中精妙。书里不厌其烦地追溯了“模仿论”如何一步步被“表现主义”所颠覆，这种历史的纵深感让人在阅读过程中不断被新的视角冲击。例如，书中分析了印象派作品中光影的短暂性如何呼应了当时社会对时间流逝的焦虑，这种跨学科的联结处理得非常老道。虽然有些章节涉及的理论术语较为专业，但作者总能及时地用生动的艺术案例来加以说明，使得原本晦涩的理论变得触手可及。这本书的结构组织也相当清晰，从本体论到认识论，再到价值论，逻辑链条完整且严密，读完后感觉对整个西方艺术史的内在驱动力有了更深层次的理解，绝非一般的艺术史普及读物可比拟。

评分☆☆☆☆☆

这是一本关于近代城市规划与社会变迁的综合性研究，内容之广博，令人咋舌。它从19世纪欧洲工业革命的烟尘中开始，探讨了现代城市形态的诞生，特别是对奥斯曼改造巴黎的分析，不仅关注了宏大的街道拓宽，更深入到底层阶级空间被“净化”的社会学后果。书中大量运用了地图、统计数据和建筑草图进行论证，使得抽象的理论变得可视化、可触摸。我特别欣赏作者对“景观的权力”这一概念的阐述，即城市设计如何不动声色地重塑市民的身份认同和行为模式。书中有一章专门讨论了“通勤”的概念如何从一种体力劳动转变为一种心理负担，并如何反过来影响郊区住宅的设计，这个角度非常新颖。唯一的挑战或许是，由于涉及的案例横跨欧亚大陆，读者需要具备一定的地理和历史背景知识，否则在快速切换案例时可能会感到有些吃力。但总体而言，它成功地将建筑、社会学、经济学熔于一炉，提供了一个理解现代性复杂性的绝佳窗口。