中国传统纹样资料精选：线绸、蓝印、花布、刺绣 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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李学英 著

图书标签:

• 中国传统纹样
• 传统纹样
• 线绸
• 蓝印
• 花布
• 刺绣
• 民俗
• 图案
• 设计素材
• 工艺美术

出版社： 天津人民美术出版社

ISBN：9787530541258

版次：1

商品编码：10187191

包装：平装

开本：20开

出版时间：2010-05-01

页数：131

正文语种：中文

内容简介

　　《中国传统纹样资料精选：线绸.蓝印.花布.刺绣》主要是介绍中国传统丝绸、蓝印花布和刺绣工艺纹样。今天再翻阅。品味它的风采，相信会有另一番新鲜的感受。它历史悠久，内容丰富，造型优美，结构严谨，风格典雅，设色考究，花样不断翻新，或华丽，或淳朴，均可为中国传统工艺之中的奇葩。我们应该很好地学习和继承它，以使古为今用，继往创新。
　　这些图案资料是编者在多年教学工作中与学生一起从相关图书资料及实物陈列临摹收集的，特别是《中国云锦图案》、《中国丝绸图案》（沈从文、王家澍编著）、《中国历代染织刺绣图案》（方兴德编著）、《中国刺绣》（孙佩兰编著）、《中国靛青印花图案》等图书提供了丰富的资料。在此特向以上图书作者深表谢意。

内页插图

目录

一、中国丝绸简介
二、中国蓝印花布简介
三、中国刺绣简介
四、彩图部分

前言/序言

古韵新章：宋代文人画的意境与流变 本书深入剖析了宋代文人画从萌芽、兴盛到最终定型的复杂历程及其独特的艺术哲学。宋代，作为中国传统文化艺术的巅峰时期之一，文人阶层在社会结构中地位的提升，直接催生了以抒发个人情志、追求“写意”为核心的文人画的勃发。本书旨在通过对这一时期重要画家及其代表作品的细致考察，揭示文人画如何超越单纯的技法模仿，上升为一种独特的美学范式和精神追求。 第一部分：时代背景与文人精神的觉醒 宋代的政治结构与文化思潮为文人画的诞生提供了沃土。士大夫阶层通过科举制度进入权力中枢，他们既是政治的参与者，也是文化艺术的继承与创新者。与唐代尚法求“形似”的院体画不同，宋代文人将绘画视为“修身养性”的媒介，强调“胸中之丘壑”，即画家内在精神世界的物化。 本书首先梳理了宋代理学对文人思想的影响。程朱理学强调“格物致知”，引导士人关注事物的内在规律和本质。在绘画领域，这意味着不再满足于表面的描摹，而是追求描绘对象背后的“理”与“意”。苏轼提出的“论画以形似，见与鄙夫不殊；论画以神似，则佳士之所为也”的观点，成为指导文人画发展的核心准则。 此外，本书也考察了宋代城市经济的发展和印刷术的进步对艺术传播的推动作用，这使得文人画的审美理念得以更广泛地流通和讨论，形成了相对独立的评论体系。 第二部分：北宋：写意初探与山水画的奠基 北宋是文人画形成的关键时期。早期的画家们在继承前代技法的基础上，开始尝试注入个体的情感与哲思。 荆浩、关仝的“气势磅礴”：虽然他们常被归为早期山水画的巨匠，但其作品中对北方山川的雄浑描绘，已经蕴含着一种超越写实的、近乎宗教体验的崇高感。本书重点分析了他们如何利用笔墨的浓淡干湿来表现山体的内在力量，而非仅仅记录外形。 李成与“寒林平远”：李成在山水画中引入了萧瑟、清寂的意境，其“寒林”、“怪石”的描绘，被视为文人对隐逸生活向往的投射。我们详细分析了其标志性的“连塔式”树法在表现苍劲生命力方面的独特贡献。 范宽的“近密远疏”：范宽的作品达到了北宋山水画气势的顶峰。通过对其标志性的“雨线皴”和全景式的构图研究，我们探讨了如何通过密集的笔触营造出压迫感和“纪念碑性”，体现了士大夫面对自然时的敬畏与审视。 苏轼与文人画的理论确立：苏轼不仅是伟大的文学家，更是文人画理论的集大成者。他大力提倡“意在笔先”和“不着色相”的理念。本书特设一章，专门讨论苏轼在黄州时期倡导的“墨戏”概念，以及他如何将诗、书、画融为一体，确立了后世文人画的审美标准——以书入画。 第三部分：南宋：院体与文人的张力与融合 南渡之后，在偏安一隅的背景下，画坛出现了两种截然不同的倾向：官方宫廷画院的精细化，以及文人画在江南的深化与转向。 院体画的极致与局限：以刘松年、李唐为代表的院画家，在技法上达到了炉火纯青的境地，尤其是在界画和人物故事画上。然而，本书指出，院体画的“求全”与“富丽”在某种程度上与文人画追求的“拙”与“真”形成了张力。 “米家父子”的纯粹写意：米芾、米友仁父子是文人画从写意到抽象探索的关键人物。他们发明的“米点皴”，完全舍弃了线条的勾勒，以墨的点堆来表现烟雨迷蒙的江南气候与山形，这标志着文人画在笔墨语言上的巨大飞跃——从“形似”向“意象”的彻底转变。 马远、夏圭的“一角半边”：在空间处理上，南宋画家具备了高超的剪裁能力。马远的“边角构图”和夏圭的“对角线布局”，不仅是技巧上的创新，更是精神上的反映——在国土沦丧的背景下，画家以局部的、留白的、空旷的画面，寄托对“江山依旧，人事已非”的复杂情感，这是一种高度凝练和内敛的抒怀方式。 第四部分：花鸟画的文人化转型 与山水画同步发展的，是花鸟画的文人化进程。宋徽宗时期，院体的花鸟画达到了写实与装饰性的巅峰。但文人则致力于“写意花鸟”。 写意与赋色：以林逋的梅花为精神源头，宋徽宗的写实精神与文人的写意精神逐渐融合。本书着重分析了“不似之似”在花鸟画中的体现，例如如何用几笔水墨勾勒出竹子的风骨，或者用写隶书的笔法画梅花，使花鸟成为士人品格的象征符号。 结论：宋代文人画的永恒遗产 本书总结认为，宋代文人画的价值在于它成功地构建了一种将艺术创作与个体生命哲学紧密结合的东方美学体系。它确立了中国艺术史上“技近于道”的典范，对元、明、清三代的绘画乃至整个东亚艺术传统产生了不可磨灭的影响。通过对这一时期文人画的深入研究，我们得以窥见那个时代士大夫阶层如何以笔墨为工具，完成了对自我精神世界的最高程度的构建与表达。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对这类传统工艺类的书籍一直抱着一种比较审慎的态度，很多同类书籍要么是图鉴性质太强，缺乏深度解读，要么就是文字堆砌过多，图版质量跟不上。但这一本完全打破了我的刻板印象。最让我惊喜的是它对“工艺细节”的捕捉，比如有些线描图，能清晰地看到丝线是如何穿针引线，不同针法在视觉上产生的细微差别。我曾经尝试自己做一些刺绣，深知“黹法”的重要性，而这本书里的图示清晰地展示了平绣、滚绣、锁绣等多种技法的应用效果。对我来说，与其说是看一本图案集，不如说是在上一堂立体、直观的非物质文化遗产微观课程。我已经开始尝试用书中的一些基础单元进行重构和创新设计了，那种将传统元素现代化转化的过程，充满了乐趣和挑战。

评分☆☆☆☆☆

我原本以为这会是一本沉闷的学术资料汇编，但实际阅读体验却出乎意料的流畅。作者在介绍这些纹样时，似乎总能找到一种旁征博引的叙事方式，让你在看图案的同时，也能了解到相关的历史事件、社会习俗乃至哲学思想。例如，在描述某一类几何连续纹样时，书中巧妙地穿插了古代工匠们对“无限”和“循环”概念的理解，这种跨学科的解读方式，让原本静态的图案变得鲜活起来。我不是科班出身，但阅读起来毫无压力，反而有一种被引导着探索未知领域的兴奋感。这本书的价值在于它成功地搭建了一座艺术与人文之间的桥梁，让人在欣赏美的同时，也能感受到历史的厚重与智慧。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张质感真的让人眼前一亮，厚实的铜版纸印刷出来的彩色图版，色彩饱满得像是能触摸到布料的纹理一样。我本来是想找一些关于古代建筑装饰图案的资料，结果误打误撞发现了这个宝藏。里面的图案种类极其丰富，光是几何纹样部分，就能看到从简单的回形纹到复杂的多层嵌套结构，每一种都有详细的图例和尺寸标注，对于做设计或者研究历史图案的人来说，简直就是一本行走的图谱。我特别喜欢其中关于“蝙蝠纹”和“祥云纹”的解析部分，作者不仅仅是罗列了图案，还深入挖掘了它们背后的文化寓意和在不同历史时期的演变，读起来非常涨知识。我打算把这本书放在工作室最显眼的位置，没事就翻一翻，每次都能激发新的灵感，尤其是在色彩搭配和图案布局上，提供了非常直观的参考，绝对是物超所值的一次购买。

评分☆☆☆☆☆

作为一个在时尚界工作的设计师，我一直在寻找能够打破“本土化”壁垒的原创灵感。我发现很多国内设计师的作品在国际T台上显得缺乏记忆点，往往是因为他们只停留在符号的表面引用。这本书的价值就在于，它提供了深层的肌理和结构分析。特别是关于“蓝印”部分，那种经过反复防染和浸染后形成的边缘模糊但层次丰富的视觉效果，给了我极大的启发。我不再是简单地复制一个图案，而是开始思考如何利用这种“不完美”的工艺美学，去设计现代面料的数码印花效果。这本书的图片质量极高，色彩过渡自然，为我后续的色彩校对工作省去了大量的时间和精力，极大地提高了我的工作效率。

评分☆☆☆☆☆

我买这本书纯粹是为了给我的孩子找一些传统文化启蒙的素材。我对这个领域不算特别专业，但作为一个家长，我希望孩子接触到的东西是原汁原味的。这本书的排版非常清晰，图文分离得当，虽然内容专业，但不会让人感到晦涩难懂。我注意到，很多图案都配有简洁的文字说明，比如某个花卉纹样是哪朝哪代的典型风格，这对于初学者来说非常友好。我周末会带着孩子一起研究里面的印花图案，教他辨认哪些是自然物象的抽象，哪些是神话传说的符号化。它不仅仅是一本资料书，更像是一套可以互动的家庭文化教育工具。而且，书本的耐用性也很好，孩子翻阅起来也不用担心会损坏，这方面做得非常贴心。

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

一条清晰的主线――国画的改良和西画的引进之论争

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印刷很清晰，是很好的临摹范本。

评分☆☆☆☆☆

对学习研究专业领域有价值

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收藏，以后用着方便。

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里面的纹饰很漂亮，琢磨一下可以用在哪里

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纵观20世纪中国近现代美术发展历程，众多的画家、画派和思潮运动等都不是针对一个纯粹艺术问题的探讨，而是在纷繁变动的争论中不断接受与引入外来艺术思潮和流派风格的过程，同时也是反思和改造中国画的过程，其间交织了艺术与文化、艺术市场、艺术社团、艺术教育等方面的复杂因素。虽然作者自述中谈及尽量不用理论阐述史实，但仍给读者梳理出一条清晰的主线――近现代画史中的“现代化（性）”之路的论争，即围绕着国画的改良和西画的引进而展开的道与器之辩。由这条重要线索展开，读者对本书的解读自然不会被看作是某种单一的叙事，因为单线平涂笔触并不能掩盖其他有趣的线索，例如书中对“边缘”地域即港澳台与海外华人的创作，和其他艺术门类如雕塑版画等的实践与意义。

评分☆☆☆☆☆

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