于萍色彩教学04--色彩静物临摹 9787539469362 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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于萍著 著

图书标签:

• 色彩
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• 色彩教学
• 艺术
• 素描

店铺： 一鸿盛世图书专营店

出版社： 湖北美术出版社

ISBN：9787539469362

商品编码：29932400018

包装：平装

出版时间：2014-07-01

基本信息

书名：于萍色彩教学04--色彩静物临摹

定价：48.00元

作者：于萍著

出版社：湖北美术出版社

出版日期：2014-07-01

ISBN：9787539469362

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：4开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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这是一本美术考前应试书——色彩素描静物范画的经典临本。作品大多在课堂示范完成，时间控制在3小时之内，与考试时间基本一致，其方法非常适合学生应试。

目录

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作者介绍

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于萍毕业于中央美术学院，现任教于中央美术学院雕塑系

文摘

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序言

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绘画技巧进阶：从基础到精通的系统探索 书名： 艺术之境：光影、形态与色彩的深度对话 ISBN： 9787539469379 --- 内容提要： 《艺术之境：光影、形态与色彩的深度对话》是一部专为有一定绘画基础，渴望在艺术表达上寻求突破的进阶学习者精心打造的系统性教程。本书摒弃了对初学者概念的简单重复，而是聚焦于如何将基础理论转化为成熟的视觉语言，深入剖析了光影结构、空间透视、复杂形态的解构与重塑，以及色彩在营造情绪与氛围中的核心作用。本书旨在引导读者超越对“形似”的追求，转向对“神似”与“意境”的把握，最终形成具有个人独特风格的艺术表达能力。 全书分为四大核心板块，层层递进，确保学习者能够构建起坚实而灵活的创作框架： 第一章：光影的雕塑力量——空间与体积的构建 本章着重探讨光线在塑造物体体积感和空间关系中的决定性作用。我们不再仅仅识别高光、亮部、暗部和反光，而是深入研究不同光源类型（点光源、面光源、散射光）对物体表面质感的影响。 1. 光源属性的精确模拟： 详细分析了硬光与柔光在塑造边缘锐利度上的差异，以及如何通过对环境光的吸收和反射来丰富暗部的层次。书中通过对多角度照明下球体、立方体、圆柱体等基本形态的分解示范，阐明了“间接光”在提升画面真实感中的隐秘作用。 2. 环境光与空气透视的运用： 深入讲解了空气透视（大气效应）如何建立画面纵深。这不仅包括远处的物体色调偏冷、对比度降低，更包括如何通过细微的雾气感或色相偏移，模拟不同天气条件下的空间感。 3. 材质感的光影表现： 探讨了金属、玻璃、木材、织物等不同材质对光线的反射与吸收特性。例如，分析了镜面反射与漫反射的物理区别，并提供了针对性练习，指导读者如何通过精准的光影处理，让“冰冷的金属”与“温暖的木纹”在画面中呼之欲出。 第二章：形态的解构与重塑——结构与动态的把握 本章超越了简单的轮廓描绘，强调对物体内部结构和内在动态的理解。这是从观察者转变为创作者的关键一步。 1. 复杂形态的几何抽象： 教授如何将自然界中看似随机的复杂形态（如植物的生长结构、岩石的破碎面）分解为基本的几何体块。通过对这些基本体块的精准透视和比例推敲，快速建立起坚实的结构基础。 2. 动态平衡与节奏感： 针对静物组合（如多件器皿的堆叠或蔬果的散落），本章详细解析了“视觉重量”和“视觉流线”。学习者将掌握如何利用线条的走向、形状的大小对比以及物体之间的“呼应关系”，创造出既稳定又富有生命力的画面构图。 3. 细节的提炼与概括： 艺术创作中的高明之处往往在于取舍。本章提供了提炼主要特征、舍弃干扰细节的原则。通过对比“过度写实”与“精准概括”的案例，指导读者找到最能传达物体本质特征的表达方式。 第三章：色彩的交响乐章——关系、调性和情感的渲染 本书在色彩理论的应用上，强调“关系”大于“固有色”。纯粹的色彩值在这里退居次要，色彩的相互作用成为核心。 1. 色彩关系的深度训练： 系统讲解了如何通过主导色（Dominant Color）、对比色（Accent Color）和过渡色（Bridge Color）来构建和谐且有张力的画面整体色调。重点在于如何通过局部色彩的微小调整，影响整体的冷暖倾向和饱和度分布。 2. 环境色与固有色的辩证统一： 探讨了“环境色”对物体表面色彩的渗透作用。读者将学习到，即使是一块白布，在不同环境光照和周围景物的反射下，其自身的色彩构成也会发生显著变化。书中包含大量将固有色“打碎”并重新基于环境光重构的实践步骤。 3. 色彩情绪板的构建与运用： 教授如何为不同的主题（如“沉静的秋日”、“热烈的午后”）预先设定一套色彩情绪基调。通过制定严格的色彩调性规则，确保最终作品的情感指向清晰明确，避免画面色彩的互相干扰和混乱。 第四章：综合应用的艺术实践——从临摹到独立的视觉叙事 本章将前三章的理论和技巧融会贯通，指导读者进行高难度的综合性静物创作，并最终建立个人风格。 1. 复杂静物的构图策略： 讲解如何处理具有明显景深差异和材质差异的复杂场景。内容涵盖了引导视线穿过前景、中景至背景的“视觉隧道”设计，以及如何利用焦点（Focus Point）的清晰度差异来控制观众的注意力。 2. 媒介特性的驾驭： 针对油画、丙烯、水彩等不同媒介的特性，提供了具体的技法指导。例如，如何在油画中实现厚涂堆叠的体积感，又如何在水彩中捕捉光线的通透性，强调媒介选择对最终风格的影响。 3. 风格的内化与表达： 这是全书的点睛之笔。作者引导读者反思自身对世界的感知方式。通过对历史上大师作品（如塞尚的结构感、维米尔的光线处理）的分析，鼓励学习者有意识地在自己的作品中融入独特的观察角度和偏好的视觉语言，实现从“学习描绘”到“创造表达”的飞跃。 本书特色： 强调思维转换： 侧重于“为什么”要这样画，而非仅仅是“如何”下笔的步骤罗列。 反向工程分析： 大量采用对成熟作品进行结构、光影、色彩的逆向拆解分析，让读者能清晰看到最终效果是如何由基础元素搭建而成。 实战挑战： 包含大量需要综合运用多项技巧的高难度案例分析，是巩固和检验学习成果的绝佳素材。 适合读者： 已掌握素描基础，对色彩理论有初步认知，希望系统提升静物写实或表现主义绘画技巧的艺术学生、自由艺术家及长期爱好者。

评分☆☆☆☆☆

我一直对油画风景的描绘很感兴趣，也尝试过一些入门教程，但总觉得在色彩的运用上总是不得要领。这本书恰好弥补了我在这方面的不足。它提供的临摹范例，无论是古典大师的作品还是现代艺术家的高仿，都经过了精心挑选，涵盖了不同的绘画风格和主题。我特别喜欢书中对于光影和体积感的处理的讲解，作者通过细致的步骤分解，展示了如何运用色彩来塑造物体的立体感和空间感，这对于我这样想要提升写实绘画技巧的读者来说，简直是宝藏。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我都认为色彩的运用是艺术创作中最具挑战性的部分之一。这本书通过对大量色彩静物进行细致的临摹和分析，让我看到了色彩的无穷魅力。书中对每幅临摹作品的解析都非常到位，不仅指出了原作者在色彩运用上的独到之处，还提供了实用的学习方法和技巧。我特别欣赏书中关于如何观察和捕捉物体本身色彩的讲解，这让我意识到，很多时候我们看到的颜色并非物体本身的颜色，而是光线、环境等多种因素共同作用的结果。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计给我留下了深刻的印象，封面色彩的搭配就显得非常专业，既有艺术感又不失严谨。翻开书，纸张的质感也很好，印刷清晰，色彩还原度极高，这一点对于一本关于色彩教学的书籍来说至关重要。我尤其喜欢书中对基础色彩理论的讲解方式，它并非枯燥的公式堆砌，而是通过生动形象的图示和通俗易懂的语言，将抽象的色彩概念具象化。例如，在讲解色彩的冷暖对比时，书中配的案例就非常直观，让人立刻就能理解不同色调带来的情感差异。

评分☆☆☆☆☆

作为一名美术初学者，我之前对色彩的认识非常有限，常常觉得颜色用不好，画面就显得单调或混乱。这本书的出现，让我对色彩的世界有了全新的认识。它不仅仅是教授如何调色，更重要的是引导读者去观察和感受色彩的微妙变化。书中对不同色彩之间的和谐与冲突的讲解，以及如何运用色彩来表达情绪和氛围，都让我受益匪浅。我尝试着跟着书中的步骤进行练习，虽然一开始效果不是很好，但每一次的尝试都让我对色彩的理解更深一层。

评分☆☆☆☆☆

我是一名平面设计爱好者，平时也会接触到一些配色方面的需求，但往往是凭感觉来，不够系统。这本书的色彩静物临摹部分，虽然是针对绘画的，但其中蕴含的色彩搭配原理和对色彩感知力的训练，对我来说同样具有很高的参考价值。书中对不同色彩组合所产生的视觉效果的分析，以及如何通过色彩来引导观众的视线，这些都可以在我的设计工作中得到应用。我尝试着将书中的一些配色理念运用到我的设计稿中，效果确实有了明显的提升。