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美霍伦斯坦，魏学礼 著

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• 后期制作

店铺： 巧艺图书专营店

出版社： 中国摄影出版社

ISBN：9787802360341

商品编码：29907074876

出版时间：2007-01-01

基本信息

书名:彩色摄影教程

定价：78.00元

售价：56.9元,便宜21.1元,折扣72

作者:(美)霍伦斯坦 ,魏学礼

出版社：中国摄影出版社

出版日期：2007-01-01

ISBN：9787802360341

字数：

页码：

版次：1

装帧：

开本：

商品重量：0.4kg

编辑推荐

内容提要

这本引进自小布朗出版公司的经典摄影教程为各种水平的摄影师提供了全面的技术、材料和工艺制作方法。同时配有像安妮·莱博维茨、哈里·卡拉汉、乔尔·迈耶罗维茨、帕特里克·德马切利尔、希拉·梅茨纳、厄恩斯特·哈斯、威廉·韦格曼和乔伊斯·坦尼森等摄影家拍摄的精美照片。内容包括：摄影的起源、使用彩色胶片拍摄、冲洗彩色照片、制作彩色照片、彩色理论、对健康和环境的危害、彩色照片的档案管理、摄影术语汇编。“彩色摄影教程是一本的摄影指南，它会设法教会你从容应付并不轻松的任务。如果你认为拍摄彩色照片太复杂，那么你应当拥有这本书，它会使这一过程变得容易理解。霍伦斯坦将会帮助你使用彩色胶片拍照并制作出好照片。”“彩色摄影教程提供了大量详实准确的信息。如它所传达的那样，它为大学生提供了极好的视觉，并且是目前可供摄影教学参考的颇受欢迎的新增教材。”

目录

作者介绍

享利·霍伦斯坦是一位专业摄影师。他为摄影爱好者及摄影专业学校编写过20余本教材，其中包括的《黑白摄影教程》和《基础摄影》。他目前在罗得岛设计学院教授摄影。

文摘

序言

摄影艺术的深度探索：光影、构图与后期处理的完整指南 本书并非关于彩色摄影基础操作的入门手册，而是一部深入剖析摄影精髓的理论与实践的重量级著作。它旨在带领已经掌握了相机基本操作和色彩理论的摄影爱好者，迈向一个更高维度的视觉表达领域。 本书的核心关注点在于“摄影的本质”——如何通过镜头捕捉和重塑光线，如何构建一个能够与观众进行深度对话的视觉叙事，以及如何利用后期处理的强大工具，将瞬间的感知转化为永恒的影像杰作。 第一部分：超越色彩的本质——光与影的雕塑艺术 (The Sculpting Art of Light and Shadow) 在本书的开篇，我们首先要进行一次对“光”的深刻再认识。我们不会过多纠缠于白平衡或色彩模式的选择，而是将重点放在光的质量、方向和特性上，这是构成一切影像的基础，无论其最终呈现为彩色还是单色。 第一章：光的物理与感知 我们将详细探讨不同类型光源的物理特性（例如，单色光、复色光、连续光谱与离散光谱），以及它们在不同介质（空气、水、雾气）中传播时的行为。深入分析光的软硬度（柔光与硬光）如何影响纹理的呈现和情绪的渲染。我们还将研究人眼对光线敏感度的非线性特征，并探讨如何利用曝光梯度的设计，欺骗或引导观众的视觉焦点。 第二章：阴影的叙事力量 阴影（Shadow）不应被视为“没有光”的部分，而应被视为“光的设计语言”。本章将系统分类和解析阴影的各种形态： 1. 轮廓阴影（Form Shadow）： 强调物体的三维形态和体积感。 2. 投射阴影（Cast Shadow）： 揭示光源的位置和环境的结构关系。 3. 分离阴影（Separation Shadow）： 创造前景与背景之间的空间层次。 通过大量的案例分析，我们将展示如何通过控制阴影的密度、边缘清晰度（硬边与柔边）和色彩倾向，来构建悬疑、戏剧性、宁静或动荡的氛围。 第三章：曝光的动态控制与高动态范围重构 (HDR Beyond Merging) 本书对曝光的理解超越了简单的“正确曝光”概念。我们探讨的是曝光的审美选择： 极端曝光策略： 什么是“影调漂移”（Tonal Drift）？如何故意采用高调或低调，来剥离或强调主体的质感？ 中间调的价值重估： 在一个高反差场景中，我们如何通过精确的曝光取舍，保留那些被传统曝光法则忽略的关键中间调信息。 高动态范围的哲学： 讨论超越相机硬件限制的动态范围重构。这不仅仅是多张合成，而是关于如何在数字空间中，以符合人脑记忆的方式，重建场景的真实光照模型。我们将深入研究LUT（查找表）在模拟真实世界光照衰减方面的应用，而非仅仅是颜色校正。 第二部分：视觉结构与空间构建 (Visual Architecture and Spatial Construction) 本部分将视角从光线转向画面结构，重点在于如何打破或巧妙运用既有的构图规则，以实现强烈的视觉冲击力和空间引导。 第四章：超越三分法——动态平衡与非对称张力 我们假设读者已经熟悉基本的黄金分割和三分法。本章将探讨更高级的构图原则： 负空间的主动利用： 负空间不再是背景的填充物，而是与主体同等重要的“沉默的叙述者”。分析如何利用大面积的空白区域来放大主体的存在感或营造孤独感。 运动线与引导线的设计： 如何设计“隐藏的对角线”和“S形曲线”，引导观众的视线在画面中进行一次完整的“旅行”。讨论“V”字形构图在创造深度和稳定感之间的微妙平衡。 格式的选择与空间压缩/拉伸： 深入研究不同画幅比例（1:1, 4:5, 16:9, 甚至超宽幅）对空间感的影响。例如，如何通过极端的长焦镜头实现“画面的叠瓦效应”，将远近景物压缩到一个平面上，形成抽象的肌理。 第五章：景深与焦点的心理暗示 景深（Depth of Field）是控制观众注意力的最有力工具之一。本章专注于焦点选择的心理学意义： 1. 焦点锁定与叙事中心： 在多主体画面中，焦点明确了“谁是故事的主角”。讨论“焦点转移”——如何通过后续的观看引导，让观众的注意力从一个点平滑地转移到另一个点。 2. 超大景深的运用： 在风光摄影中，如何利用超大景深确保每一个细节都清晰锐利，并运用“超焦距”的计算，实现最优化清晰度。 3. 极浅景深的抽象化： 探讨如何将背景彻底虚化成纯粹的光斑和色彩块（焦外成像/Bokeh），使主体从二维平面中“浮现”出来，进入一种近乎三维的感知空间。 第三部分：后期处理的炼金术——从数据到艺术的转化 (The Alchemy of Post-Processing) 本书的后期处理部分，完全摒弃了“调色盘”式的简单操作，转向基于光线和结构重建的数字暗房哲学。 第六章：数据深度与非线性编辑的权力 我们首先要理解RAW文件的本质——它不是照片，而是传感器捕获的原始光子数据记录。本章深入探讨位深（Bit Depth）的重要性，以及如何进行线性工作流（Linear Workflow）处理，以避免在编辑过程中引入不必要的色彩断层或色阶断裂。 高位深处理的优势： 在处理极端亮部和暗部细节时，32位浮点数的优势如何转化为更平滑的过渡和更精确的选区控制。 遮罩技术的革命： 深度剖析通道（Channels）在选择复杂区域中的强大能力，超越简单的“选区工具”。如何从R、G、B通道中提取纹理或特定的光照信息，进行局部、精细的非破坏性调整。 第七章：纹理、微反差与细节的重塑 摄影的质感往往决定了画面的高级感。本章关注如何通过细微的局部调整来赋予图像生命力： 1. 微反差（Micro-Contrast）的控制： 阐述高通滤镜（High Pass）在数字后期中如何精确控制物体边缘的清晰度和局部对比度，从而模拟出中画幅胶片的扎实质感。 2. 锐化与降噪的平衡艺术： 探讨输出锐化（Output Sharpening）的必要性，以及如何使用不同类型的降噪算法（如空间降噪与时间降噪）来保护真实纹理，而非仅仅消除噪点。 3. 分离色调处理（Split Toning）的深度应用： 这不仅仅是为阴影和高光添加颜色，而是模拟不同类型胶片对不同曝光区域的化学反应。我们将研究如何使用分离色调来“校准”画面的视觉温度，使其更具电影感或怀旧感。 第八章：色彩的心理学与风格化映射 (Stylistic Color Mapping) 本书的色彩部分将完全脱离“还原真实色彩”的范畴，转向“创造情绪色彩”。 色彩关系的解构： 分析色彩在画面中的相互作用，例如如何通过相邻色的对比（冷暖对比、互补色对比）来强化主体的存在感。 风格化LUT的逆向工程： 学习如何分析和解构经典电影或大师作品中的色彩分级，并将其“逻辑化”，转化为可重复使用的编辑流程，而非简单套用预设。 皮肤影调的科学处理： 尤其针对人像摄影，我们将深入研究HSL/Luminance曲线在处理肤色中的微妙变化，确保人物在强烈风格化处理下，皮肤依然保持健康和立体感。 本书最终的目标，是让读者将技术视为工具，将光影和结构视为画布，从而能够自信地、有目的地，“设计”出每一张具有深刻个人印记的视觉作品。它要求的是思考、实验和对视觉语言的不断精进。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容给我带来了一些意料之外的收获，虽然并非我最初设想的“彩色摄影教程”那样直接。我一直觉得摄影是一门需要不断学习和实践的艺术，而这本书在某种程度上，为我打开了认识摄影的另一个维度。它并没有直接教授如何调整色彩参数，而是深入浅出地讲解了摄影的“语言”。例如，关于“观察”的章节，让我意识到即使在拍摄黑白照片时，对光影和线条的敏锐捕捉，也能传递出丰富的情感和信息，而这些“信息”同样是构成一张优秀照片的基石。书中还强调了“耐心”和“感受”，让我明白很多时候，一张好照片的诞生，并非一蹴而就，而是需要耐心地等待光线的到来，耐心地去感受被摄主体的情绪。这些观点虽然没有直接涉及色彩，但却深刻地影响了我对摄影的理解。我开始思考，或许色彩只是照片表达的一种方式，而真正打动人心的，是照片背后所传递的情感和故事。从这个角度来看，这本书的价值在于它引导我更深入地思考摄影的本质，而非仅仅停留在技术层面。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我拿到这本书时，对它的期望是能够帮助我掌握一些让照片色彩更加鲜艳、更加生动的技巧。我希望看到一些关于如何利用黄金时段的光线拍摄出温暖的色调，或者如何处理阴天时的照片，让画面不至于灰暗。我期待的是一些能够立即应用到我的日常拍摄中的具体方法。然而，这本书的内容更多地集中在摄影史的介绍，以及一些著名摄影师的创作理念分析。它花费了相当大的篇幅去回顾摄影的发展历程，以及不同时期摄影师们对色彩的理解和运用。这让我对摄影的历史和文化有了更深的认识，也了解到很多大师级的作品是如何通过色彩来表达情感和思想的。然而，对于我这个想要快速提升自己实际拍摄技能的读者来说，这些历史性的介绍和理论分析，虽然有其价值，但并未直接解答我关于“如何拍出彩色照片”的问题。我更希望能够看到一些案例分析，比如某张著名照片是如何通过色彩处理达到如此效果的，以及作者本人是如何进行类似的色彩创作的。

评分☆☆☆☆☆

我一直在寻找一本能够帮助我提升照片色彩表现力的书籍，尤其是在后期处理方面。我希望能够学习如何运用各种软件，比如Lightroom或Photoshop，来调整照片的色彩饱和度、对比度，甚至是色调，从而营造出我想要的氛围。当我看到这本书的标题时，我抱着很大的期望。然而，读完之后，我发现这本书对后期处理的涉猎非常有限，甚至可以说几乎没有。它更多地是在强调前期拍摄的重要性，比如对焦、曝光、景深等基本概念。虽然这些都是摄影的基础，但我相信，即使前期拍摄得再好，通过后期适当的色彩调整，也能让照片更上一层楼。书中的一些章节提到了色彩理论，比如色彩和谐、对比色等，这些知识点很有价值，但缺乏具体的实践指导。我不知道如何将这些理论应用到实际的照片调整中，比如，如何具体操作才能达到“色彩和谐”的效果？书中并没有提供详细的步骤或实例演示。总的来说，这本书更像是一本关于摄影基础的科普读物，而我期待的能够让我“玩转色彩”的实用教程，则显得有些缺失。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计非常有吸引力，采用了鲜艳夺目的色彩组合，一下子就抓住了我的眼球。我本身就对摄影充满兴趣，尤其是那些色彩斑斓、充满生活气息的照片，总能让我心情愉悦。拿到这本书，我迫不及待地翻开了它，期望能从中学习到如何拍出这样令人惊艳的作品。然而，当我深入阅读后，我发现这本书的内容并没有像它的封面那样直观地告诉我“如何拍出彩色的照片”。它更多地侧重于摄影的理论基础，比如光圈、快门、ISO的定义，以及构图的一些基本原则。这些内容固然重要，是摄影的基石，但对于一个初学者来说，我更希望看到一些实操性的指导，比如如何利用不同的光线条件捕捉色彩，或者如何调整白平衡来呈现真实的色彩。书中的一些案例分析也比较抽象，没有具体的参数设置或后期处理的截图，这让我感到有些无从下手。我期待的“彩色摄影”似乎被分解成了更基础的摄影技巧，而那些让画面生动活泼的色彩 magic，则显得有些隐晦。也许这本书的定位是更偏向于理论深度，但作为一名渴望快速提升摄影色彩表现力的爱好者，我还是希望能有更直接、更具指导性的内容。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的购买初衷，是希望能学习到一些能够让我的照片“活起来”的技巧。我平时喜欢拍摄一些自然风光和人文纪实，但总觉得照片的色彩不够鲜明，缺少一种能够打动人心的力量。我希望这本书能够教我如何捕捉到那些转瞬即逝的色彩变化，如何在不同的光线下呈现出不同的色彩魅力，以及如何在后期处理中强化这些色彩，让照片更具视觉冲击力。然而，当我细读这本书的内容时，我发现它似乎走了一条不同的道路。它花了很多篇幅去讲解摄影的设备，从相机型号到各种镜头的功能，再到三脚架、闪光灯等辅助器材的介绍。这些信息对于一个刚入门的摄影爱好者来说或许有帮助，但对于我这样已经有一定拍摄经验，并且更关注色彩表现力的人来说，就显得有些旁枝末节了。我更希望能看到关于色彩运用、色彩搭配、色彩情感传递方面的深入探讨，而不是对器材的罗列。这本书更像是一本摄影器材的指南，而不是一本专注于色彩表现力的教程。