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仲崇鑫 著

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• 绘画技巧
• 素描
• 色彩
• 构图

店铺： 碧海箫音图书专营店

出版社： 新世界出版社

ISBN：9787510461859

商品编码：29691160582

包装：平装-胶订

出版时间：2017-06-01

基本信息

书名：绘画技法

定价：39.80元

作者：仲崇鑫

出版社：新世界出版社

出版日期：2017-06-01

ISBN：9787510461859

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装-胶订

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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本套“绘画技法”系列丛书从线稿的描绘到上色的过程都有十分细致的讲解，并标注了每幅图所使用的彩色铅笔，这种一步步循序渐进的示范方式使读者更容易理解并掌握彩色铅笔的绘画技巧，对初学者来说非常实用。

内容提要

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色笔铅画，是一种介于素描和水彩之间的绘画形式。他的独特性在于色彩丰富且细腻，可以表现出较为轻盈、通透的质感。“绘画技法”系列丛书从线稿的描绘到上色的过程都十分细腻、透彻的讲解，并标注了每幅图所使用的彩色铅笔，这种一步步循序渐进的示范方式使读者能更容易理解并掌握色铅笔的绘画技巧。本书的目的不仅仅局限于让读者学会画出书中的案例，更是希望读者通过本书培养绘画兴趣，从而提起笔去画出更多美好的事物。画画一直都是件美好而安静的事，快拿起画笔，跟着本书一起画色铅笔画吧，享受绘画带来的乐趣。

目录

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作者介绍

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仲崇鑫，毕业于美术院校的“90后”新生代插画师，自幼喜爱绘画，梦想有一天可以画出一个属于自己的小世界。毕业后一直从事插图绘画工作，充满想象力和创造力，经过多年的磨砺，具有深厚的绘画功底和多样的绘画表现形式，擅长色铅笔、素描、写实、Q版、小清新、小温暖多种绘画风格。

画画这件事，绝不是一件只有鲜花和掌声的事情。这条路并不平坦，有挫折，有这样或那样的阻力，但因为有着对绘画的热情，她一直未梦想而坚持！

文摘

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序言

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《光影炼金术：探索绘画中的明暗关系与色彩魔方》 序言： 绘画，是一门对光影与色彩进行精妙编织的艺术。在这场视觉的探险中，我们并非仅仅捕捉物象的轮廓，更是在赋予它们生命与灵魂。而“光影”与“色彩”，便是赋予这份生命与灵魂最核心的两种语言。本书并非旨在教授绘画的基本笔触或构图法则，而是将目光聚焦于绘画中最具表现力的两大关键要素——明暗关系与色彩变化。通过深入剖析它们如何相互作用，如何影响视觉感知，以及如何被艺术家灵活运用以营造情绪、塑造空间、引导视线，我们将共同揭开绘画中那些令人着迷的“魔法”是如何被创造出来的。 第一章：光影的诗篇——探寻明暗的戏剧性 光，是绘画的魂。它不是一个静止的观察对象，而是一个动态的、充满故事的叙述者。理解光，就是理解如何塑造立体感、体积感和空间感。 光的本质与来源： 自然光： 太阳光、月光，它们随时间和季节的变化而呈现出不同的色温和强度。晨昏时的柔和散射光，正午时分的强烈直射光，黄昏时的温暖余晖，都各自拥有独特的魅力。我们将探讨如何观察和表现这些自然光下的微妙变化。 人造光： 灯光、烛光、荧光灯等。它们通常具有更强的指向性和局部性，能产生更戏剧性的阴影和高光。分析不同光源的性质，如点光源、线光源、面光源，以及它们对物体表面产生的明暗过渡效果。 散射光与直射光： 直射光会产生清晰、锐利的阴影；而散射光则带来柔和、模糊的过渡，以及更均匀的整体亮度。理解两者的区别，能帮助我们更准确地塑造物体表面的质感和环境的氛围。 明暗的语言： 高光（Highlight）： 物体表面最直接受到光源照射，反射出最强亮度的地方。高光的形状、大小和锐利程度，能直接反映光源的性质和物体的材质。 亮部（Light）： 受到光源照射，亮度较高的区域。 灰部（Middle Tone）： 介于亮部与暗部之间的区域，是明暗过渡最丰富的地带，也是塑造体积感和空间感的核心区域。 暗部（Shadow）： 背离光源，亮度较低的区域。暗部并非完全黑暗，而是受到环境光反射和物体本身颜色的影响，存在着丰富的层次和变化。 反光（Reflected Light）： 来自周围物体或地面反射的光线，照射到暗部区域，使其不至于完全沉没，并呈现出微妙的色彩变化。这是表现暗部丰富细节的关键。 投影（Cast Shadow）： 物体阻挡光源后，在另一表面形成的阴影。投影的形状、深浅和模糊程度，与光源的位置、物体的形态以及接收阴影的表面材质息息相关。 明暗塑造： 体积感与立体感： 通过精确捕捉高光、亮部、灰部、暗部和反光的分布，我们能够赋予二维画面以三维的体积感，使物体仿佛“站立”在画面上。 空间感的营造： 光影的远近变化、强弱对比，能够有效引导观者的视线，营造出景深和空间层次。近处的物体光影对比强烈，远处的则趋于柔和。 情绪与氛围的传达： 强烈的明暗对比（如伦勃朗光）可以营造戏剧性、神秘感；柔和的光影过渡则能带来宁静、温馨的感觉。光影是直接触动观者情感的有力工具。 材质的表现： 光滑的表面反射高光锐利，粗糙的表面反射光线则扩散，呈现出不同的质感。金属、丝绸、木材、皮肤，它们在光下的表现截然不同，明暗处理是表现这些材质差异的关键。 第二章：色彩的魔法——解锁视觉的语言 色彩，是绘画的灵魂。它不仅仅是颜色的堆砌，更是情感的载体，情绪的表达，是直接影响观者心理的强大力量。 色彩的基础理论： 三原色、三间色与复色： 颜色的构成原理，理解色轮的运转机制。 色相（Hue）： 色彩的名称，如红、黄、蓝等。 明度（Value）： 色彩的亮度，从最亮的白色到最暗的黑色。 纯度/饱和度（Saturation）： 色彩的鲜艳程度，从最纯净的颜色到最灰暗的灰色。 冷暖色调（Color Temperature）： 颜色给人的冷暖感觉，蓝色、绿色等偏冷，红色、黄色等偏暖。冷暖对比是画面活跃与否的关键。 色彩的相互关系： 邻近色（Analogous Colors）： 色轮上相邻的颜色，组合在一起能营造和谐、统一的感觉。 对比色（Complementary Colors）： 色轮上相对的颜色，如红与绿，黄与紫。它们的并置能产生强烈的视觉冲击力和色彩的鲜明感，并使彼此的色彩更加突出。 同类色（Monochromatic Colors）： 同一种色相，但明度、纯度不同的颜色。能够营造出统一、优雅的氛围。 色彩的调和与对比： 如何通过色彩的搭配，达到画面的平衡、和谐，或者制造出视觉焦点和戏剧性。 色彩的表现力： 情绪与情感的传递： 红色代表热情、危险；蓝色象征冷静、忧郁；黄色带来温暖、喜悦。色彩是画家表达内在情感的直接途径。 空间感的塑造： 暖色通常有前进感，冷色有后退感。通过色彩的冷暖、明暗对比，可以营造出画面的纵深感。 氛围的渲染： 昏黄的灯光渲染出温馨的夜晚，翠绿的森林带来生机勃勃的春天。色彩是构建画面整体氛围的基石。 材质的暗示： 金属的光泽常用高纯度的冷暖色调配合高光来表现；丝绸的柔软可以用细腻的色彩过渡来体现。 光影与色彩的共舞： 光源色与环境色： 光源本身的颜色会影响物体表面的色彩；同时，物体周围的环境也会反射出色彩到物体上，形成丰富的色彩变化。 受光与背光部的色彩： 受光部通常会保留物体本身的颜色，并受到光源色的影响；而背光部则更多地呈现出环境色和反光色，其色彩变化往往比亮部更加丰富和微妙。 色彩的冷暖对比与明暗对比的结合： 暖色通常更显明亮，冷色更显幽深。将冷暖对比与明暗对比巧妙结合，能创造出更具视觉冲击力和层次感的画面。例如，在暗部加入冷色，可以在视觉上增强其“暗”的效果，同时增加画面的丰富度。 第三章：实践的炼金术——技法与观察的融合 理论的深度最终需要通过实践来验证和升华。本章将着眼于如何将对光影与色彩的理解，转化为具象的绘画技巧。 观察力的训练： 聚焦与忽略： 学会分辨哪些是主体需要表现的光影和色彩，哪些是辅助信息可以简化。 色彩的“听觉”与“触觉”： 训练自己不仅用眼睛看，更要“听”到色彩的语言，“触”到光影的质感。 动态观察： 光影和色彩是时刻变化的，培养捕捉瞬息万变之美的能力。 绘画中的光影表现技法： 渐变法（Gradation）： 细腻的明暗过渡，常用于表现光滑的物体表面。 明暗对比法（Chiaroscuro）： 强烈的明暗对比，制造戏剧性效果。 投影的刻画： 准确捕捉投影的边缘、深浅和模糊度，是支撑画面真实感的重要环节。 反光的运用： 用微妙的色彩和亮度变化来表现反光，赋予暗部生命力。 绘画中的色彩运用技法： 调色技巧： 如何调出准确的色彩，如何通过色彩的并置来达到预期的效果。 色彩叠加与透明度： 利用颜料的叠加或薄涂，来表现色彩的厚重感或通透感。 色彩的“心理”影响： 即使在写实绘画中，也可以通过微妙地调整色彩的倾向，来引导观者的情绪。 肌理的色彩表现： 不同材质的肌理，会影响光线在表面的反射，从而产生独特的色彩效果。 综合案例分析： 选取不同风格、不同题材的经典画作（如油画、水彩、版画等），深入剖析其中光影与色彩的运用。 分析艺术家如何通过对光影和色彩的掌控，来塑造人物、表现风景、营造静物，以及传达抽象的情感。 将理论与实践相结合，引导读者思考如何在自己的创作中借鉴和创新。 结语： 光影与色彩，是绘画中最古老也最年轻的语言。它们是艺术家手中的魔法棒，能够将平面的画布变成充满生命力和情感张力的世界。本书的旅程，并非终点，而是一个全新的起点。愿每一位读者，都能在这场探索中，点燃对光影与色彩的无限热情，最终炼就属于自己的独特绘画语言。每一次提笔，都是一次对光的致敬，一次对色的颂歌。让我们一起，在光影与色彩的交响乐中，尽情挥洒属于自己的艺术篇章。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对数字绘画跃跃欲试的新手，我之前尝试过几款不同的绘画软件，但总是感觉无从下手，效果也不尽如人意。看到这本书的介绍，特别是它强调“轻松入门，快速掌握”的宣传语，我抱着试一试的心态入手了。书中大量的实操案例和详细的步骤讲解，让我感到非常亲切。它并没有一开始就灌输过于专业的概念，而是从最基础的软件操作、笔刷选择开始，一步步引导读者。我尤其喜欢其中关于“界面布局与快捷键”的章节，这部分内容对于新手来说至关重要，能够大大提高绘画效率。书中还提供了很多不同风格的插画练习，让我能够根据自己的兴趣选择学习方向。我尝试跟着书中的步骤画了一幅卡通角色，虽然细节上还有待打磨，但整体的造型和色彩搭配已经有了很大的进步，这让我信心倍增。这本书不仅仅是教会我如何使用软件，更重要的是它教会了我如何去“看”和“画”，如何将脑海中的想法转化为屏幕上的图像。我还会继续跟着书中的其他案例进行练习，相信很快就能掌握更高级的绘画技巧。

评分☆☆☆☆☆

我一直都非常欣赏那些充满故事感的插画作品，它们不仅仅是简单的图像，更是能够传递情感、引发共鸣的艺术品。在一次偶然的机会下，我看到了这本书，它以一种非常独特的方式，探讨了“叙事性插画”的创作理念。书中没有直接教授具体的绘画技巧，而是更多地从“如何构思故事”、“如何设计角色”、“如何运用构图来引导观众情绪”等角度进行深入的阐述。我特别被其中关于“符号化语言”的运用所吸引，作者通过分析大量的经典插画作品，展示了如何利用色彩、线条、甚至是留白来传达更深层次的含义。书中提供的“情境分析”练习，让我开始思考如何将现实生活中的情景转化为具有视觉冲击力的画面。我尝试着将书中的理念运用到我自己的小故事创作中，不再是简单地画出人物和场景，而是开始思考如何通过画面来“讲故事”，如何让观者在画面中找到线索，解读出背后的情感和寓意。这本书的价值在于它让我从“画什么”上升到了“怎么画出故事”，为我的插画创作打开了一个全新的维度。

评分☆☆☆☆☆

我是一名多年爱好者，平时喜欢用传统的油画颜料进行创作，对色彩的层次感和笔触的肌理效果有着很高的追求。最近我开始对一些新兴的混合媒介表现技法产生了浓厚的兴趣，想在我的油画作品中融入一些新的元素。在浏览书店时，我无意中发现了这本书，它以一种非常新颖的视角探讨了不同材料之间的融合与碰撞，让我眼前一亮。书中详细介绍了如何将水墨、丙烯、拼贴等多种媒介与油画结合，并提供了非常多富有启发性的范例。我特别关注了关于“如何处理不同媒介的干燥时间和附着力”的部分，这对于保证作品的稳定性和耐久性至关重要。书中的实验性作品让我看到了无限的可能性，比如将粗犷的拼贴与细腻的油画笔触相结合，形成强烈的视觉冲击力。我已经被书中介绍的“纸张肌理与油画颜料的互动”深深吸引，计划着下次创作时，尝试用一些特殊的纸张作为基底，来增强画面的立体感和表现力。这本书为我提供了前所未有的创作灵感，让我对未来的艺术探索充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

我一直对素描有着深厚的感情，觉得它是所有绘画的基础。虽然我平时也会画一些彩色的作品，但总觉得根基不牢。在寻找关于素描“形体塑造”和“光影表现”的进阶教程时，我偶然发现了这本书。它在传统素描的基础上，更加侧重于“观察力”的培养和“逻辑性”的构建。书中反复强调了“解构形体”和“分析结构”的重要性，让我明白了为什么有时候画出来的东西总是显得“飘忽不定”，原来是缺乏对物体内在结构的深刻理解。我特别喜欢书中关于“体积感”的讲解，它通过一系列案例，展示了如何利用明暗对比、空气透视等手法来营造画面的纵深感和真实感。我尝试着用书中的方法来画一些简单的静物，惊喜地发现，即使是简单的苹果，也能画出饱满的体积感，而不是扁平的一块。这本书的指导非常系统化，让我在理解形体的过程中，仿佛是在进行一次科学的解剖，每一个线条、每一处明暗都变得有理有据。我计划将书中的方法应用到我的人物素描中，相信能让我的作品更加扎实和生动。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就非常有吸引力，淡淡的蓝色背景，搭配几笔写意的线条，让人一眼就能感受到艺术的气息。我本来是想找一本关于水彩风景画的教程，因为最近迷上了写生，尤其喜欢记录下旅途中遇到的自然风光。翻阅这本书的时候，我被里面丰富的案例深深吸引，色彩的运用、光影的处理都做得非常到位。虽然书中没有直接讲水彩风景，但我从中学习到了很多基础的色彩搭配原理，以及如何通过笔触的变化来表现物体的质感。我特别喜欢其中关于“如何捕捉情绪”的章节，虽然它讲的是人物肖像，但很多处理情绪的技巧是可以迁移到风景画中的，比如通过色彩的冷暖、线条的粗细来营造氛围。我尝试着将书里学到的冷暖色调对比方法运用到我的风景写生中，果然让画面有了更强的表现力，不再是简单的色彩堆砌。这本书虽然不是我最初寻找的目标，但它打开了我思考色彩和情感表达的新视角，让我觉得非常惊喜。我还会继续深入研究里面的内容，看看能否将这些技法更灵活地运用到我的个人创作中。