乐器法手册增订本初学者入门自学教程乐理理论音乐书籍教材正版 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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商品名称：乐器法手册增订本初学者入门自学教程乐理理论音乐书籍教材正版

商品编号：29644454497

店铺： 阅读纪图书专营店

商品毛重：500.00g

货号：9787103013939

编辑推荐

《乐器法手册(增订本)》是一本简要地介绍各种乐器的演奏法及其功能的手册，主要供专业和具有一定基础的业余音乐工作者参阅。本手册所介绍的乐器，以我国目前在合奏或独奏中较常用的为主，也包括部份目前虽使用不多，但却较有特点和艺术效果的乐器。

目录

上篇中国民族乐器 
第一章吹奏乐器 
笛 
[附]改良笛和口笛 
箫 
唢呐 
[附]小海笛 
[附]中音唢呐 
笙 
[附]抱笙和排笙 
芦笙 
[附]芒筒 
管子 
[附]双管 
喉管 
巴乌 
侗笛 
唎咧 
第二章弹奏乐器 
琵琶 
柳琴 
月琴 
扬琴 
三弦 
阮 
筝 
[附]转调筝 
古琴 
伽倻琴 
执瓦普 
冬不拉 
札木聂 
独弦琴 
第三章拉奏乐器 
二胡 
高胡 
中胡 
椰胡 
大胡 
革胡 
板胡 
京胡 
附胡 
擂琴 
[附]小擂琴 
二弦 
大筒 
四胡 
马头琴 
马骨胡 
艾捷克 
弦控式电子琴 
第四章打击乐器 
大鼓 
缸鼓 
定音缸鼓 
小鼓 
排鼓 
纳格拉 
达甫 
铜鼓 
朝鲜族长鼓 
象脚鼓 
大锣 
深波 
铓锣 
小锣 
云锣 
十面锣 
大钹 
小钹 
板鼓 
板 
梆子 
南梆子 
木鱼 
碰铃 
萨巴依 
（附]五线谱与简谱音高对照表 
下篇西洋乐器 
第一章木管乐器 
长笛 
短笛 
双簧管 
英国管 
单簧管 
[附3A调单簧管 
小单簧管 
低音单簧管 
大管 
低音大管 
…… 
附

音乐理论与实践的进阶之路：一部聚焦高级作曲技法与管弦配器的专著 引言：超越基础，探索音乐的无限可能 本书并非针对初学者的乐理入门指南，而是为那些已经掌握了基础音乐理论、熟悉基础和声与曲式结构，并渴望在音乐创作和实践中迈向更高层次的学习者和创作者量身打造的深度教程。它旨在引导读者深入探究复杂和声的运用、精妙的配器法则，以及现代作曲技法的精髓，从而将音乐构思转化为结构严谨、情感饱满的艺术作品。 第一部分：高级和声学与色彩的调色板 本卷将彻底摒弃对基础音阶、三和弦等概念的复述，直接聚焦于二十世纪及以后和声语汇的拓展与深化。 第一章：调式系统的深化与扩展 我们将细致解析非传统调式（如全音阶、八声音阶、布格调式、弗里吉亚属调式等）在具体音乐情境中的功能性应用。重点探讨这些调式如何打破传统大小调的束缚，为音乐注入独特的色彩张力。内容包括：如何通过调式交替（Modal Interchange）创造出瞬间的色彩变化，以及如何构建以特定调式为核心的、统一的音乐织体。 第二章：后调性与无调性写作 本章是通往现代音乐殿堂的关键一步。我们将系统梳理荀伯格的十二音体系（Dodecaphony）的严密逻辑，深入剖析其音列的生成、转换（如逆行、倒影、逆行倒影）及其在具体作品中的实现。随后，我们将过渡到对韦伯恩和贝尔格等第二维也纳乐派作曲家在音列运用上的个性化处理进行细致分析。对于无调性音乐中，如何维持听觉上的连贯性，将是本章的重点探讨方向。 第三章：复杂和声的构建与解析 本部分将详尽阐述九和弦、十一和弦及十三和弦的张力与解决方式，尤其关注增五、减五、加九等音的非功能性使用。我们将研究德彪西和拉威尔作品中对和弦本身的音响美学的追求，而非仅仅将其视为功能和声的延伸。此外，还将深入探讨集群音（Tone Cluster）作为一种和声材料的运用技巧，以及如何通过微音程（Microtones）扩展和声的感知范围。 第二部分：管弦配器的艺术与工程学 本书的第二大部分是为有志于从事管弦乐或大型室内乐写作的创作者提供的“武器库”。它不再简单介绍每一种乐器的音域，而是侧重于其音色潜能的深度挖掘与功能性组合。 第四章：管乐组的音色雕塑 重点分析木管乐器间的色彩融合与分离技术。例如，长笛高音区与双簧管中音区的交叉处理，以及单簧管在低音区所能提供的类巴松管般的厚重感。对于铜管乐器，我们将详细解析圆号在连接木管与铜管声部时的“胶水”作用，以及小号、长号运用弱音器（Mutes）时产生的独特听觉效果，如“闷响”与“尖锐的穿透力”。 第五章：弦乐组的织体密度与发音技巧 本章将弦乐的演奏技巧视为一种雕塑材料。我们将详细分类讨论各种弓法（如分弓、碎弓、颤弓、顿弓）如何影响织体的清晰度与颗粒感。例如，如何使用大量对位或密集和弦来构建如墙壁般坚实的音响背景，以及如何通过对位声部的精妙交织，使单一行进的旋律线呈现出复调的丰富性。书中将包含大量的实际配器案例，展示如何利用双吐、三吐等技法在弦乐中创造出打击乐般的效果。 第六章：打击乐与特殊乐器的功能性融入 本部分不再将打击乐视为简单的节奏点缀，而是将其视为色彩与动力的核心驱动力。我们将对传统打击乐器（定音鼓、大鼓、铕锣）的特定敲击点、力度变化与音色衰减进行精确描述。更进一步，我们将探讨如钢琴、竖琴、吉他等键盘与拨弦乐器如何被融入管弦乐队中，是作为和声的补充，还是作为独立的音色对比元素。例如，竖琴的滑音（Glissando）在何时起到衔接作用，何时作为装饰性的闪光点。 第三部分：大型结构与对位艺术的重构 本部分将理论应用于宏大的音乐结构之中，是通往大型作品创作的阶梯。 第七章：复调写作的精进与创新 我们将复习赋格的基本原则，但重点在于“后赋格”技法。这包括如何使用不规则的节拍、混合调式或非传统音程关系来构建复杂的卡农与赋格结构。我们将分析巴赫晚期作品中超越传统束缚的对位手法，并将其映射到二十世纪的配器语境中。强调如何处理不同乐器组之间（如管乐对弦乐）的对位线条的清晰度与平衡。 第八章：曲式结构的演变与解构 对于奏鸣曲式、回旋曲式等传统结构的现代性变体进行深入剖析。我们将探讨如何通过“主题的碎片化处理”、“动机的延伸与变形”，以及“色彩区域的自由转换”来构建符合现代听觉习惯的长篇幅作品。重点研究循环曲式（Cyclic Form）在不同音乐时期（从巴洛克到现代主义）的发展轨迹，以及如何在既有框架内实现彻底的原创性表达。 第九章：配器中的动态平衡与空间感 动态（Dynamics）不仅仅是力度记号，它更是一种空间布局的体现。本章将讲解如何通过声部配置（高低音域的分布）与乐器间的音量对比，来营造音乐的“纵深感”。例如，如何在保持整体音量平衡的前提下，突出某一行进的声部，使其仿佛从背景中向前推进。书中将引入声场分析的概念，指导创作者如何精确控制乐团内部的听觉焦点。 结语：技艺与哲学的交汇 本书提供的所有技法、原则和分析，都旨在服务于作曲家的核心音乐理念。掌握这些工具的目的，不是为了模仿前人，而是为了更有效地表达独特的个人声音。我们鼓励读者将这些高级理论视为工具箱中的精良器械，在理解其工作原理后，大胆地将它们应用于构建属于自己的、前所未有的音乐世界。本书期待成为您从“熟练工匠”迈向“大师级建筑师”的关键桥梁。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的编排思路简直是为我这种“零基础”小白量身定制的。我之前尝试过好几本入门书籍，结果不是理论讲得太晦涩，就是实操部分缺失，结果就是永远停留在“知道”而不会“运用”的尴尬境地。但这一本完全不同，它仿佛有一个耐心十足的私人导师在耳边指导。最让我惊喜的是它的“模块化”学习设计，每一章都像是一个独立的小工具箱，学完一个模块，你就能立刻上手操作一个小技能，而不是学完一大堆理论后，发现自己还是不知道下一步该做什么。例如，它在讲解音程关系时，不是干巴巴地罗列名称，而是会配上具体的听觉训练建议，让你不仅仅是用眼睛看，还要用耳朵去辨别，这种多感官的学习方式效率高得惊人。而且，书中的练习题设计得非常巧妙，从易到难，层层递进，做完一套题下来，对前一章节内容的掌握程度自己心里就有数了。这本书让我深刻体会到，学习乐理也可以是一件充满乐趣和成就感的事情，而不是枯燥的任务。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和设计感，简直是艺术品级别的存在。我平时很注重书籍的收藏价值，而这一本从拿到手的那一刻起，我就知道它会被我郑重对待。内页的纸张选择偏向于哑光质感，使得在强光下阅读时，眼睛也不会感到疲劳，这一点对于长时间学习者来说简直是福音。文字的字体选择也非常考究，疏密得当，行距舒适，即便是大段的文字论述，读起来也不会感到压迫感。更值得一提的是，全书的专业术语标注体系做得非常完善，很多晦涩难懂的外文术语，旁边都会附带清晰的中文解释或英文原词，这种严谨性在同类书籍中是比较少见的。虽然我主要关注的是理论部分，但这本书在细节上的用心，比如书签、页码的排布方式，都体现了出版方对读者的尊重和对知识的敬畏。拥有一本如此精美且内容充实的书籍，本身就是一种学习的动力，它让我更愿意拿起它，沉浸其中。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经有一定基础的业余音乐爱好者，我购买这本书主要是想系统地梳理一下自己零散的知识体系，没想到它带来的收获远超预期。这本书的优势在于其“增订”的深度和广度。很多老旧的教材在处理现代音乐理论，比如配器法或者一些新兴的和声分析方法时，往往力不从心，但这本增订本明显加入了最新的研究成果和实践经验。我特别喜欢它在探讨曲式分析时所采取的对比视角，它会拿不同时期、不同风格的作品进行对照分析，揭示出核心规律是如何随着时代演变的。书中对“音乐的语境”的探讨也极富洞察力，它教你不仅仅是认识音符之间的关系，更要理解这些关系在特定文化和历史背景下的意义。这种深层次的剖析，让原本干瘪的理论立刻鲜活了起来，不再是死板的规则，而是一种富有生命力的创作语言。对于想从“演奏者”跃升到“思考者”层次的读者来说，这本书无疑是提供了一把关键的钥匙。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我对这种动辄“XX教程”的书籍总是抱有一丝怀疑，因为很多所谓的教程最后都会变成一本理论汇编，让人望而生畏。但是，这本真的做到了“教程”的精髓——易懂、实用、可操作性强。我尤其赞赏作者在介绍一些传统和声规则时，并没有采用那种绝对化的语气，而是更侧重于“为什么这样写”和“在什么情况下可以打破”。这种开放性的引导，极大地激发了我自己去探索和试验的欲望。比如，在介绍如何进行简单的旋律写作时，书里给出的步骤细致到令人感动，从确定动机到展开主题，每一步都有明确的指导方针，但又留有足够的自由度给读者发挥。我按照书中的指引尝试写了一段小小的练习曲，效果出乎意料的好，这极大地增强了我对后续学习的信心。这本书的价值在于，它不仅告诉你“是什么”，更重要的是教你“怎么做”以及“为什么要这么做”，是实打实的实践指导手册。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版实在让人眼前一亮，拿到手里就感觉分量十足，那种厚实感和纸张的质感都透露着一股专业和用心。封面设计简约而不失大气，初次翻开时，里面的插图和图表清晰度简直是教科书级别的范本。我尤其欣赏它在处理复杂乐理概念时所采用的视觉化表达方式，那些五线谱的示例、和弦的指法图，都标注得非常精准到位，即便是初学者也能迅速抓住重点。阅读过程中，我发现作者在行文上非常注重逻辑的连贯性，从最基础的音高、节奏讲起，逐步深入到复杂的调式和和声进行，每一步的过渡都自然流畅，没有那种生硬的跳跃感。它不像有些教材那样堆砌理论术语，而是巧妙地将理论融入到实际的演奏语境中，让人在学习的同时，还能感受到音乐的生动性。书中的案例选择也十分贴合实际，无论是古典乐派的经典片段，还是现代音乐中的常用和声走向，都有涉及，极大地拓宽了我的音乐视野。总而言之，这是一本在装帧、内容呈现和理论深度上都做到极致的教材，让人爱不释手。