101个绘画创作技法—西班牙绘画基础经典教程 9787532295890 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[西班牙] 派拉蒙专业团队 著

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店铺： 广影图书专营店

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532295890

商品编码：29623937609

包装：平装

出版时间：2015-11-01

基本信息

书名:101个绘画创作技法—西班牙绘画基础经典教程

定价：58.0元

售价：42.3元,便宜15.7元,折扣72

作者:（西班牙）派拉蒙专业团队

出版社：上海人民美术出版社

出版日期：2015-11-01

ISBN：9787532295890

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

　　想要学会画油画，就要使用正确的方法。本书中的101个创作技法都是由标了序号的步骤图所组成，同时还附上了详细说明，告知读者此处你所需要的材料和绘画容易程度。每成功完成一个练习，就等于是掌握了一种全新的绘画技法。在这101个可供选择的练习中,无论你是初学者还是专业人士，都能找到合适的实例,并通过不断练习提升自己的绘画创作技巧。本书将带领你向枯燥的绘画理论说再见，用案例教会你绘画创作的101个技法。

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内容提要

目录

作者介绍

　　西班牙派拉蒙出版社成立于1959年，它以专业的绘画教学经验以及图文并茂、步骤清晰的出版内容，成为遍布全球美术书籍出版社之一。西班牙派拉蒙专业团队中的成员均由拥有多年丰富绘画教学经验的教师构成。他们的专业知识也是本书的品质保证。他们专注于创作清晰的、有针对性的、容易掌握的不同技法的练习，并且希望给予读者直接有效的学习成果。

文摘

　　正所谓“种瓜得瓜，种豆得豆”，有针对性和时效性的课程才能帮助一个新手真正取得进步。而在艺术教学的领域中，可以说技法的练习应该先于理论知识的学习，因为要学好绘画的直接途径就是动手画。本书就是为了那些准备着手去画的读者而编写的，以帮助大家可以顺利地开始学习且学有所成。
　　课程设计注重实用性。你将在书中读到各种不同的课程内容和绘画技巧。在实践中，你可能还会遇到更多的除101种方法以外的绘画创作技法，又或者你会觉得根本没有那么多方法可用。但请相信，本书所呈现的绘画技法已经可以为你叩开绘画创作的大门，或为你发现更多、更新的方法做好了铺垫和基础。
　　书中记录了各种不同的绘画主题。这些围绕在我们身边的绘画内容能很好地启发我们找到一种解决绘画问题的新方法，比如如何表现光线的变化、色彩的变化等。
　　本书就是一本集合了101种绘画创作技法的目录。书中的每一个练习都是由某种独特的技法、风格和特定的表现主题结合而来的。另外，书中每一部分的排序并没有先后之分，只是将相同类型的练习归纳在一起，因此你无需按照排序阅读，完全可以根据自己的需要来学习。
　　每一个练习都配有详细的步骤图。约占一页或两页的篇幅。练习的难易度是通过星号（★）的数量来表示的，与步骤的多少或所占的页数没有关系。一颗星说明该练习较为简单，是初学者可以完成的，而两颗星的难度较一颗星更大一些。但这并不意味着初学者就不能做两颗星的练习，反而应该迎难而上，因为这些在简单的练习中习得的技法，在较为困难的练习中也同样适用。
　　本书由专业团队共同编写而成。团队中的成员均由拥有多年丰富绘画经验的教师组成。他们的专业知识也是本书的品质保证。他们专注于创造清晰的、有针对性的、容易掌握的不同技法的练习，并且希望给予读者直接有效的学习成果。相信你一定能从编写团队的辛勤工作和睿智中得到收获。

序言

《艺术家的灵感之泉：探索多元绘画视角与创新表达》 在这部深度探索艺术创作奥秘的指南中，我们将一同踏上一段激动人心的视觉旅程，发掘那些能够点燃你内心火焰、激发无限创意的绘画技法与理念。本书并非遵循单一地域或风格的刻板模式，而是以开放的视野，汇聚了跨越时空、融汇东西的丰富绘画智慧。我们旨在于为你提供一个广阔的平台，让你能够自由地汲取养分，构建属于你自己的艺术语言。 第一部分：构图的灵魂 — 视觉叙事的艺术 构图是绘画的骨架，是决定作品能否有效传达情感与信息的核心。本书将深入解析构图的多种可能性，打破常规，引导你超越简单的“黄金分割”或“三分法”的束缚。 动态平衡与不稳定之美： 探讨如何利用不对称、倾斜和节奏的变化，营造出视觉上的张力与动感，让画面充满生命力。我们将分析经典名作中那些打破传统平衡的构图策略，以及它们如何成功地引导观者的视线，并引发深刻的共鸣。例如，一些印象派大师就善于捕捉瞬间的动感，他们的构图往往充满了意外的视角和捕捉到的“不经意”之美。 留白的力量与空间的暗示： 深入理解留白（负空间）在构图中的重要作用。它不仅仅是“没有画”的部分，更是积极参与画面叙事、引导观众想象的元素。我们将学习如何策略性地运用留白，营造氛围，突出主体，并赋予作品呼吸的空间，使其不显局促，反而更显深邃。我们会考察东方水墨画中留白的极致运用，以及如何将其理念融入西式绘画，创造出独特的视觉节奏。 视角与叙事： 探索不同视角的选择对作品叙事性的影响。从低角度仰视的宏伟，到高角度俯瞰的疏离，再到平视的亲切，每一种视角都能带来截然不同的观感和情感联想。本书将提供大量范例，分析不同视角下物体形态的变化，以及如何在画面中巧妙运用透视，构建出引人入胜的故事。我们将研究电影运镜中的经典视角应用，并思考如何将其转化为绘画的语言。 光影的戏剧性与情感烘托： 光影不仅塑造形体，更是情感的载体。我们将超越简单的明暗对比，学习如何利用光线的方向、强度、色温来营造戏剧性的氛围，突出画面的情感核心。从伦勃朗式的“伦勃朗光”，到卡拉瓦乔式的“提安奇光”，再到现代摄影中的光影运用，我们将剖析不同光影处理方式所带来的独特视觉效果和情感冲击力。我们将学习如何通过控制光线的明暗、冷暖，来引导观者的情绪，增强画面的感染力。 第二部分：色彩的魔术 — 情感的调色盘 色彩是绘画中最直接、最富有表现力的语言。本书将带领你走进色彩的奇妙世界，让你摆脱对固有色的依赖，学会运用色彩来表达情绪、传达思想。 非写实色彩的自由运用： 挑战“所见即所得”的束缚，探索色彩的象征意义和情感联想。我们将学习如何运用主观色彩、情绪色彩来表达内在感受，而非仅仅模仿自然。从野兽派大胆的色彩碰撞，到表现主义扭曲的色彩情感，再到后印象派对色彩的独立探索，我们将分析这些艺术家如何通过非写实色彩创造出强大的视觉冲击力。 色彩的和谐与冲突： 深入理解色彩的冷暖、明暗、纯度对比关系，以及如何运用它们来制造和谐的视觉效果或激烈的戏剧冲突。我们将学习色彩调和的各种技巧，包括互补色、邻近色、同类色等，并探讨如何在追求和谐的同时，通过微妙的色彩变化来增加画面的趣味性。同时，我们也关注色彩冲突的运用，学习如何通过大胆的色彩对比来制造视觉焦点，引发观者的注意力。 光色关系与环境色： 学习如何观察和表现不同光线下的色彩变化，以及环境色对物体颜色的影响。我们将研究自然光、人造光以及不同环境（如阴天、黄昏、室内）下的色彩特征，并学习如何在绘画中准确地捕捉和表现这些细微之处，使画面更具真实感和空间感。我们将分析印象派画家如何捕捉光线下的色彩瞬息万变，以及如何将这些观察融入创作。 色彩的情绪代码： 探索不同色彩组合所引发的特定情绪和心理联想。红色代表激情与危险，蓝色象征冷静与忧郁，黄色传递温暖与喜悦……本书将引导你建立自己的色彩情绪库，让你能够有意识地选择和运用色彩，来精准地传达作品的情感主题。我们将参考心理学关于色彩的理论，并结合艺术实践，提供更深层次的理解。 第三部分：笔触的舞蹈 — 物质的触感与肌理 笔触不仅仅是颜料在画布上的痕迹，更是艺术家创作过程的直接记录，是赋予画面生命力和质感的关键。本书将引导你重新认识笔触的多种表现力。 从细腻到粗犷：笔触的表情： 探索不同类型的笔触所能传达的视觉信息和情感。粗犷、有力的笔触可以传递力量与激情，细腻、流畅的笔触则能营造柔和与精致。我们将学习如何根据表现对象和情感需求，选择和运用不同形状、大小、方向、厚度的笔触。我们会分析梵高充满能量的旋转笔触，莫奈模糊的光影笔触，以及它们如何塑造出独一无二的艺术风格。 肌理的创造与实验： 绘画的肌理是触觉的延伸，能极大地丰富画面的表现力。本书将鼓励你进行肌理实验，学习如何利用不同的工具（画笔、刮刀、海绵、布料等）和材料（厚涂颜料、混合媒介）来创造出丰富多样的肌理效果。我们将研究艺术家如何通过肌理来模拟不同物质的质感，如皮肤的细腻、岩石的粗糙、水的流动等。 笔触与光影的互动： 笔触的走向和形态会极大地影响光线在画面上的反射和吸收，从而影响光影的呈现。我们将学习如何通过笔触的方向和疏密来塑造形体，增强体积感，并营造出光影的层次和空间感。我们会分析例如点彩画派如何通过精密的点状笔触来模拟光线散射的效果。 笔触的速度与节奏： 笔触的速度与绘画时的情绪和节奏息息相关。快速、果断的笔触可能源于激情和灵感迸发，而缓慢、谨慎的笔触则可能体现了深思熟虑和对细节的打磨。本书将引导你体会不同速度笔触所带来的视觉感受，并鼓励你在创作中找到属于自己的独特节奏。 第四部分：形式的解构与重塑 — 创造的无限可能 艺术的边界在于不断地突破与创新。本书将激发你对形式的深入思考，鼓励你打破常规，探索全新的视觉语言。 抽象的维度：从具象到意象： 引导你从具象描绘中抽离，探索形体、线条、色彩的纯粹表现力。我们将学习如何通过简化、变形、重组等方式，将现实世界转化为具有象征意义的抽象符号，从而表达更深层次的情感和理念。我们将考察立体主义、超现实主义等流派在形式解构上的创新。 混合媒介的实验： 鼓励你大胆尝试将不同的绘画材料和非绘画材料（如纸张、布料、沙子、报纸、数字图像等）融合运用，打破单一媒介的局限，创造出意想不到的视觉效果和肌理。我们将分享一些艺术家如何通过混合媒介来丰富作品的层次感和表现力，并赋予作品独特的触感和视觉体验。 概念与形式的融合： 强调艺术作品的思想性与形式表达的统一。本书将引导你思考如何将抽象的概念、哲学思想或社会议题，通过独特的视觉形式进行传达，使作品更具深度和内涵。我们将分析一些概念艺术作品，学习它们如何通过创新的形式来引发观者的思考。 个人风格的形成与演进： 风格并非一蹴而就，而是不断探索、实验和融合的结果。本书将通过大量的范例和启发性的思考，引导你认识到个人风格的独特性，鼓励你在掌握多样技法的基础上，逐渐形成自己独特的艺术表达方式。我们将探讨艺术家如何从模仿走向创新，并最终找到属于自己的艺术语言。 《艺术家的灵感之泉：探索多元绘画视角与创新表达》是一本为你量身打造的创作宝典。它为你提供了一个广阔的思维空间，让你能够自由地遨游于艺术的海洋，汲取来自世界各地的精华，并最终点燃你心中那座永不熄灭的艺术火焰。无论你是初学者还是经验丰富的艺术家，都能在这本书中找到启发，突破瓶颈，开创属于你的艺术新篇章。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最直观的感受就是它的“接地气”。作者没有故弄玄虚，而是用非常朴实易懂的语言，将绘画的精髓一一呈现。我尤其喜欢书中关于“观察力”的训练方法，作者提出了一系列引导性的问题，让我开始用一种全新的视角去审视身边的世界，例如如何去观察一片树叶的脉络、一滴水的晶莹、或者一个人物脸上的细微表情。这些看似微不足道的细节，在书中却被赋予了重要的意义。书中还穿插了一些关于“色彩心理学”的知识，让我明白色彩不仅仅是视觉上的感受，更能够传递情感和氛围。例如，作者通过分析不同色彩在不同文化背景下的象征意义，以及它们在绘画中所能引发的情绪，让我对色彩的运用有了更深层次的理解。我尝试着在自己的创作中运用这些色彩心理学的原理，发现画面能够更有效地触动观者的情感。此外，书中还分享了一些关于“灵感枯竭”时如何打破僵局的实用建议，这些建议来自于作者多年的创作经验，非常具有指导意义，让我不再为创作瓶颈而感到沮丧。这本书像一位循循善诱的长者，用经验和智慧，帮助我一步步走向成熟的绘画之路。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我购买这本书初衷是为了寻找一些能够激发我绘画灵感的素材，但它带给我的惊喜远不止于此。书中对于不同材质的描绘技巧，例如金属的光泽、丝绸的垂坠感、木头的纹理，都进行了非常细致的入微的讲解。作者通过大量的写生作品，展示了如何捕捉和表现这些材质的独特质感，让我明白了仅仅画出物体的形状是远远不够的，更重要的是赋予它们生命力。我特别欣赏书中关于“笔触”的运用，作者强调了不同画笔、不同蘸墨量、不同运笔方向所产生的独特效果，以及如何通过笔触的变化来表现物体的体积和情绪。我在尝试模仿书中一些风景画的笔触时，发现画面立刻变得生动了起来，那种随性又不失严谨的笔触，赋予了画面呼吸感。另外，本书在构图方面也提供了很多独到的见解，它不仅仅是教你如何摆放物体，更重要的是教你如何引导观者的视线，营造画面的节奏感和焦点。书中的案例分析，让我开始思考画面中的空白区域同样具有表现力，以及如何利用线条和色彩的引导来增强画面的视觉冲击力。这本书让我意识到，绘画创作不仅仅是技术的堆砌，更是一种情感的表达和艺术的思考。

评分☆☆☆☆☆

我是在一次偶然的机会下接触到这本书的，当时正在寻找能够提升我写实绘画能力的书籍，而这本书恰好满足了我的需求。作者在讲解素描基础时，特别强调了对形体的理解，而非仅仅是表面的描摹。书中对人体结构、骨骼肌肉的剖析非常到位，并通过不同角度和姿态的范例，让我深刻理解了动态的平衡和人体比例的微妙关系。我印象最深刻的是关于透视法的讲解，作者用通俗易懂的语言和丰富的图示，将一点透视、两点透视，甚至多点透视的概念化繁为简。特别是书中对室内空间和建筑描绘的案例，让我不再惧怕复杂的透视关系，能够自信地构建出具有空间感的画面。而且，这本书并没有止步于基础的素描，而是将素描的原理巧妙地融入到色彩绘画的教学中。例如，在讲解油画时，作者详细阐述了如何通过素描关系来铺陈色彩的厚度，以及如何利用色彩的冷暖变化来塑造形体。我尝试着书中关于色彩叠加和调和的技巧，发现之前困扰我的色彩“脏”的问题得到了很大的改善。这本书的价值在于它能够将看似复杂的绘画原理，通过具象的案例和精炼的语言，转化为易于理解和实践的知识，让我从“知其然”走向“知其所以然”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计颇具匠心，采用了经典的西班牙绘画风格，色彩沉静又不失活力，光影的处理恰到好处，一眼就能感受到书中所蕴含的艺术气息。翻开书页，我首先被那些精美的插图所吸引，它们不仅是技法的展示，更像是艺术的碎片，每一幅都充满了故事感和情感张力。从初学者描摹的线条到大师挥洒的色彩，本书的编排逻辑清晰，循序渐进，让我在学习的过程中不会感到茫然。尤其是关于光影的运用，作者用非常直观的方式解析了不同光源下物体的受光面、背光面以及环境色的微妙变化，这对我以往在处理光影时遇到的瓶颈提供了极大的启发。例如，书中对马奈笔下人物面部光影的处理分析，让我明白了如何通过微妙的色彩叠加来营造立体感和情绪，不再是简单地划分明暗。同时，书中还穿插了不少西班牙著名画家的生平轶事和创作理念，这不仅增加了阅读的趣味性，更让我从更宏观的艺术史角度去理解这些技法的传承与创新。我特别喜欢书中关于色彩理论的讲解，它不像教科书那样枯燥，而是结合了大量实际的绘画案例，让我能够立刻将理论知识转化为实践。总的来说，这本书不仅仅是一本技法手册，更像是一位经验丰富的艺术导师，用耐心和智慧引导着每一个热爱绘画的灵魂。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我最大的感受就是“原来绘画可以这么有趣”。作者并没有将技法进行枯燥的拆解，而是将它们融入到一系列生动有趣的创作练习中。我特别喜欢书中关于“速写”的讲解，作者强调了速写不仅仅是快速记录，更是训练观察力和捕捉瞬间动态的绝佳方式。书中提供了大量的速写范例，涵盖了人物、动物、风景等多个主题，让我看到了速写的无限可能性。我尝试着按照书中的建议进行速写练习，发现自己的画面表现力得到了显著提升，能够更准确地捕捉对象的关键特征。此外，书中还介绍了一些“创意性的绘画方法”，例如如何利用不同工具的组合来产生意想不到的效果，或者如何从生活中寻找灵感，进行二次创作。我尝试着书中关于“拼贴”和“混合媒介”的技法，发现画面一下子变得更加丰富和具有个人风格。这本书让我意识到，绘画创作的过程本身就是一种探索和发现，每一个练习都是一次新的尝试，每一次尝试都可能带来新的惊喜。它打破了我对绘画“刻板”的印象，让我看到了绘画的无限活力和创造空间。