正版全新钢琴音乐演奏技术与作品处理研究李宇峰中国纺织出版社9787518032730 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李宇峰 编

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出版社： 中国纺织出版社

ISBN：9787518032730

商品编码：29596878080

页数：185

图书基本信息
书名：	钢琴音乐演奏技术与作品处理研究
丛书名：
作者/主编：	李宇峰
出版社：	中国纺织出版社
ISBN号：	9787518032730
出版年份：	2017年7月

版次：	第 1版
总页数：	185页
开本：	16
图书定价：	49.5元
实际重量：	0.299kg
新旧程度：	正版全新

编辑推荐

李宇峰著的这本《钢琴音乐演奏技术与作品处理研究》主要针对钢琴演奏的技能技巧，从钢琴演奏的各种技术技巧入手，系统讲述钢琴表演中的演奏法、演奏技能以及协调性等诸多问题。
本书从八个方面全面阐述了钢琴演奏过程中的各种相关问题，其中，第一章是钢琴演奏基础；第二章主讲钢琴演奏触键技法；第三章重点分析钢琴演奏发音技法；第四章针对不同类型的钢琴演奏技术进行讲解；第五章侧重于不同类型的钢琴演奏技巧；第六章如何就演奏中身体的协调性进行训练；第七章主要针对不同类型的钢琴音乐作品进行处理；第八章就钢琴演奏文献理论进行阐述。

作者简介

李宇峰， 东北大学艺术学院副教授，师从于全国有名音乐教育家金石教授，沈阳音乐学院钢琴系系主任李哲博士、俄罗斯有名钢琴教育家尤利·德拉兹道夫教授。现为东北大学艺术学院音乐系钢琴负责人，辽宁省音乐家协会会员，从事钢琴表演和钢琴伴奏教学。在多年教学工作中，曾发表多篇学术论文，如《斯特拉文斯基的钢琴语言》《人性与神性的矛盾结合——从斯克里亚宾的钢琴作品看其音乐性格》等，另在艺术核心期刊发表连载期刊的四篇，如《解密斯克里亚宾的音乐语言——浪漫主义音乐的影响》等。曾出版著作《钢琴即兴伴奏的基本原理及应用》《变迁与发展——西方钢琴音乐探微》。所指导学生有多人在靠前、靠前比赛中获奖，如第五届“长江杯”亚洲钢琴比赛李斯特组第二名，第三届韩国春川靠前音乐比赛总决赛靠前名、第二名，第十八届香港——亚洲钢琴公开比赛总决赛第三名、第六名。曾担任“星海杯”钢琴比赛黑龙江赛区评委，2013、2014、2015香港澳门亚太青少年钢琴公开赛沈阳赛区专业评委，2013、2014、2015、2016新加坡中新靠前比赛中国赛区专业评委，2013、2014、2015、2016韩国春川靠前音乐比赛中国赛区专业评委等。

第一章 钢琴演奏基础
第一节 演奏基本知识
第二节 基本姿势与手形
第三节 演奏基本指法
第二章 钢琴演奏触键技法
第一节 概述与应用
第二节 音色、音量与触键
第三节 触键技巧方法
第三章 钢琴演奏发音技法
第一节 断音奏法
第二节 连音奏法
第三节 跳音与震音奏法
第四章 不同类型的钢琴演奏技术
第一节 音阶技术
第二节 琶音技术
第三节 双音技术
第四节 八度技术
第五节 和弦技术
第五章 不同类型的钢琴演奏技巧
第一节 旋律训练
第二节 节奏训练
第三节 速度与力度训练
第四节 装饰音训练
第六章 演奏中的身体协调性训练
第一节 手指的运用
第二节 手腕、手肘和手臂的协调性训练
第三节 踏板的配合与应用
第七章 不同类型钢琴音乐作品的处理
第一节 作品分析与研究
第二节 练习曲演奏及表现特点
第三节 复调音乐演奏及表现特点
第四节 奏鸣曲演奏及表现特点
第五节 中国钢琴作品演奏及表现特点
第八章 钢琴演奏文献理论研究
第一节 西方钢琴演奏理论与文献
第二节 中国钢琴演奏理论与文献
参考文献

　《钢琴音乐演奏技术与作品处理研究》主要针对钢琴演奏的技能技巧，从钢琴演奏的各种技术技巧入手，系统讲述钢琴表演中的演奏法、演奏技能以及协调性等诸多问题。《钢琴音乐演奏技术与作品处理研究》从八个方面全面阐述了钢琴演奏过程中的各种相关问题，其中，一章是钢琴演奏基础；第二章主讲钢琴演奏触键技法；第三章重点分析钢琴演奏发音技法；第四章针对不同类型的钢琴演奏技术进行讲解；第五章侧重于不同类型的钢琴演奏技巧；第六章如何就演奏中身体的协调性进行训练；第七章主要针对不同类型的钢琴音乐作品进行处理；第八章就钢琴演奏文献理论进行阐述。

《音乐之声：西方古典音乐赏析》 作者： [此处可填入虚构作者名，如：艾伦·格雷厄姆] 出版社： [此处可填入虚构出版社名，如：和声文苑出版社] ISBN： [此处可填入虚构ISBN，如：978-1-234567-89-0] --- 内容提要 《音乐之声：西方古典音乐赏析》并非一本专注于钢琴演奏技术或特定作品处理方法的教材，而是一部旨在带领广大音乐爱好者和初学者领略西方古典音乐恢弘历史、精妙结构与深刻情感的导览手册。本书致力于构建一座连接听众与复杂音乐世界的桥梁，通过清晰的脉络和生动的语言，揭示从巴洛克时期到二十世纪中叶，西方音乐艺术是如何演变、发展，并最终成为人类精神遗产重要组成部分的。 本书将音乐的欣赏过程视为一次穿越时空的文化之旅，而非仅仅停留在对音符的机械识别上。我们相信，理解音乐的背景、作曲家的创作意图以及其所处的社会文化环境，是真正深入体验其魅力的关键。 --- 第一部分：根基的奠定——早期音乐与巴洛克辉煌 本部分深入探讨了西方音乐体系的雏形及其在巴洛克时期（约1600-1750年）达到的第一个高峰。 第一章：中世纪与文艺复兴的序曲 本章简要回顾了格里高利圣咏的单音音乐传统，并着重介绍了复调音乐的诞生与发展。我们将聚焦于文艺复兴时期，解析奥兰多·迪·拉索和乔斯昆·德普雷等大师如何运用人声的和谐来表达世俗与宗教情感的细腻变化。对这些早期音乐的理解，是把握后续和声发展逻辑的基础。 第二章：巴洛克的诞生与精神 巴洛克时期以其对戏剧性、对比和装饰性的狂热追求而著称。本章详细阐述了“巴洛克”风格的含义，包括其对“激情论”（Doctrine of the Affections）的运用，即音乐如何被设计用来唤起特定的单一情感。我们将分析早期歌剧的起源，特别是蒙特威尔第在《奥尔费奥》中如何将戏剧张力融入音乐结构。 第三章：赋格的艺术与协奏的魅力 巴赫的音乐是巴洛克时期的巅峰。本章将重点解析赋格（Fugue）这一复杂的复调形式。我们不会进行专业的对位法教学，而是侧重于向读者展示赋格中主题如何被引入、模仿、发展，以及这种结构所蕴含的逻辑美感。此外，对协奏曲（Concerto）的分析，特别是维瓦尔第的《四季》，将帮助读者理解独奏乐器与管弦乐队之间“竞争与合作”的张力是如何被构建起来的。本章还将探讨巴赫晚期的键盘作品，重点分析其结构上的宏伟与哲思，而不涉及具体的演奏技巧细节。 --- 第二部分：古典主义的清晰与平衡 古典主义时期（约1750-1820年）是音乐史上对形式、结构和清晰度推崇备至的时代。 第四章：奏鸣曲式的逻辑 奏鸣曲式是古典主义音乐的骨架。本章将详细拆解奏鸣曲式（呈示部、发展部、再现部）的内在逻辑，如同分析一篇结构严谨的议论文。通过对海顿、莫扎特和贝多芬早期作品的分析，读者将学会如何追踪主题的引入、对比、冲突与最终的解决，从而在聆听交响曲、奏鸣曲或室内乐时，不再感到结构松散。 第五章：交响曲的黄金时代 交响曲成为指挥家与作曲家展示宏大抱负的舞台。本章将梳理交响曲从早期四乐章结构到贝多芬扩展其情感深度的发展历程。我们将专注于海顿对管弦乐队音色的实验性运用，以及莫扎特在旋律线条上无与伦比的优雅，分析其歌唱性如何与清晰的结构完美融合。 第六章：室内乐的亲密对话 室内乐，尤其是弦乐四重奏，被视为“音乐的柏拉图对话”。本章旨在引导听众欣赏四件乐器（两把小提琴、中提琴、大提琴）之间微妙的互动与平衡。我们将探讨室内乐的“私密性”与交响乐的“公共性”之间的区别，理解其中包含的复杂情感层次，而无需探讨具体指法或弓法。 --- 第三部分：浪漫主义的激情与个性的解放 浪漫主义时期（约1820-1910年）标志着作曲家将个人情感和主观体验置于绝对的中心。 第七章：个人叙事的放大 本章的核心在于理解“浪漫主义精神”——对自然、对超凡脱俗事物的向往，以及对“我”的独特经验的强调。我们将分析舒伯特艺术歌曲（Lied）中，音乐如何与诗歌紧密结合，共同描绘人物的内心世界。对李斯特的钢琴独奏曲的讨论，将侧重于其标题音乐的理念，即音乐如何通过暗示性标题来构建一个叙事场景。 第八章：管弦乐队的革命 随着乐器制造技术的进步和指挥艺术的发展，管弦乐队的规模和音色变得前所未有的丰富。本章将聚焦于柏辽兹和瓦格纳对管弦乐配器的创新。特别是对瓦格纳“主导动机”（Leitmotif）系统的解析，帮助读者识别不同人物、地点或概念在音乐中是如何被反复标记和发展的，从而理解其宏大歌剧的内在线索。 第九章：民族主义的色彩 19世纪下半叶，许多作曲家开始从本国的民间音乐、舞蹈和历史中汲取灵感，形成了强烈的民族主义色彩。本章将介绍德沃夏克、斯美塔那以及俄国“五人组”如何将本民族的旋律和节奏融入到古典的结构之中，创造出既有普世性又有地域特色的音乐。 --- 第四部分：现代的回响与多元的探索 进入20世纪，音乐的传统边界被彻底打破，进入了一个多元探索的时代。 第十章：印象与模糊的边界 德彪西和拉威尔的音乐标志着对浪漫主义过度情绪化的反叛。本章将探讨印象派音乐的核心特征：对传统和声的弱化、对音色的偏爱（如使用全音阶和五声音阶），以及音乐如何营造出一种“氛围”或“瞬间的印象”，而非清晰的叙事。 第十一章：结构的重塑与情感的冲击 本世纪初的音乐常常伴随着巨大的社会动荡。本章将分析斯特拉文斯基对原始节奏的运用（如《春之祭》），以及勋伯格引入的十二音体系。关于十二音体系的介绍，我们将侧重于解释其如何试图在放弃传统调性后，重新建立起一套组织音乐材料的系统，而非深入讲解其复杂的技法。 第十二章：跨越流派的视野 最后，本章将目光投向20世纪中叶及之后，音乐不再局限于传统的音乐厅环境。我们将简要讨论爵士乐的某些元素如何被古典作曲家吸收，以及极简主义（Minimalism）如何通过重复和微小变化来构建听觉体验，展示古典音乐仍在不断吸收新养分，持续演进。 --- 本书特点 侧重欣赏而非演奏： 本书完全不涉及乐器演奏技巧、指法训练或具体的练习曲目分析，专注于提供宏观的音乐史脉络、结构分析工具和文化背景解读。 结构清晰的导览： 按照时间顺序和风格特征划分章节，帮助读者建立起从巴洛克到现代的清晰认知地图。 术语通俗化： 复杂的音乐术语如奏鸣曲式、赋格、主导动机等，都使用比喻和清晰的逻辑解释，力求让非专业人士也能理解其功能和美学意义。 《音乐之声》是您通往西方音乐殿堂的钥匙，它将教您“如何听”，而非“如何弹”。翻开此书，您将发现，那些古老的音符背后，蕴藏着人类最深刻的情感和最精妙的智慧。

评分☆☆☆☆☆

这本钢琴学习的书，真是让我眼前一亮，完全颠覆了我过去对传统练习方式的看法。作者在讲解技术细节时，那种深入骨髓的洞察力，让人不得不佩服。比如，对于手指独立性和力量的训练，他没有简单地停留在枯燥的哈农练习上，而是巧妙地结合了不同风格的作品片段进行分析和应用。我记得有一次练习巴赫的赋格，总是感觉线条纠缠不清，但在书中找到了一个关于“触键深度与释放时机”的精辟论述，一下子就点通了。这本书的结构安排也非常人性化，从基础的音阶琶音到复杂的复调处理，每一步的过渡都显得那么自然流畅，仿佛有一位经验丰富的导师在身边手把手地指导。特别是关于踏板的使用，书中详尽地分析了不同演奏厅声学环境对踏板选择的影响，这在很多基础教材中是很难找到的深度。读完前几章，我立刻将书中的一些练习方法应用到我正在学习的肖邦练习曲中，进步的速度明显加快，那种“豁然开朗”的感觉，是金钱和时间都换不来的宝贵体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容广度与深度简直令人咋舌，它不仅仅是一本“技术手册”，更像是一部融合了音乐史、心理学和演奏美学的综合性论著。我特别欣赏作者处理“作品诠释”那一部分的方式。他没有给出标准答案，而是引导读者去理解作曲家所处的时代背景和社会思潮，如何影响了作品的情绪和结构。比如，在分析德彪西作品时，书中详细探讨了印象派绘画对音乐音色概念的启发，这让我对和弦的色彩感有了全新的理解，不再仅仅是机械地打出音符。阅读过程中，我感觉自己像是在进行一场深入的学术探讨，而不是简单的技术学习。对于那些希望超越“会弹”达到“能表达”境界的演奏者来说，这本书无疑是极佳的智力伙伴。它要求读者动脑筋，去思考每一个音符背后的逻辑与情感动机，使得练习过程充满了发现的乐趣和智力上的挑战。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的文字风格是相当严谨和学术化的，这对于追求精确性的学习者来说是极大的优点，但或许对初学者来说会有些门槛。不过，正是这种严谨，保证了书中所有观点的可靠性和实践性。我尤其喜欢作者在论述“节奏的弹性与律动感”时所采用的对比分析法。他将古典主义的严谨节拍与浪漫主义的自由速度变化进行了细致的剖析，并给出了大量的视唱听练习来帮助读者内化这种节奏的“呼吸感”。我尝试书中介绍的一种“分层节奏练习法”，即把复杂节奏分解成最简单的二对三或三对四交织，再逐步叠加，效果立竿见影。这本书的价值在于，它提供了一套可以反复打磨、不断深化的训练体系，而不是一蹴而就的速成秘籍。读完一个章节，我总会有一种想要立刻坐到琴前验证理论的冲动，这种实践的驱动力，是衡量一本专业书籍是否优秀的最好标准。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的最大感受是“全面”与“前瞻性”。它没有仅仅停留在对传统技巧的复述上，而是勇敢地探讨了当代钢琴演奏面临的一些新问题，比如如何在高清晰度录音时代保持音乐的温暖感，以及如何平衡科技辅助练习与传统听觉训练之间的关系。作者在探讨“舞台心理调适”那一章时，分享了许多业界前辈的经验，这些“内幕”性的分享，对于即将面临演奏会的学生来说，简直是无价之宝。书中关于记忆力的保持和临场发挥的稳定性的建议，非常务实且可操作。我过去总觉得演奏失误大多是技术问题，但阅读此书后，我开始意识到心理建设在演奏中占据了同样重要的位置。这本书不仅教会我如何弹得更好听，更重要的是教会我如何成为一个更成熟、更专业的音乐人，这是一种从“匠人”到“艺术家”的升华过程。

评分☆☆☆☆☆

从装帧和编排来看，这本书的设计也体现了专业水准。纸张的质量很好，即便是长时间翻阅和在琴边放置笔记，也不会轻易损坏。更重要的是，书中大量的乐谱示例标注得极为清晰，无论是指法提示还是力度记号，都精确无误，这在很多翻译或盗版的教材中是难以保证的。我特别欣赏作者在处理一些复杂的和声进行时，配上了简明的和弦图示，这大大加快了我理解抽象理论的速度。举个例子，关于增六度和弦在不同调性中的转换，书中用图表的方式直观地展示了其功能和色彩变化，避免了纯文字描述的晦涩难懂。这本书不只是给演奏者看的，我觉得音乐理论教师也会从中受益匪浅，因为它提供了一种将复杂理论转化为直观演奏指导的有效路径。它更像是一本可以陪伴我度过整个学习生涯的工具书，每次重读都会有新的领悟。