デッサンの基本 どうすれば上達するかがよくわかる! pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 绘画
• 素描
• 基础
• 技巧
• 入门
• 绘画技巧
• 艺术
• 学习
• 教程
• 速写

出版社： 誠文堂新光社

ISBN：9784416114100

商品编码：19868957

《素描：勾勒心绪，描绘世界》 第一章：笔尖下的启蒙——认识你的工具与画布 绘画，特别是素描，是通往艺术殿堂的基石，也是表达内心世界最直接、最纯粹的方式之一。它不追求色彩的绚烂，却能在黑白灰的微妙变化中捕捉事物的本质，传递情感的深度。而要踏上这条探索之旅，首先需要了解那些将你想象转化为现实的伙伴——你的工具，以及承载你创造力的画布。 1.1 铅笔的语言：从硬到软的细腻触感 铅笔，这位最忠诚的绘画伙伴，其魅力在于它丰富的表现力。我们常见的铅笔，依据其石墨的软硬程度，被划分为不同的等级。理解这些等级，就像掌握了一门全新的语言，能够让你更精确地表达画面所需的力度和质感。 H系列（Hard）： H代表硬度（Hard）。H系列铅笔的石墨硬度较高，出铅细而均匀，不易弄脏画面。它们非常适合绘制精细的线条、勾勒轮廓，以及表现光滑、坚硬的物体表面，例如建筑的直线条、金属的光泽、石头的纹理。数字越大，硬度越高，线条越细、越浅。比如，9H的铅笔几乎能画出肉眼难以察觉的细线，而H则相对柔和一些。在初学阶段，可以准备2H、4H等用于打底稿和勾勒轮廓，它们能让你在修改时更加轻松，不易留下过重的痕迹。 B系列（Blackness）： B代表黑度（Blackness）。B系列铅笔的石墨硬度较低，质地较软，落笔时笔迹较粗、较浓，易于表现暗部层次和柔和的过渡。它们是塑造体积感、表现柔软物体、制造深邃阴影的利器。数字越大，软度越高，颜色越黑、越浓。例如，9B的铅笔能画出极其浓郁的黑色，适合表现最深的阴影，而B则相对轻柔。初学者可以准备2B、4B、6B等，用来加深暗部、表现物体的体积和质感。2B通常用于铺设基础的明暗关系，4B可以用来加重一些主体物的暗部，6B则可以创造出更强的视觉冲击力。 HB系列： HB介于H和B之间，硬度和黑度适中。它是日常书写和绘画中最常用的铅笔之一，既能勾勒轮廓，也能描绘适度的明暗。HB铅笔在素描中可以作为基础的绘画工具，用于快速草图、初步的明暗铺垫，或者作为H系列和B系列之间的过渡。 如何选择和使用铅笔？ 初学者不必一次性购齐所有型号，可以从2H、HB、2B、4B、6B开始。 打稿阶段： 优先使用2H或HB，用轻柔的笔触勾勒出物体的基本形状和比例，确保准确性。 明暗铺垫： 使用HB或2B，轻轻地铺设出物体的基本明暗关系，建立起体积感。 加深层次： 随着画面深入，逐渐使用4B、6B来刻画暗部，表现物体的质感和立体感。 高光处理： 高光部分需要保持画布的原始白色，或者使用橡皮擦轻轻擦拭，使其明亮。 细微之处： 偶尔可以使用较硬的铅笔（如2H）来描绘一些细致的轮廓或高光边缘。 1.2 橡皮擦的魔法：擦除与提亮 橡皮擦并非仅仅是用来“擦掉错误”的工具，它在素描中扮演着至关重要的角色，尤其是在表现高光和光影交织的微妙之处。 普通橡皮擦（Plastic Eraser）： 最常见的那种，适合擦除铅笔痕迹。在绘画过程中，它可以用于修正不准确的线条，或者擦除不必要的草稿。 软质橡皮擦（Kneaded Eraser，又称“橡皮泥”）： 这种橡皮擦像一块粘土，可以随意揉捏成各种形状。它的吸附力极强，可以轻轻地将画面上的石墨“吸”走，而不会损伤纸张。它在素描中用途广泛： 擦拭高光： 轻轻地在需要提亮的部分按压，可以制造出柔和的高光效果，尤其适合表现光滑物体表面的反光。 控制明暗： 揉成细条，可以精细地调整画面的明暗过渡，消除不自然的痕迹。 提亮暗部： 在暗部中需要表现一些微妙的亮部时，用揉捏好的橡皮擦轻轻点按，可以获得非常自然的光感。 清洁画面： 保持橡皮擦的清洁，在绘制过程中，它能有效地清除手部留下的污渍。 1.3 画纸的选择：承载你灵魂的画布 画纸的纹理、厚度和颜色，都会影响最终的画面效果。选择合适的画纸，能让你的笔触更顺畅，画面表现力更强。 纹理（Texture）： 光滑纸（Smooth Paper）： 适合绘制精细的线条和细腻的明暗过渡，表现光滑的物体表面，如金属、玻璃。但笔触容易打滑，且不易覆盖，不适合大量使用软铅笔。 粗糙纸（Rough Paper）： 纸面有明显的颗粒感，能够更好地吸附石墨，制造丰富的层次感和肌理感，适合表现粗糙的物体表面，如布料、石头。但线条会显得稍微粗糙。 中等纹理纸（Medium Texture Paper）： 兼顾了光滑纸和粗糙纸的优点，是初学者和大多数绘画风格的理想选择。 厚度（Weight）： 通常以gsm（克/平方米）表示。厚度越大的纸张越结实，不容易在反复擦拭和叠加时破损。一般而言，100gsm以上的纸张都比较适合素描。150gsm或200gsm的纸张能承受更多的描绘和修改。 颜色： 白色或米白色： 最常见的颜色，能够最真实地反映铅笔的明暗变化。 灰色纸（Grey Paper）： 在灰色纸上作画，可以省去铺设中性灰的步骤，直接使用白色铅笔（或橡皮擦）提亮高光，使用黑色铅笔加深暗部。它能有效地简化明暗关系的处理，突出光感。 1.4 其他辅助工具：让创作更得心应手 画板（Drawing Board）： 一个坚实的画板能为你提供稳定的绘画平台，让你无论是在桌前还是站立绘画，都能保持舒适的姿势。 卷笔刀（Sharpener）： 保持铅笔尖锐，是绘制精细线条和细节的关键。 纸笔/擦笔（Tortillon/Stump）： 用紧密的纸张卷制而成，用于将铅笔痕迹晕染开，使明暗过渡更加柔和自然。注意要清洁使用，避免将不同区域的颜色混杂。 画夹（Clip）： 将画纸固定在画板上，防止移动。 擦笔油（Optional）： 有些艺术家会使用少量的擦笔油来辅助晕染，但初学者不建议轻易尝试，以免弄脏画面。 第二章：观察的艺术——看见事物的本质 在握起画笔之前，更重要的是学会“看见”。眼睛是画家最敏锐的工具，它捕捉到的不仅仅是表面的景象，更是光影的流动、形体的结构、质感的差异，以及隐藏在事物内部的生命力。观察，是素描创作的灵魂，它能将模糊的感知转化为清晰的视觉语言。 2.1 形体与比例：构筑画面骨骼 万事万物都有其内在的形体结构，如同人体有着骨骼一样，它们是画面赖以成立的基础。准确的形体和比例，是素描成功的首要条件。 认识基本几何形体： 任何复杂的物体，都可以分解为球体、立方体、圆柱体、圆锥体等基本几何形体。理解这些形体的透视变化、光影规律，是掌握更复杂形体的关键。例如，一个苹果可以看作是球体，一个盒子是立方体，一个花瓶是圆柱体和圆锥体的组合。 测量与比较： 在开始绘制前，需要通过眼睛的测量和比较来确定物体的比例关系。 目测法： 伸出你的画笔或铅笔，以手臂伸直的长度为固定参照，在画面和被画物体之间进行“测量”。例如，用笔的长度去比对物体的长、宽、高，以及各部分之间的比例关系。 借比法： 以画面中一个已知准确的局部为基准，去测量其他部分的比例。例如，确定了鼻子在脸上的准确位置和大小，就可以以此为参照来测量眼睛、嘴巴的位置和大小。 透视的奥秘： 透视是表现物体空间深度和立体感的科学。理解一点透视、两点透视、三点透视，能帮助你绘制出具有空间感的物体。 一点透视： 当物体的一个平面平行于画面时，所有平行于该平面的线条消失在同一个灭点。常用于表现长条形物体，如火车轨道、道路。 两点透视： 当物体的棱角正对观察者时，物体有两条消失线，它们分别汇聚于画面两侧的灭点。这是表现方形、长方形物体最常用的透视。 三点透视： 当观察者从高处或低处俯视或仰视物体时，会出现第三条消失线。 2.2 光影的雕塑：塑造体积与质感 光，是素描的灵魂。它不仅照亮了物体，更通过光影的对比，赋予了物体生命和体积。理解光影的规律，就像是一位雕塑家，用光来雕刻出形体的凹凸起伏。 光源方向： 光源的方向决定了物体的受光面、背光面、侧光面，以及投影的方向和形状。 正面光： 画面明暗对比不强烈，立体感较弱。 侧面光： 明暗对比强烈，立体感最强，是表现体积和质感的最佳光源。 顶光： 暗部集中在下方，容易产生“死亡”的感觉。 底光： 比较少见，容易产生戏剧性的效果。 明暗五调： 掌握明暗五调是表现物体体积感的基础。 高光（Highlight）： 物体上受光最强的部分，也是最亮的部分。 亮部（Light）： 受光面，比高光稍暗，但依然明亮。 中部（Middle Tone）： 介于亮部和暗部之间的过渡区域，明暗变化最细腻。 暗部（Shadow）： 背光面，物体本身形成的阴影。 反光（Reflected Light）： 在暗部，由于周围环境物体反射回来的光线，使得暗部并非完全黑暗，而是有微妙的亮色。理解反光对于塑造物体体积的完整性至关重要，它能避免暗部显得“死黑”。 投影（Cast Shadow）： 物体投射到其他表面上的阴影。投影的形状和深浅受光源方向、物体形状以及投影表面的影响。投影的边缘，受光源方向的影响，有的清晰，有的模糊。 质感表现： 不同的物体具有不同的质感，例如光滑、粗糙、柔软、坚硬等。通过对光影细微之处的观察和描绘，可以表现出这些质感。 光滑物体： 光影过渡细腻，高光强烈而集中，反光清晰。 粗糙物体： 光影过渡可能显得碎，高光边缘模糊，整体画面纹理感强。 柔软物体： 线条可能带有弧度，明暗变化柔和，边缘可能略显模糊。 2.3 结构与形态：理解事物的内在逻辑 素描不只是描绘表面的形象，更重要的是理解和表现物体的内部结构和形态规律。 骨骼结构： 理解物体是由哪些部分组成的，以及这些部分之间的连接关系。例如，人体绘画需要理解骨骼和肌肉的结构。 动态与重心： 物体并非静止不动，它们可能呈现出各种动态。即使是静物，摆放的角度和方式也蕴含着“动态感”。把握物体的重心，是表现其稳定感或动感的基础。 空间关系： 物体在空间中的位置关系，物体之间的遮挡关系，是构成画面层次感和深度感的关键。 第三章：技法的演进——从点、线、面到情感的流露 掌握了工具和观察方法，接下来就是将这些转化为实际的绘画技巧。素描的技法并非一成不变，而是随着观察的深入和情感的表达而不断演进。 3.1 线条的魅力：勾勒、表现与情感 线条是素描中最基本的表现元素，它可以是清晰的轮廓，也可以是富有力量的笔触。 轮廓线： 用以勾勒物体外部的边界，确定其基本形状。 结构线： 表现物体内部的结构或穿插关系，帮助理解形体。 皴擦（Hatching and Cross-hatching）： 用平行线或交叉线来表现明暗和体积。 排线（Hatching）： 一组平行线，线的疏密和粗细决定了明暗的深浅。 交叉排线（Cross-hatching）： 将不同方向的平行线交织在一起，可以表现更丰富的明暗层次和体积感。线的交织越密集，颜色越深。 顿笔与飞白： 运用笔触的力度变化，制造出顿挫感和轻重感，让线条更富于表现力。 擦拭法（Smudging）： 用纸笔或手指将铅笔痕迹晕染开，制造出柔和的明暗过渡。 3.2 明暗的层次：铺陈、过渡与强化 明暗的运用是素描中最具挑战性也最能体现技巧的部分。它需要耐心和对光影的敏锐感知。 整体铺调（Blocking In）： 在绘制初期，用轻柔的笔触，以整体的方式铺设出物体的基本明暗关系，建立起整体的体积感。 由浅入深： 绘画过程通常是从浅色到深色，由整体到局部，逐步加深层次。 明暗过渡的细腻处理： 运用排线、擦拭等技法，使亮部、中部、暗部之间的过渡自然、流畅，避免出现生硬的断层。 局部强调： 在整体明暗关系确立后，着重刻画关键部位的明暗对比，突出主体物的立体感和焦点。 反光的表现： 细心观察并表现反光，是使暗部不显得“死黑”，并增加物体体积感和空间感的关键。 3.3 质感的刻画：细节决定成败 不同的材质，需要不同的表现手法。掌握如何表现不同物体的质感，能让你的素描作品更加生动逼真。 金属： 强调锐利的轮廓、光滑的表面、强烈的高光和清晰的反光。 布料： 表现布料的褶皱、纹理和柔软的垂坠感，用细腻的明暗变化来模拟其柔软的质地。 玻璃/陶瓷： 表现其光滑、透明或半透明的特性，绘制清晰的轮廓、细腻的过渡和准确的高光。 木材/石头： 表现其粗糙的纹理和自然的肌理感，用更丰富的笔触和层次来模拟其物质感。 3.4 构图的智慧：画面元素的安排 构图是将画面元素有机地组织起来，形成和谐、有视觉吸引力的整体。 主体突出： 确立画面的中心，让主体物在视觉上能够被优先关注。 引导视线： 利用线条、明暗对比、形体变化等元素，引导观者的视线在画面中流畅地游走。 平衡与对比： 画面元素的分布要均衡，同时也要运用对比（如大小、疏密、明暗、虚实）来增加画面的趣味性和表现力。 留白： 适当的留白能让画面透气，避免拥挤，并能突出主体。 第四章：情感的注入——赋予画面生命与灵魂 素描的最高境界，是将观察到的客观世界与内心的情感融为一体，赋予画面生命和灵魂。 4.1 笔触的情感语言 每一次落笔，都蕴含着画家的情绪和态度。 轻柔的笔触： 可能表达细腻、温婉的情感。 有力的笔触： 可能传递出力量、坚定或张扬的情绪。 变化的笔触： 展现出内心的复杂情感和对事物多维度的理解。 4.2 氛围的营造 通过光影、线条和整体的节奏感，可以营造出不同的画面氛围，如宁静、神秘、压抑、欢快等。 4.3 个性化的表达 随着绘画技艺的成熟和对艺术理解的加深，画家会逐渐形成自己的独特风格，用自己的语言去诠释世界。这种风格是技巧、观察、情感和思想的综合体现。 结语： 素描是一场永无止境的探索之旅，它不仅是绘画技艺的训练，更是对世界、对生活、对自我的一次深入挖掘。从认识你的画笔开始，到学会看见事物的本质，再到掌握表现的技巧，最后将情感注入其中，每一步都是成长的足迹。愿你在这场旅途中，用你的画笔，勾勒出你心中的风景，描绘出你眼中的世界，让每一个笔触都充满力量，每一幅作品都闪耀着真挚的光芒。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前对绘画的很多理解都停留在“画得像”这个层面，总觉得素描就是要像照片一样逼真才算好。但当我大致翻阅了这本书的一些章节时，我发现它似乎在引导我跳出这个思维定势。它更强调了素描作为一种“思考”和“表达”的手段，而不仅仅是“复制”。我留意到其中一些篇幅似乎在探讨如何抓住物体的“本质”，而不是仅仅去描摹表面的细节。这种“由内而外的理解”对于我来说是全新的视角，也让我对素描的理解进入了一个更深的层次。我一直以来都觉得自己的作品缺乏灵魂，现在我才意识到，也许问题就出在对事物理解不够深入。这本书的讲解方式，看起来非常注重引导读者去“看见”和“感受”，而不是简单地“照搬”。我尤其对其中关于“结构”和“体积”的讲解部分感到好奇，我总觉得掌握了这些，就能让我的画作摆脱平面的感觉，变得更加生动立体。我迫不及待地想深入了解，它到底是如何一步步引导我们去理解和表现这些深层概念的。

评分☆☆☆☆☆

这本书真的是一本宝藏！我之前试过很多不同的绘画书籍，有些太理论化，让人读了昏昏欲睡；有些又太浅显，根本解决不了实际问题。但这本书，我觉得它在“深入浅出”这一点上做得非常出色。它并不是那种把复杂的概念简单化到失去意义的书，也不是那种把简单的技巧反复强调的书。我看到了它在讲解基础概念时，非常有条理，而且似乎会循序渐进地引导读者进入更复杂的层面。例如，我在翻看的时候，注意到它在讲解线条的时候，似乎不仅仅是教你怎么画出“好看”的线条，更会分析不同线条所能传达的情感和力量。这种对细节的关注，以及对“为什么”的解释，让我觉得这本书的作者非常有经验，而且非常懂得如何教学。我感觉它就像一个经验丰富的老师，在耐心地告诉你每一步应该怎么做，以及为什么要这么做。我非常期待它能帮助我建立起扎实的绘画基础，让我以后在面对更难的绘画挑战时，不再感到畏惧。

评分☆☆☆☆☆

我必须说，这本书的排版和设计简直太吸引人了！我常常觉得，一本好的绘画书，不仅仅内容要好，视觉呈现也同样重要。而这本书，从我初步翻阅的体验来看，在这方面做得相当不错。它不仅仅是文字的堆砌，大量的插图、图示，以及清晰的示范，都让学习过程变得更加直观和有趣。我注意到书中有很多不同角度的演示，以及一些关键步骤的放大图，这对于我们这些初学者来说，无疑是极大的帮助。我甚至能在一些插图中感受到作者在讲解时的用心，仿佛能听到他通过图画在和我沟通。而且，书中的一些排版方式，比如留白的设计，让整个阅读体验非常舒适，不会有压迫感。这让我感觉，作者不仅希望我们学到知识，也希望我们在这个学习过程中能够享受到乐趣。我真的非常期待，能够在这个精美的书本中，开启我的素描学习之旅，并且能在这个过程中，体会到绘画带来的美妙。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，学画画最难的不是手不够巧，而是心不够静。很多时候，拿到画笔，脑子里就会有很多杂念，想要画得多好，又害怕画不好。而这本书，给我的第一印象，就是它能帮助我“静下来”，并且“专注”。我留意到书中在讲解素描的“过程”时，似乎非常强调“耐心”和“观察”。它好像不是那种鼓励你速成的书，而是告诉你，素描是一场需要时间和耐心的修行。这种脚踏实地的态度，反而让我觉得非常有安全感。我看到了它在讲解一些基础技巧时，并没有把它们当作终点，而是作为进一步深入探索的起点。这让我觉得，这本书不仅仅是教你“怎么画”，更是在教你“怎么思考”。我非常期待它能帮助我培养出一种对待绘画的沉稳心态，不再急于求成，而是享受绘画过程中每一个细微的进步，最终能够真正地“画出”自己心中所想。

评分☆☆☆☆☆

天啊，我最近偶然翻到这本书，简直是给像我这样绘画零基础、又充满绘画热情的人打开了一扇新世界的大门！我一直以来都对素描有着莫名的向往，总觉得能勾勒出自己脑海中的形象是一件多么酷的事情，但是每次拿起铅笔，面对空白的画纸，脑子里就像一团浆糊，完全不知道从何下手。那些网络上的教程看了不少，但总感觉像是隔靴搔痒，摸不到门道。而这本书，真的不一样！它的标题就直击痛点——“デッサンの基本 どうすれば上達するかがよくわかる!”（素描的基础，一看就能明白如何进步！），这简直就是为我量身定做的。我迫不及待地翻开，里面的内容虽然我现在还没来得及深入研读，光是目录和一些插图就让我信心倍增。它好像不是那种堆砌理论的书，而是更侧重于“如何做”的指导。我注意到里面有关于观察力的培养、线条的运用、光影的处理等等，这些都是我之前觉得抽象又难以理解的概念，但这本书似乎有办法把它们变得清晰易懂。我甚至在想，这本书会不会有一些让你“动起来”的练习，而不是只让你“看”？光是想象一下，我就已经跃跃欲试了。我真的非常期待这本书能帮助我摆脱“纸上谈兵”的状态，真正踏上绘画的进阶之路。