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森本真由美 著

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• 西方音乐
• 音乐普及

出版社： 商周

ISBN：9789861244655

商品编码：16023390

包装：平裝

出版时间：2005-09-01

页数：288

商品尺寸：17cm×23cm

内容简介

古典音樂原來這麼有趣！《古典音樂圖解》提供了學校沒有教過的古典音樂基礎知識透過各種不同的角度做精闢的解說，從古代音樂、巴洛克、古典樂派到現代音樂的歷史，大作曲家們波瀾萬丈的人生及其代表作品，音樂的風格以及類型，任何人都可以一目了然，更介紹各種樂器及其構造和歷史。
《古典音樂圖解》內容盡量避免出現過於專業的辭彙和術語，盡可能多描述一些音樂家們的生平事蹟。如此一來，便可以看出音樂作品誕生當時的社會背景。如果你認為「古典音樂似乎有點難……」，因此便對古典音樂敬而遠之；或是在學校的音樂課上「總覺得聽不太懂，古典音樂很乏味……」，讀了本書之後，至少會興起「好想聽聽看古典音樂！」的念頭。而引起讀者的興趣、引領大家進入古典音樂的世界，就是本書的最大目的。

作者简介

森本真由美，1960年生於神戶，東京藝術大學音樂系畢業。

前言/序言

艺术的殿堂：西方音乐史的宏伟画卷 作者： [此处可填入虚构的音乐史学家姓名，如：亚历山大·冯·赫尔曼] 出版社： [此处可填入虚构的出版社名称，如：启明文库] --- 导言：穿越时空的回响 本书《艺术的殿堂：西方音乐史的宏伟画卷》并非仅仅是一部枯燥的年代记录，而是一场跨越两千多年历史的、波澜壮阔的声音之旅。它旨在为渴望深入理解西方音乐发展脉络的读者，提供一份既有学术深度又充满人文关怀的导览图。从古希腊的哲学思辨到巴洛克时期的繁复装饰，从古典主义的理性平衡到浪漫主义的澎湃情感，再到二十世纪现代音乐的颠覆与探索，本书力求捕捉每一个关键转折点上，那些塑造了我们今日听觉世界的伟大心灵与革新技术。 我们所研究的音乐，是人类情感、社会结构、宗教信仰与技术进步交织而成的复杂产物。它不仅是听觉的享受，更是特定时代精神的活化石。本书的结构将严格遵循时间轴线，但叙述方式将着重于“关联性”——即某一流派或作曲家如何回应了前人的遗产，又如何为后继者铺设了道路。 --- 第一编：源起与奠基 (公元前500年 – 公元1400年) 本篇聚焦于西方音乐思维的萌芽与中世纪的宗教主导时期。 第一章：雅典的七弦琴与柏拉图的回响 西方音乐理论的根基，植根于古希腊对“和谐”（Harmonia）的哲学探求。我们详述毕达哥拉斯对音程的数学定义，以及柏拉图和亚里士多德在《理想国》中对音乐伦理和“慕斯修养”的论述。尽管彼时文献遗存稀少，但对音阶结构和七调式的早期探索，为后世的记谱法和调性体系埋下了伏笔。 第二章：格里高利圣咏的统一与中世纪的寂静 随着基督教在欧洲的兴盛，音乐的中心转向罗马教会。本章深入解析教皇格里高利一世（推测）时代对单音圣咏（Gregorian Chant）的整理与规范化过程。我们详细探讨了这种无伴奏、自由节奏的复调前身，如何成为欧洲音乐的“通用语”。随后，转向早期复调音乐（如奥尔加农）的诞生，特别是巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）——列欧南（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）——如何引入精确的节拍概念，为音乐的结构化迈出了决定性的一步。 第三章：世俗之声的觉醒与抒情诗的旋律 中世纪并非只有教堂的肃穆。本章关注游吟诗人（Troubadours）、槽唱诗僧（Trouvères）以及德语地区的明歌诗人（Minnesänger）的工作。他们的音乐虽然多已失传，但留下的歌词和残存的旋律片段，揭示了世俗爱情、骑士精神和民间叙事对音乐创作的影响。同时，我们也考察了早期以孔德拉（Caudata）为代表的乐器使用情况。 --- 第二编：文艺复兴的平衡与巴洛克的辉煌 (1400 – 1750) 这是音乐从集体创作向个人表达过渡的关键时期，复调技巧达到顶峰，并诞生了歌剧这一全新体裁。 第四章：弗兰德斯乐派的精妙交织 文艺复兴早期，以杜菲（Dufay）和雅各布斯·奥布雷赫特（Obrecht）为代表的尼德兰（弗兰德斯）作曲家，将“模仿对位”发展到极致。本章分析了弥撒曲和经文歌中复杂而平衡的声部织体，展示了如何通过人声的精致对话，营造出清晰而统一的整体感。勃登堡和帕莱斯特里那的“纯净之声”，被视为这一时期宗教音乐典范的终极体现。 第五章：歌剧的诞生与情感的戏剧化 1597年佩里的《达芙妮》标志着歌剧的萌芽。本章探讨了佛罗伦萨“卡梅拉塔”（Camerata）小组对古希腊悲剧精神的重构尝试，以及“通奏低音”（Basso Continuo）这一巴洛克音乐支柱的出现。蒙特威尔第的《奥菲欧》被视为第一部成熟的歌剧，本书将分析其如何首次将宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）的戏剧功能明确划分。 第六章：巴洛克全景：炫技与结构的力量 巴洛克时期是音乐技巧爆炸的时代。科莱里的小提琴奏鸣曲、维瓦尔第的协奏曲，展现了器乐演奏技巧的飞速进步。本章重点解析了巴赫的赋格艺术（Fugue），特别是《平均律钢琴曲集》对十二平均律的推广意义。亨德尔的清唱剧和意大利歌剧的宏大场面，构成了这一时期音乐美学的两大支柱。我们还会探讨键盘乐器（如羽管键琴）在这一时期的重要性。 --- 第三编：古典主义的秩序与浪漫主义的激情 (1750 – 1900) 在启蒙运动的理性思潮下，音乐结构被提炼和完善，随后，个人主义和强烈的情感表达彻底解放了音乐的疆界。 第七章：维也纳古典乐派的建筑美学 海顿被称为“交响曲之父”，他确立了奏鸣曲式（Sonata Form）的完整范式。本章详细解构奏鸣曲式的呈示部、展开部和再现部，并分析莫扎特如何将歌剧的戏剧冲突融入到纯器乐创作中。贝多芬的出现是分水岭，他的九部交响曲，特别是第三号《英雄》和第五号《命运》，标志着作曲家身份从宫廷匠人到独立艺术家的转变，极大地拓展了交响乐的篇幅与哲学深度。 第八章：浪漫主义的抒情诗篇与民族色彩 十九世纪，舒伯特、舒曼、肖邦和李斯特将音乐的焦点转向内心世界。本章深入分析了“艺术歌曲”（Lied）如何与德语诗歌完美结合，以及钢琴音乐如何成为表达个人“我”的理想载体。民族乐派（如德沃夏克、格里格）则通过吸收民间旋律和舞曲，为欧洲音乐注入了强烈的地域特色。 第九章：宏大叙事与瓦格纳的革命 浪漫主义晚期，音乐的规模空前扩大。勃拉姆斯的回归古典形式与瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）形成了鲜明对比。本章重点剖析瓦格纳对歌剧的颠覆，包括其使用“主导动机”（Leitmotif）系统来构建庞大的戏剧结构，以及他对和声语言的极大拓展，为进入二十世纪的无调性音乐埋下了伏笔。 --- 第四编：现代的破碎与多元的探索 (1900至今) 技术进步、世界大战和社会剧变，使得音乐创作进入了前所未有的多元化和实验性阶段。 第十章：世纪之交的色彩与和声革命 德彪西和拉威尔的印象主义音乐，以对音色的精妙把控，模糊了传统调性的界限。与此同时，第二维也纳乐派（勋伯格、贝尔格、韦伯恩）发起了对调性系统的彻底挑战，本章细致阐述了无调性音乐和十二音体系（Dodecaphony）的诞生及其严谨的逻辑结构。 第十一章：野蛮的冲击与节奏的解放 斯特拉文斯基的《春之祭》以其原始的节奏和刺耳的和声，在1913年引发了著名的“骚乱”。本章考察了二十世纪初音乐中对节奏的极端重视，以及它与原始主义、新古典主义（如奥地利学派的回归）之间的张力。 第十二章：战后的实验与电子声音的介入 二战后，音乐探索进入了更极端的领域。本章介绍了皮埃尔·布列兹等人在达姆施塔特夏季课程上推动的“全面序列化”。同时，我们考察了香农的信息论对音乐创作的影响，以及电子音乐（Musique Concrète和电子合成器音乐）如何将声音的来源从传统乐器拓展到任何可记录的声波。 结语：未完待续的协奏曲 本书最后探讨了当代音乐的开放性，包括极简主义（如赖克、菲利普·格拉斯）对时间感的重塑，以及音乐对后现代主义思潮的吸收与反思。西方音乐史并非一条终结的直线，而是一个不断吸收、解构与重塑的动态过程，其未来的回响仍将持续塑造我们的文化景观。 --- 附录： 关键术语词汇表（如：对位法、变奏曲、奏鸣曲式） 欧洲主要音乐学派地理分布图 推荐唱片目录（精选各时期代表作品）

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，那种沉稳中带着一丝典雅的色彩搭配，让我一拿到手就觉得分量十足，仿佛里面蕴含着跨越时空的智慧。我原本对古典音乐的了解仅限于几个耳熟能详的曲目和作曲家名字，总觉得那是一个高不可攀、充满神秘色彩的领域。然而，这本书的排版布局极其考究，大量的留白让画面有了呼吸感，文字的字体选择也恰到好处地平衡了历史的厚重与现代的可读性。翻开内页，那些精美的插图和图表，即便只是作为装饰，也透露出一种严谨的美学态度。我特别欣赏它在介绍不同时期音乐风格流变时，那种如同历史长卷徐徐展开的叙事方式。它没有急于把我拉入复杂的理论迷宫，而是先用这些精美的“外衣”吸引我的注意力，让我心甘情愿地沉浸其中，去探索这片古典的园林。光是品味这些设计细节，就已经是一种享受，让我对接下来将要阅读的内容充满了期待和敬畏。这绝不是一本随便印制的入门读物，它对“古典”二字的理解，从内到外都贯彻得淋漓尽致。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买过不少音乐类的书籍，很多都沦为了生涩难懂的“砖头”，硬邦邦的理论名词堆砌在一起，读起来晦涩难懂，让人望而却步。这本书的叙事方式简直是化繁为简的大师手笔。它并没有直接抛出复杂的和声学概念或者对位法规则，而是通过一些生活化的比喻，将那些抽象的音乐结构变得触手可及。比如，它在解释奏鸣曲式的结构时，没有用一堆“呈示部”“再现部”的术语把你轰炸，而是把它比作一个精巧的戏剧冲突与和解过程，每个部分都有其明确的情感目标和戏剧张力。这种代入感极强，让我一下子明白了为什么巴赫的赋格会如此精妙，也更容易捕捉到莫扎特乐章之间的那种轻快与机智。阅读过程中，我感觉自己不是在啃理论，而是在跟随一位耐心且博学的向导，在音乐殿堂里进行一次深度漫步。它成功地搭建了一座桥梁，让我这个门外汉可以安全地跨越到音乐欣赏的专业门槛前，并自信地迈出第一步。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏这本书的地方在于它对“时代背景”的刻画，这远超出了传统音乐史的范畴。很多音乐书只关注“谁在什么时候写了什么”，但这本书却深入挖掘了音乐是如何反过来塑造和反映当时的社会思潮、政治气候甚至日常审美的。例如，它在谈论浪漫主义时期时，不仅仅提到了比德迈尔风格，还结合了当时的文学思潮和启蒙运动的余晖，让人清晰地理解到，贝多芬的英雄主义情怀是如何与时代精神紧密相连的。这种宏观的历史视野，让每一个音符都拥有了更深层次的意义，不再是孤立的美学符号。每次读到某个乐章的介绍，我都会忍不住去寻找当时的历史画作或文学片段，试图在不同的艺术形式中寻找共鸣。这种跨学科的引导，极大地丰富了我对古典音乐的理解维度，让我意识到音乐是那个时代人们精神生活的“最高体现”，而不是某种脱离现实的纯粹艺术。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性也让我感到惊喜。我常常因为听古典音乐时不知道该“看”哪里而感到困惑。这本书在这方面提供了极大的帮助。它没有停留在纯理论的讲解，而是非常具体地在某些关键段落，给出了聆听指南。它会精确地指出：“请注意，在第4分30秒处，大提琴开始了一个富有忧郁色彩的对答，这与前一分钟小提琴营造的宁静形成了鲜明的对比。” 这种“时间戳”式的引导，让我手中的唱片瞬间“活”了起来。以前听海顿的交响曲，总觉得结构松散，现在有了这本书的指引，我能清晰地追踪到主题的引入、变奏和发展，仿佛在看一场结构严谨的建筑设计图。对于那些想从“随便听听”进阶到“精听细品”的乐迷来说，这本书提供的这种具体操作层面的指导，是无价之宝，它极大地提高了我的聆听效率和乐趣。

评分☆☆☆☆☆

从装帧的质感到内容的编排，这本书都体现了一种对“经典”的尊重与现代解读的完美平衡。它没有陷入故作高深的学院派作风，也没有流于肤浅的娱乐化解读，而是恰到好处地停留在了一个充满启发性的中间地带。我发现自己开始有意识地去比较不同指挥家对同一部作品的处理差异，这种探究欲正是这本书成功激发出来的。更重要的是，它没有给我设定一个“标准答案”，而是不断地抛出问题，鼓励读者自己去感受和判断。比如，在介绍某个作曲家时，它会并列呈现两种截然不同的乐评观点，让你自己去权衡哪一种更能触动你。这种开放性的引导，让阅读过程充满了互动性和个人化色彩，每一次重读都有新的发现。这本书更像是一把精密的钥匙，它为你打开了一扇通往宏伟古典音乐世界的大门，但具体要欣赏哪些风景，最终的决定权依然在你手中，这才是最好的教育方式。