眨眼之间：电影剪辑的奥秘（第2版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 沃尔特·默奇（Walter Murch） 著，夏彤 译

图书标签:

• 电影剪辑
• 剪辑技巧
• 电影制作
• 电影语言
• 视听艺术
• 电影理论
• 电影史
• 后期制作
• 叙事技巧
• 电影分析

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550209565

版次：2

商品编码：12087812

包装：平装

开本：32开

出版时间：2016-11-01

用纸：胶版纸

页数：134

正文语种：中文

内容简介

　　《眨眼之间：电影剪辑的奥秘（第2版）》凝结了剪辑师沃尔特·默奇极具创造性的、多层面的思考，可以说这对过去的剪辑观念形成了一定的挑战。开篇他便提出了一个基本的问题：为什么剪接可以被接受？从这里开始，默奇带领读者进入了一段不可思议的旅程，贯穿其间的既有美学上的追求也有实际操作上的考量。他对以下议题提出了自己的见解，例如剪辑时、做梦时、现实生活中影像的连贯性与非连贯性，判断好剪辑的标准，眨眼的动作既类似于剪辑时的画面切换又是出于一种情感暗示，等等。在新版本扩充重写的部分中，默奇总结了数字剪辑在技术与艺术层面的优势与可能产生问题。

目录

致中国读者
推荐序一 弗朗西斯?科波拉
推荐序二 周新霞
译者前言
第二版前言
前言

上篇
眨眼之间
01 剪切：可见与不可见切口
02 为什么剪接可以被接受？
03 把拍坏了的部分剪掉
04 以少胜多
05 剪辑的六条原则
06 误导：魔术师的障眼法
07 画幅边沿以外
08 描绘梦境：诉说者与倾听者的合作
09 团队协作：多个剪辑师合作的问题
10 决定性瞬间
11 手法与设备：石头与陶土
12 试映：反射性疼痛症
13 别害怕，这不过是电影
14 法网
15 满天星光闪烁

下篇
数字剪辑的过去、现在
以及设想中的未来
01 天文数字
02 数字的优势
03 数字：回到未来
04 从模拟到数字的过渡
05 发展中的问题
06 一个和半个《英国病人》
07 当人遇到机器
08 随机存取和速度问题
09 数字剪辑——更快、更快、更快
10 一般观察：赛璐珞组成的亚马逊丛林
11 数字现状
12 数字未来
13 Gesamtkunstkino——完全的艺术电影

出版后记

精彩书摘

　　《眨眼之间：电影剪辑的奥秘（第2版）》：
　　事实是，《现代启示录》跟所有其他剧情长片一样［希区柯克（AlfredHitchcock）的《夺魂索》（Rope，1948）可能是个例外］，是由很多片段连接在一起而成的影像拼图。连接那些碎片，即美国人术语中称的“剪切”，虽然造成了一个完全的、瞬间的视野转换-这种转换有时甚至造成了一种时间或空间上的巨大跳跃，但神奇的是，它们确实可以被观众接受并得到有效的理解。
　　剪接的结果看起来是可接受的、有效的，但情况也可能完全是另外的样子，因为日常经验中没有类似的体验让我们对此有所准备。实际上，我们每天从早上睁开眼睛到晚上闭上眼睛睡觉，接受的视觉现实是一个连续不断的、前后关联的图像流。数百万、千万年以来，地球上的生命都是如此感知世界的。然而该片由10个长镜头组接而成，每个镜头长10分钟左右，几乎不知不觉地连在一起，看起来完全没有经过剪辑。在20世纪初，人类突然遭遇到了一种新的视觉现实，这就是经过剪接的电影。
　　在这种情况下，如果我们发现人类的大脑因为已被进化和经验预先“敷设好了线路”，从而会拒绝接受电影剪接，这大概也是完全可以理解的。如果是这样，那么卢米埃尔兄弟（Lumière Brothers）的那些单镜头电影，或者希区柯克的《夺魂索》那一类电影，就会是电影的标准。谢天谢地由于实践经验（以及艺术上的）的原因，最后的实际情况并非如此。
　　事情的真相是，电影事实上每秒钟被剪断了24次，每一画面跟前一画面比较，影像都有错位，只是因为在一个连续的镜头中，前后画面在空间/时间上的错位足够小（20毫秒），观众就只看到“某种语境中的连续运动”（motion within a context），而不是每秒钟24个不同的语境。另一方面，如果视觉的移位太大（比如在剪切之处发生的那样），我们就被迫把新的图像重新评估为一个“不同的语境”。奇迹般的是，多数时候我们可以毫无问题地处理这个任务。
　　真正让我们接受起来有问题的，是那种既算不上微妙、也算不上巨大的错位。比如，如果从一个全身的全景主镜头，切到稍微近一点的踝关节以上的全身画面，新的镜头跟前面的有所不同，可以表示“有什么”发生改变了，但这种不同又并没巨大到足以让我们重新估量其语境：视野中图像的转换既非由运动引起，也非由情景变化引起，这前后两种不同感觉的冲撞就造成了我们神经上的不适，这种“跳”的感觉，相对来说是让人不舒服的。
　　从任何意义上说，本世纪早期发现某种情况下的剪切“可被接受”的事实，差不多立即给了人们启示，发现了电影可以分段地、不连续地拍摄，这于电影而言类似于发现了飞翔的秘密，真的可以说，电影从此挣脱了时间和地点这“大地”的束缚。如果我们拍摄电影时必须同时获得所有元素，就像在戏剧里面那样，那么可选的题材范围就大大缩小了。与此相反，“不连贯”成了“最高法则”，在整个电影制作过程中，这是事实的核心，几乎所有的决定都这样那样地跟它有关-怎样克服它的局限，或者怎样最大限度地利用它的长处。
　　另外需要考虑的是，就算所有元素都时刻备用，在拍摄连续的长镜头时依然很难保证所有相关元素在每一次的拍摄尝试中都同时完美地运作。欧洲导演倾向于比美国同行拍摄更复杂的主镜头，但就算你是英格玛？伯格曼，你还是有一个应对能力的极限：假设就在某一条拍摄的结尾，某种特效没有达到要求，或者某人忘了自己的台词，或者某个灯泡突然烧掉了保险丝，那么整条的拍摄就得重来，越是长的镜头，让你出错的机会也越多。
　　所以，想要所有元素同时齐备是一个相当巨大的保障问题，而要所有元素每一次都同时生效是同样严峻的挑战。结果是，单从实际操作的角度，我们也不能学卢米埃尔兄弟或者希区柯克《夺魂索》的榜样。
　　另一方面，除了方便因素，非连贯拍摄也给了我们机会，为每一种感情或者情节点选择最佳机位、角度，这样剪辑到一起就可以积累出更大的冲击力。如果我们被限制到只能拍摄连续的图像流，就很难做到这个，电影也就不可能像现在这样表达清楚而敏锐。
　　还有，就算是不考虑这些，剪辑也不仅仅是一种便利的工具，可以拿来将非连贯的内容描绘得好像连贯的一样。正是那种看似悖谬的突然转换力量，让它显示出自身存在的价值，这对一部电影的诞生具有非常积极的意义。就是说，即使非连贯拍摄没有那么多实际的功效，我们也还是会剪辑的。归结起来，以上所有这些的核心是：剪辑确实有着巨大的效力。但我们还是会问：到底为什么呢？这有点像是大黄蜂的情形，它似乎不可能飞起来，但它确实飞起来了。
　　……

好的，这是为您撰写的图书简介： --- 书名：光影迷踪：现代叙事中的视觉语言与节奏构建 【本书简介】 在电影艺术的浩瀚星空中，叙事不仅仅依赖于对白与剧本，更深植于一种无声的、直观的语言体系——视觉语言。本书《光影迷踪：现代叙事中的视觉语言与节奏构建》，旨在深入剖析当代电影创作中，如何通过镜头调度、场面调度、光影运用以及蒙太奇思维的再塑，来构建和传递复杂的情感内核与叙事张力。这不是一本探讨具体技术操作手册，而是一部侧重于美学理论与实际应用相结合的思辨之作，它将引导读者跨越表层叙事，直抵影像背后的深层结构。 第一部分：从感知到叙事——视觉语言的底层逻辑 电影的魅力源于它对人类基本感知机制的巧妙调动。本部分将详尽阐述视觉符号如何被编码并解码为观众的情感体验。 一、光影的形而上学：情绪的调色板 光与影，是电影叙事中最古老、也最强大的工具。我们不再简单地将光视为照明，而是将其视为一种叙事载体。本书将分析不同照明风格——如伦勃朗光、蝴蝶光、边缘光——在不同流派（从黑色电影到新浪潮）中是如何被用来揭示角色内心状态、暗示命运转折的。重点探讨高对比度（Chiaroscuro）与低对比度场景在构建心理空间上的差异性。例如，在心理惊悚片中，光线如何成为不确定性的具象化；而在史诗片中，自然光如何承载历史的厚重感。 二、构图的心理学基础：空间的权力关系 教科书式的三分法只是构图的起点。本书深入研究了轴心线（Axis Mundi）的运用、负空间的战略布局，以及画面内元素对齐（Alignment）与失衡（Imbalance）如何直接影响观众对角色间权力结构和情感距离的判断。我们将剖析韦斯·安德森式的对称美学与伯格曼式的极简主义构图在表达“控制”与“疏离”上的异曲同工之妙。 三、景别与焦点的叙事功能重塑 景别不再是固定的尺度定义，而是动态的情感过滤器。本书区分了“主观景别”（与角色感官同步）和“客观景别”（作为全知视角）。更进一步，我们将聚焦于“选择性失焦”的叙事潜力——当前景或背景被刻意模糊时，导演是在强迫观众关注什么，又在刻意隐藏什么？这种对清晰度的控制，直接决定了观众对信息获取的信任度。 第二部分：节奏的雕刻师——时间与运动的交织艺术 电影的本质是对时间的艺术化处理。本部分致力于解构“节奏”（Pacing）这一抽象概念，将其还原为可分析、可构建的运动和剪辑规律。 一、场面调度（Mise-en-scène）与内部节奏 一个长镜头内部的节奏，即“场面调度节奏”，是常常被忽视的关键环节。本书详述了演员走位、镜头推拉（Dolly In/Out）速度、景深变化频率如何共同构成一段场景的内部呼吸。我们考察了塔可夫斯基如何使用长时间的固定镜头来拉伸主观时间，以及现代动作片中频繁的“跟拍”运动如何制造持续的即时感和压迫感。 二、运动的语义学：平移、摇摄与倾斜的宣言 镜头运动本身就是一种语言。平移（Pan）代表观察与追踪，摇摄（Tilt）象征着发现与升降，而倾斜（Dutch Angle）则是不安与失衡的直接表达。本书通过对经典案例的分析，构建了一套运动语义学图谱，揭示不同运动在叙事转折点上所起到的“句号”或“感叹号”作用。 三、跨越时空：蒙太奇思维的当代变奏 虽然我们不着眼于传统剪辑的物理操作，但其背后的思维逻辑——蒙太奇——在当代电影中演化出了新的形态。本书关注“认知蒙太奇”，即利用视觉主题的重复、色彩的呼应，以及声音与画面的非同步性，在观众大脑中自动完成的联想与跳跃。我们将区分“对比蒙太奇”（如爱森斯坦）和“抒情蒙太奇”（如赫尔岑）在构建非线性叙事中的应用差异。 第三部分：语境的构建——类型、风格与作者论的视觉印记 视觉语言的最终价值，体现在它如何服务于特定的类型需求和导演的个人风格之上。 一、类型片中的视觉惯例与颠覆 每一种电影类型都携带一套约定俗成的视觉词汇。例如，科幻片对环境光和未来感设计的依赖，或恐怖片对视野受限和快速闪切的偏好。本书分析了杰出导演如何娴熟地运用这些惯例来建立观众的期望，随后又如何通过微妙的视觉偏差，实现风格的更新或对主题的深刻批判。 二、作者论的视觉指纹：风格的不可替代性 视觉语言是区分作者的关键。书中将展示，即便面对相似的剧本素材，不同导演的“签名式”镜头运用是如何保持一致性的。例如，某位导演对极窄景深的偏爱，如何持续地将观众置于角色尴尬的社交边缘；另一位导演对宏大场景中人物微小化的偏爱，又如何反复强调人类在宏大命运面前的无力感。 三、后叙事时代的视觉挑战：沉浸感与信息密度 随着技术的发展，电影在视觉上变得更加“密集”和“全景式”。本书探讨了在追求极致沉浸感（如高帧率、IMAX格式）的同时，如何避免叙事信息的过度稀释。如何在宏大的视觉奇观中，精准地聚焦于角色瞬间的情感波动，是当代视觉叙事面临的核心难题。 【结语】 《光影迷踪》意在提供一个深度的分析框架，让创作者和鉴赏者都能更敏锐地捕捉到电影艺术中那些转瞬即逝、却又决定一切的“视觉瞬间”。它要求读者以一种更主动、更具批判性的眼光去观看电影，理解每一帧画面的背后，都潜藏着一个深思熟虑的调度和选择。 ---

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我最大的感受是，它彻底颠覆了我对“剪辑即连接”的传统理解。我原以为剪辑只是把拍好的素材按顺序接起来，但这本书深入阐释了“剪辑即创造意义”的哲学高度。它探讨了如何通过非线性的叙事手法，打破观众的线性预期，营造出一种梦境般的、多层次的观影体验。尤其是关于“跳切”和“匹配剪辑”的运用，书中给出了大量经典案例，分析得鞭辟入里，让我明白了为什么有些看似突兀的转场，反而能增强戏剧张力。这本书的学术深度和实践指导性结合得非常好，既有理论框架的支撑，又不失为一部实用的工具书。对于那些想要深入了解电影语言的人来说，这本书简直是宝藏，它教会你的不只是“怎么做”，更是“为什么这么做”。

评分☆☆☆☆☆

这本书拿到手，沉甸甸的，感觉内容肯定很扎实。我最期待的是它能深入剖析那些看似无形却至关重要的剪辑技巧。我一直很好奇，为什么有些场景的节奏会让人心跳加速，而另一些则让人感到舒缓。这本书如果能把蒙太奇的理论，比如爱森斯坦和库里肖夫的实验，用现代电影的案例来解读，那就太棒了。我希望它不只是罗列技术名词，而是能真正打开一扇窗，让我看到剪辑师是如何在“时间”和“空间”之间搭建桥梁的，如何通过镜头的选择和排列，引导观众的情绪和认知。特别是对于动作场面和悬疑片的剪辑，如果能有详细的拆解，比如如何通过切点和景别变化来制造紧张感，那我的观影体验绝对会提升一个档次。这本书的封面设计我很喜欢，简洁又充满力量感，似乎预示着内容会直击核心，毫不拖泥带水。

评分☆☆☆☆☆

这本书真正打动我的地方在于它对“剪辑的伦理和艺术边界”的探讨。它不仅仅局限于好莱坞的经典叙事，还拓宽视野，讨论了独立电影、实验电影乃至纪录片中的剪辑手法差异。比如，纪录片剪辑师如何在尊重真实事件的同时，构建出具有说服力的叙事弧线，这其中涉及到的道德抉择非常引人深思。我特别喜欢其中关于“不可见剪辑”的讨论，即最高明的剪辑是让观众完全感受不到剪辑的存在，而是沉浸在故事之中。这本书用一种近乎冥想的方式，引导读者去感受时间的流动和空间的变化，这是一种非常高级的电影教育。它让我不再只是一个被动的观众，而是一个积极的参与者，去审视每一个画面背后的潜台词。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的阅读体验相当畅快，行文流畅，不像有些技术书籍那样枯燥难懂。它很善于用生动的比喻来解释复杂的概念，比如将节奏比作音乐的节拍，将景别变化比作诗歌的韵律。我特别欣赏作者对于“声音设计与剪辑的互动”这一章节的论述。电影剪辑绝非视觉的孤岛，声音才是情绪的催化剂。书中对同期声的保留与舍弃、音乐切入点的精确把握，都进行了细致的分析，让我意识到，很多时候我们被感动，是因为声音和画面在某个瞬间达成了完美的共振。这本书的排版设计也很用心，图文并茂，很多理论性的阐述都有清晰的视觉辅助，这对于理解剪辑的动态过程至关重要。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值远超乎我最初的预期，它更像是一本关于“视觉叙事节奏学”的权威指南。我曾经在自己做一些短片项目时，常常为如何控制时长和信息密度而苦恼。这本书提供了一套清晰的、可操作的框架，讲解了如何通过长镜头与快速剪辑的交替使用，来管理观众的注意力资源。它对不同题材的剪辑规则进行了细致的区分，例如喜剧片中对“时间点”的精准拿捏，与惊悚片中对“信息延迟”的精妙布局。对我而言，这本书提供的不仅仅是技巧，更是一种思维模式的转变，让我学会用更具结构性和目的性的眼光去审视每一帧影像。每一次重读，似乎都能从中挖掘出新的层次感悟，这绝对是一本值得反复研读的经典之作。

评分☆☆☆☆☆

具体例子不是很多，在大方向上讲了一些

评分☆☆☆☆☆

赞赞赞！！！！刚好需要！！！很及时！！！很实惠！努力！！

评分☆☆☆☆☆

比较实用的一本影视后期图书

评分☆☆☆☆☆

这本书需要很深入的去研究，开始的时候随便翻了一章节，就忍不住的一边看一边点头，的确是很有必要都跟着作者学一学写作的技巧和套路

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

期待很久的盛典啊，活动购买，之前都不舍得买，书里很多细化的，值得多次学习的参考