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[美] 巫鸿 著

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• 绘画
• 雕塑

出版社： 生活·读书·新知三联书店

ISBN：9787108052971

版次：1

商品编码：11880690

包装：精装

开本：16开

出版时间：2016-01-01

用纸：胶版纸

页数：390

字数：380000

内容简介

　　本书是继《礼仪中的美术——巫鸿中国古代美术史文编》之后，巫鸿先生在三联书店推出的第二部学术论文集，侧重考察中国美术中特有的“时空”观念，以及它在不同媒材的图像中的表现和释读。全书分为三部分——上编：时空的形象；中编：观念的再现；下编：图像的释读，所收1992—2007文章15篇，考查对象包括建筑、明器、拓片、画屏、卷轴、册页、摄影等多种形式。与常见的中国美术史研究不同，这些论文没有局限于孤立的门类和史实，而是竭力为这些现象找到自己的传统和脉络，并赋予其宽阔的视野，使阐释更具启发性。这些文章是对《文集》提出“礼仪美术”概念的完善与补充，从而有助于读者更深入地认识中国美术的独特传统。
　　三联书店于2009年首次出版该书，本次重版，将收入巫鸿作品五种，与《礼仪中的美术》、《黄泉下的美术》、《武梁祠》、《美术史十议》整合，统一开本为170*240mm，精装。

作者简介

　　巫鸿，1963年入中央美术学院美术史系学习。1972-1978年任职于故宫博物院书画组、金石组。1978年重返中央美术学院美术史攻读硕士学位。1980-1987年就读于哈佛大学，获美术史与人类学双重博士学位。随即在哈佛大学美术史系任教，于1994年获终身教授职位。受聘主持芝加哥大学亚洲艺术教学。2002年建立东亚艺术研究中心并任主任。其著作包括对中国古代、现代艺术以及美术史理论和方法的多项研究。主要著作有《武梁祠：中国古代画像艺术的思想性》《中国古代美术和建筑中的纪念牌性》等。

目录

上编　时空的形象
中国艺术和视觉文化中的“复古”模式（2008）
“复古”的源起
再造“古人之象”
复古的语境
对往昔的“历史化”
“意图”的模式
尾声：复古和历史叙事
废墟的内化：传统中国文化中对“往昔”的视觉感受和审美（2007）
丘与墟：消逝与缅怀
碑和枯树：怀古的诗画
迹：景中痕
说“拓片”：一种图像再现方式的物质性和历史性（2003）
两种拓片——碑和帖
拓片的属性

前言/序言

《光影的轨迹：从古代壁画到数字艺术的视觉探索》 本书带领读者踏上一段跨越数千年的视觉艺术之旅，深入剖析不同历史时期、不同文化背景下的艺术表现形式、核心观念及其社会功能。我们聚焦于那些定义了人类审美与想象力的关键转折点，探讨光影、色彩、形式与空间是如何被艺术家们运用，以映照当时的哲学思潮、宗教信仰与社会结构。 第一部分：原始的低语与文明的曙光 本章追溯艺术的起源，从史前洞穴中那些充满生命力的动物形象，到早期文明如美索不达米亚和古埃及，对永恒与神性的不懈追求。我们细致考察拉斯科洞穴壁画中对狩猎场景的动态捕捉，以及埃及法老陵墓中高度程式化、象征意义明确的图像语言。重点讨论早期艺术如何服务于生存需求、宗教仪式和权力维护，以及早期工匠对材料（如赭石、炭、石灰石）特性的初步认知与驾驭。 继而深入古希腊与古罗马时期。希腊雕塑对人体比例的极致探索，从严谨的古风（Archaic）到和谐的古典（Classical），再到富于情感的希腊化时期，清晰地展现了人文主义思想如何渗透到艺术创作的每一个角落。罗马艺术则在继承希腊成就的基础上，发展出强烈的写实主义和叙事性，尤其体现在纪念碑、浮雕和建筑装饰中。我们分析透视法和解剖学的初步应用，如何使得图像更具“在场感”。 第二部分：信仰的画布与中世纪的象征 进入中世纪，艺术的主题彻底转向宗教。本书详述拜占庭艺术的庄严、平面化与金色背景所营造的超凡脱俗感，以及罗马式和哥特式建筑如何通过高耸的拱顶、绚烂的彩绘玻璃，将信徒引入一个神圣的、象征性的宇宙空间。哥特式大教堂的立面被视为“石头的圣经”，每一个雕像、每一组装饰都有其明确的神学指向。我们剖析手抄本插图的精细工艺，以及中世纪艺术家在匿名状态下对纯粹象征意义的坚守。 第三部分：文艺复兴的觉醒与科学的介入 文艺复兴标志着西方艺术史的重大转折点。意大利（尤其是佛罗伦萨和罗马）的艺术家们重新发现并崇敬古典传统，但融入了新的科学精神。本章详细分析透视法（如布鲁内莱斯基和马萨乔的贡献）、空气透视法以及明暗对比法（Chiaroscuro）的成熟应用。我们不仅关注达·芬奇对人体解剖的精准描摹、拉斐尔对和谐构图的追求，也探讨米开朗基罗如何将雕塑的力度与绘画的激情相结合。此时的艺术不再仅仅是信仰的仆人，艺术家开始被视为拥有创造力的“天才”。 第四部分：巴洛克与洛可可的戏剧性 十七世纪的巴洛克艺术以其强烈的动感、宏大的叙事和对戏剧性光影的偏爱，服务于宗教复兴和绝对君权。卡拉瓦乔的极端光影对比（Tenebrism）如何制造出直击人心的震撼力？贝尼尼的雕塑如何将静止的石材转化为流动的瞬间？在佛兰德斯，鲁本斯展现了富裕的生命力和色彩的狂欢。 随后，洛可可风格在十八世纪的沙龙中兴起，它以轻盈、私密、享乐主义的主题和柔和的色彩，反映了贵族阶层对精致生活的追求。本章对比巴洛克与洛可可，探讨艺术风格如何紧密地依附于其赞助者的品味与时代精神。 第五部分：革命的号角与现代性的开端 十八世纪末至十九世纪初，启蒙思想推动了新古典主义对理性、秩序和英雄主义的回归。然而，拿破仑战争和法国大革命的冲击很快催生了浪漫主义——一种强调情感、直觉、异域风情和个体体验的艺术运动。德拉克洛瓦的色彩运用和特纳对光线、气氛的捕捉，标志着对既有学院派规范的挑战。 十九世纪中叶，工业革命的浪潮和新兴资产阶级的崛起，促使艺术家将目光投向当代生活。现实主义拒绝历史或神话，专注于描绘普通人的工作与困境。紧接着，印象派的革命性在于他们对“瞬间印象”和“光线波动”的痴迷，这彻底改变了绘画对象和技法，为进入二十世纪的实验铺平了道路。 第六部分：现代主义的碎片化与重构 二十世纪初，艺术进入了一个爆炸性的实验阶段。后印象派（如塞尚对结构的几何化、梵高对色彩的主观运用）为现代主义奠基。野兽派大胆的色彩释放，立体主义对多视角的解构与重组，以及未来主义对速度与机械的赞颂，都指向一个共同的目标：摆脱对再现的依赖。 我们深入分析抽象艺术的诞生（康定斯基、蒙德里安），探讨纯粹的线条、色彩和形式如何表达精神世界的本质。达达主义和超现实主义则以荒诞、梦境和潜意识为武器，批判理性社会，探索人类心理的深层结构。 第七部分：战后的多元探索与媒介的拓宽 二战后，艺术中心转移，抽象表现主义（如波洛克滴画）体现了美国艺术家对个人情感的极端投入。紧接着，波普艺术（如安迪·沃霍尔）以对大众文化符号的挪用，模糊了高雅艺术与商业产品的界限。 本章的后半部分着重探讨装置艺术、行为艺术、大地艺术的兴起，它们挑战了“艺术品必须是可收藏的、固定的图像”这一传统观念。影像艺术的介入，使得叙事和时间性在艺术作品中占据了新的地位，艺术家们开始使用全新的“工具箱”来探索存在的意义、身份认同和全球化议题。 本书旨在提供一个连贯而详尽的框架，使读者能够理解艺术史并非一系列孤立的风格更迭，而是一个不断吸收、批判、重塑自身定义的动态过程，是人类文明在不同媒介上留下的深刻印记。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对这种“大部头”的艺术类书籍有些望而却步，担心内容会过于晦涩难懂。然而，这本书完全超出了我的预期。它的叙事风格极其流畅自然，仿佛一位经验丰富的导游，带着你穿梭于不同的艺术时空。作者的文笔中有一种特有的温和与坚定，既表达了对经典的尊重，也展现了对新观念的包容。我尤其欣赏它对于不同文化背景下艺术表现手法的探讨，那种跨越地域和民族的视角，极大地拓宽了我的视野。比如，书中对东方水墨画意境的描绘，与西方油画的写实风格形成鲜明对比，但作者却能从中找到共通的美学内核。这本书读起来没有压力，更像是一场愉快的知识探险，让人在轻松愉悦的心情中收获满满。

评分☆☆☆☆☆

对于一个长期关注当代艺术发展脉络的人来说，寻找一本能够系统梳理艺术流变的书籍并不容易。这本书的价值恰恰在于它对时间维度的精准把握。它不仅仅罗列了重要的艺术家和作品，更重要的是，它深入挖掘了驱动艺术变革背后的思想动因。我发现，许多过去不理解的艺术现象，在结合了当时的社会思潮和技术进步来看待时，一切都变得顺理成章。书中的图文排版也极具现代感，大量采用的留白处理，使得原本密集的文字和图片得到了很好的呼吸空间，阅读体验非常舒适。每次翻阅，都能从中汲取新的灵感，它像是一个永不枯竭的灵感源泉，不断激发我对艺术创作的思考和热情。

评分☆☆☆☆☆

这部书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，从封面到内页的排版，都透露出一种对艺术的敬畏与细腻。尤其是那种触感温润的纸张，拿在手里仿佛就能感受到时光的流淌。我特别喜欢它在细节上的处理，比如那些精心挑选的插图，每一幅都经过了细致的打磨，色彩的运用和构图的选择都极具匠心。翻阅的过程本身就是一种享受，就像是走进了一个精心布置的艺术殿堂，让人心神为之一振。作者在文字描述上同样功力深厚，那种对美学的独到见解和深刻洞察，总能轻易抓住读者的心。读完后，我感觉自己的审美眼光被提升了一个层次，看世界的方式都变得不一样了。书中的一些案例分析，深入浅出，既有理论高度，又不乏生动的实例，让人在轻松阅读中领悟到艺术的精髓。这本书不仅是知识的积累，更是一次心灵的洗礼。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的震撼是多方面的，首先是其内容的广博性，几乎涵盖了从古代到近现代艺术发展的主要脉络，信息密度非常高。但更令人称道的是其批判性的思维框架。作者并非简单地赞美前人，而是以一种审慎的态度去剖析艺术作品背后的权力结构和审美倾向。这让我在看待经典作品时，不再只是停留在表面的赞叹，而是开始思考其深层的文化意涵。比如，书中对特定时期艺术赞助人制度的分析，揭示了艺术如何被历史和政治所塑造。文字的逻辑性非常强，论证严密，让读者能够清晰地跟随作者的思路进行深入的思考。这本书无疑是一部值得反复阅读的佳作，每一次重读都会有新的感悟和体会。

评分☆☆☆☆☆

我最近在寻找一些关于色彩理论和绘画技巧的书籍，希望能找到一些既有深度又易于理解的入门读物。看了不少推荐，最终选定了这本。不得不说，作者在构建知识体系方面下了很大功夫。他没有仅仅停留在传统的艺术史叙述上，而是巧妙地将不同时期的艺术流派与当时的社会文化背景相结合，使得艺术的演变脉络清晰可见。尤其是一些关于光影和透视的章节，讲解得非常系统和透彻，让我这个业余爱好者也茅塞顿开。书中的一些对比分析非常精彩，比如将文艺复兴时期的写实主义与印象派的光影捕捉进行比较，让人对艺术的发展有了更宏观的认识。虽然内容量很大，但作者的叙述方式非常引人入胜，即便是一些枯燥的理论知识，在他的笔下也变得活泼起来，让人忍不住一口气读完。

评分☆☆☆☆☆

京东图书物流配送快捷高效 书正版 昨天晚上下单今天中午就收到了 简直神速！满意！这次双十一活动买书不到3折 很划算 五星好评！

评分☆☆☆☆☆

很好的书，期待已久喔。

评分☆☆☆☆☆

三联的就是不一样，很大气，很典雅

评分☆☆☆☆☆

开本太小，是讲座的讲稿四部分每部分还有问题回答。总之定价过高，真得快看不起书了。

评分☆☆☆☆☆

京东值得信赖，物流超快，东西也好

评分☆☆☆☆☆

巫鸿，著名艺术史家、艺术批评家、策展人。1968、1980年获得中央美术学院美术史系学士、硕士学位，1987年获哈佛大学艺术史与人类学专业博士学位。曾在哈佛大学美术史系任教，1994年起受聘于芝加哥大学艺术史系及东亚语言与文明系，任 “斯德本特殊贡献中国艺术史（Harrie A. Vanderstappen Distinguished Service Professor in Chinese Art History）”讲席教授。2002年建立芝加哥大学东亚艺术研究中心并任主任，兼任芝加哥大学斯马特美术馆顾问策展人。

评分☆☆☆☆☆

挺好，非常好，不错，很喜欢

评分☆☆☆☆☆

文学是以语言文字为工具，比较形象化地反映客观现实、表现作家心灵世界的艺术，包括诗歌、散文、小说、剧本、寓言、童话等体裁，是文学的重要表现形式，以不同的形式即体裁，表现内心情感，再现一定时期和一定地域的社会生活。作为学科门类理解的文学，包括中国语言文学、外国语言文学及新闻传播学。文学是属于人文学科的学科分类之一，与哲学、@、法律、政治并驾于社会建筑上层。它起源于人类的思维活动。最先出现的是口头文学，一般是与音乐联结为可以演唱的抒情诗歌。最早形成书面文学的有中国的《诗经》、印度的《罗摩衍那》和古希腊的《伊利昂纪》等。中国先秦时期将以文字写成的作品都统称为文学，魏晋以后才逐渐将文学作品单独列出。欧洲传统文学理论分类法将文学分为诗、散文、戏剧三大类。现代通常将文学分为诗歌、小说、散文、戏剧四大类别。

评分☆☆☆☆☆

这种素罐一般情况下分为两类。一种追求素色，也就是白釉，如明代的瓷罐，写着“内府”二字，就是白釉的，目前在日本大阪市立博物馆中。此外还有一种可能，它是个“半活”，也就半成品。