吴湖帆的手与眼 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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上海博物馆 著

图书标签:

• 吴湖帆
• 绘画
• 中国画
• 艺术史
• 艺术理论
• 临摹
• 写生
• 鉴赏
• 传统绘画
• 海派

出版社： 北京大学出版社

ISBN：9787301266366

版次：1

商品编码：11860064

包装：平装

丛书名： 博物新知丛书

开本：16开

出版时间：2016-01-01

用纸：纯质纸

页数：260

字数：341000

编辑推荐

　　《吴湖帆的手与眼》细读画卷局部、广征博引史料，具有一定的创新性。江南画坛盟主，正宗文人画学。

内容简介

　　20世纪上半叶的大规模中国文物聚散，是当今海内外各大公私收藏机构格局定型前的最后一次，具有鲜明的时代性。以海上吴湖帆为代表的古书画鉴定家，见证并经历了这个历史性的聚散离合，所达到的杰出鉴赏水平更与这个特殊时代密不可分。
　　中国书画素来讲求手与眼、眼与心、手与心的统一。《吴湖帆的手与眼》邀请国内外十余位学者，从吴氏家传、鉴藏、交游、创作等方面撰文，介绍了他在书画和词的创作上的成就、一生的收藏活动、古书画鉴定的思想和方法，从而全面地呈现出寄情书画而又将鉴藏与研究融为一体的一代大家吴湖帆。

作者简介

　　作者包括浙江大学白谦慎，上海博物馆书画部凌利中、李维琨，故宫博物院王连起，大英博物馆史明理等。

目录

甲午战争后的吴大澂 白谦慎
近现代书画鉴定学科的奠基者 凌利中
从吴湖帆的题跋谈其鉴定问题 王连起
吴湖帆鉴藏中的苏州文脉 黄朋
宝箧梵音，千年重光 承载
吴湖帆和他的收藏圈朋友 李维琨
吴湖帆——德国学者及收藏家维多利亚·孔达的良师益友 史明理
北宋郭熙《幽谷图》与吴湖帆临《幽谷图》 孙丹妍
吴湖帆艺术生涯代表标准的民国趣味 汤哲明
作为教育家的吴湖帆 徐建融
词人吴湖帆 梁颖
阅读吴湖帆：画内与画外 顾音海

前言/序言

　　20世纪上半叶的大规模中国文物聚散，是当今海内外各大公私收藏机构格局定型前的最后一次，具有鲜明的时代性。以海上吴湖帆为代表的古书画鉴定家，见证并经历了这个历史性的聚散离合，所达到的卓越鉴赏水平更与这个特殊时代密不可分。
　　作为曾经吴湖帆鉴藏过的古书画的主要收藏机构，上海博物馆于2015年12月至2016年3月遴选吴氏所藏及相关文物共97组（113件），举办“吴湖帆书画鉴藏特展”。
　　中国书画素来讲求手与眼、眼与心、手与心的统一。本书邀请国内外十余位学者，从吴氏家传、鉴藏、交游、创作等方面撰文，介绍了他在书画和词的创作上的成就、一生的收藏活动、古书画鉴定的思想和方法，从而全方位地呈现出寄情书画而又将鉴藏与研究融为一体的一代大家吴湖帆。

翰墨丹青的时代回响：二十世纪中国画的流变与探寻 本书以二十世纪中国画的宏大历史为经，以几位关键艺术家的个人实践与时代际遇为纬，精心梳理了近百年间中国绘画艺术在现代转型中的艰难探索、剧烈冲突与最终的创新格局。这不仅是一部关于笔墨技法的论述，更是一部洞察时代风云如何塑造艺术灵魂的深邃之作。 全书分为四个主要部分，层层递进，构建起一个完整的二十世纪中国画演变图景。 第一部分：危机的开端与传统的坚守（约1900-1927） 二十世纪初，在西方文化思潮的巨大冲击下，古老的中国艺术体系遭遇了前所未有的危机。“中国画衰亡论”甚嚣尘上，传统文人画的审美标准受到质疑。本部分深入探讨了这一历史背景，聚焦于“四王”余绪与早期海派的影响。 我们首先考察了晚清遗老画家群体，他们如何在政治剧变中试图以坚守传统笔墨的方式，维持艺术的尊严与文化的薪火。重点分析了部分画家对董其昌“南北宗论”的再阐释，以及他们试图在技法上实现“集古今之大成”的努力。然而，这种努力在新的时代语境下，显得愈发保守与边缘化。 随后，转向探讨早期海派艺术的“世俗化”倾向。以上海为中心，商业气息的介入如何影响了传统花鸟、人物画的创作方向。大量对市民阶层的描绘，以及对装饰性、迎合市场需求的妥协，成为了这一时期值得深思的现象。此阶段的艺术，既是旧世界的挽歌，也是新事物萌芽的温床。我们详细剖析了早期留日画家回国后，对“素描”与“写生”观念的引入，以及由此引发的关于“中西融合”的早期争论，这些争论为后续的改革埋下了伏笔。 第二部分：学院的建立与革新的阵痛（约1927-1949） 国人对传统艺术的挽救与重塑需求日益迫切，美术教育体系的建立成为历史的必然。本部分的核心在于国立艺专（中央大学艺术系前身）的创建及其带来的学术影响。 重点分析了“南唐北派”的对立与交融。以林风眠、徐悲鸿为代表的学院派大师，肩负起了改造中国画的重任。徐悲鸿对西方写实功底的强调，如何被引入到对古代人物画的研究中，力图重振“唐人遗风”的雄健气象。而林风眠则以“中西融合，创造时代美术”为宗旨，探索形式语言的简化与色彩的革新，其“意象派”的画风，为后世的抽象探索提供了极具价值的先声。 我们细致考察了“素描教育”在传统水墨体系中的渗透过程，以及由此产生的“学院派”与“民间传统”之间的张力。许多老一辈画家，如齐白石、黄宾虹等，虽然未直接受学院教育体系的直接影响，但他们的艺术生命力依然旺盛，代表了对民间艺术和古人精髓的更深层次的挖掘。本书将通过大量个案分析，对比这些不同路径上的探索者，如何共同塑造了这一时期中国画的“现代性”。特别关注了“金石入画”的浪潮，以及它如何为日益空泛的笔墨注入了新的骨力与质感。 第三部分：新中国的气象与“革命的现实主义”（约1949-1976） 新中国成立，艺术创作被赋予了全新的历史使命——为工农兵服务，为社会主义建设服务。本部分聚焦于艺术体制的重构，以及“革命现实主义与革命浪漫主义相结合”的创作方法如何指导中国画的转型。 这一时期，中国画的题材发生了根本性的变化，山水、花鸟让位于反映时代主题的巨幅画作。我们详细研究了“新山水画”的诞生，画家们如何将传统的写景方式，改造为“祖国河山一片红”的宏大叙事。对自然景观的描绘，必须服务于歌颂新生的主题，笔墨语言在追求“宏伟”、“饱满”的时代要求下，如何被简化、强化或重组。 同时，对“传统”的态度也变得微妙而复杂。一部分老画家被邀请进入体制，他们的任务是“改造”自己的技法，以适应新的时代要求，例如将传统的“散点透视”与更具冲击力的构图相结合。本部分也剖析了这一时期对一些传统画派（如清初四王）的批判，以及由此带来的对传统资源取舍的僵硬化倾向。尽管存在意识形态的约束，但仍有少数画家，在创作人物画或小写意花卉时，仍在不为人察觉地维护着笔墨的内在精神。 第四部分：回归与多元的开拓（约1976至今） 改革开放，如同春风吹拂了沉寂已久的艺术土壤，中国画进入了一个前所未有的“多元化”与“个体化”的探索阶段。 本书的最后一部分，将视角转向了对“笔墨本体”的回归。在政治叙事退居次要位置后，画家们重新审视了中国画的物质性——即墨色、纸张与笔触本身所蕴含的哲学意蕴。我们考察了“先锋水墨运动”的兴起，这批年轻艺术家如何借鉴西方现代艺术的观念，对中国画的传统形式进行解构与重构。他们试图打破“水墨不等于中国画”的传统观念，将水墨的媒介特性推向极致。 同时，传统文人画精神的复兴也成为一个重要面向。一批继承传统衣钵的画家，开始以更自信和批判性的眼光重新发掘明清以来的笔墨传统，特别是对“写意”精神的深化研究。他们不再满足于简单的复古，而是力求在继承中实现个人的独特语言。例如，对元四家、明代吴门画派的重新解读，如何引导当代山水画走向更加内省和哲学的境地。 本书最终总结了二十世纪中国画在“技术理性”与“精神气质”的拉扯中，所完成的自我蜕变。从被视为“落伍”到被视为“独特的世界性语言”，中国画的百年之旅，是现代性冲突与文化自信构建的生动缩影。全书立足于丰富的史料与个案分析，旨在提供一个既扎实又富有洞察力的二十世纪中国画发展全景图。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，光是拿到手里翻阅，就能感受到那种沉甸甸的、经过精心打磨的质感。封面采用的是一种带有复古韵味的米白色，边缘的处理像是经过了岁月的洗礼，微微泛黄却不失雅致。内页的纸张选择也非常考究，那种微微带着纹理的哑光纸，让文字的排版显得格外清晰，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲惫。我特别留意了版式的细节，很多地方采用了留白的处理，使得画面和文字之间的呼吸感很强，这在很多匆忙出版的画册中是很难得的。尤其是那些插图的印刷质量，色彩的还原度极高，笔触的细腻感和墨色的层次变化都得到了充分的体现，仿佛能透过纸张感受到画家在创作时的心境和力量。这本书的编排逻辑也十分流畅，从一个宏大的主题切入，逐步深入到具体的技法探讨，阅读体验非常连贯和舒适，让人忍不住想一页接一页地往下看，生怕错过任何一个细节。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排简直是教科书级别的示范，它成功地搭建起了一座连接传统与现代的桥梁。作者在梳理艺术家的发展脉络时，没有采用简单的线性时间轴，而是通过几个关键的艺术转折点进行章节划分，每一个转折点都像是一个高能的爆点，清晰地展示了艺术家是如何在继承前人精髓的基础上，实现自我突破和风格蜕变的。我尤其关注到作者对几种不同媒介的探讨，比如对水墨晕染效果的分析，与对特定纸张选择的影响之间的论证，逻辑链条清晰得令人拍案叫绝。这种层层递进的分析，让原本可能感觉抽象的“意境”具象化了。阅读这本书的过程，就像是跟着一位经验丰富的向导，穿梭于复杂的艺术迷宫之中，每到一个岔路口，向导都能精准地指出哪条路通往更深层的理解，让人感到豁然开朗。

评分☆☆☆☆☆

这本书最吸引我的地方在于，它成功地营造了一种沉浸式的阅读体验，让人感觉仿佛真的置身于那个艺术家的工作室里，亲眼见证着创作的诞生。作者在描述创作过程时，运用了大量的感官描写，比如对光影变化、材料触感、甚至空气中弥漫的松烟气味的细致刻画，这些细节的加入极大地增强了文本的画面感和现场感。我甚至可以想象出画家当时作画时的运笔力度和呼吸的节奏。这种叙事手法极大地拉近了读者与艺术品之间的距离，不再是冰冷的旁观者，而是成了某种意义上的“在场者”。读完之后，我对艺术的理解不再仅仅停留在“美”的层面，而是更深入地触及到了“过程”与“心流”的重要性，这对于任何一个从事创作或者热爱艺术的人来说，都是一次宝贵的精神洗礼。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的叙事角度非常新颖，它没有落入那种传统艺术史的刻板论述中，而是采取了一种近乎“对话”的方式来引导读者进入那个时代的美学世界。作者的笔触非常生动，仿佛是与一位老友在茶余饭后，娓娓道来那些关于艺术和人生的哲思。他擅长捕捉那些隐藏在画作背后的故事，那些不为人知的创作心路历程，使得那些原本高高在上的艺术品突然变得有血有肉，充满了人情味。尤其是一些对特定时期的环境和社会背景的描绘，为理解艺术家的创作动机提供了坚实的土壤。我尤其欣赏作者在引用文献和史料时的克制与精准，既保证了学术的严谨性，又不会让普通读者感到晦涩难懂。这种平衡拿捏得恰到好处，让我在享受阅读乐趣的同时，也收获了扎实的知识体系，是那种读完后会忍不住合上书本，静静回味许久的佳作。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的学术深度远超我的预期，它不仅仅停留在对作品的表面赞美，而是深入到了形而上的哲学层面去探讨创作的本质。作者引用了许多古代典籍中的美学观点，并将其巧妙地嫁接到对近现代艺术现象的解读上，形成了一种跨越时空的对话感。这种跨界融合的处理方式，让原本严肃的理论变得可以被当代读者消化和吸收。我发现，作者对于“气韵生动”这类传统概念的重新诠释，尤其具有启发性，他没有生搬硬套，而是用现代的观察视角去重新审视这些古老的命题，挖掘出它们在今天依然具有的生命力。这本书的论证过程严密得像是一个精密的钟表，每一个论点都像是齿轮一样咬合得天衣无缝，读到关键处，总有一种“原来如此”的顿悟感油然而生。

评分☆☆☆☆☆

图文并茂，物美价廉，内容丰富，值得珍藏。

评分☆☆☆☆☆

介绍了他在书画和词的创作上的成就、一生的收藏活动、古书画鉴定的思想和方法，从而全方位地呈现出寄情书画而又将鉴藏与研究融为一体的一代大家吴湖帆

评分☆☆☆☆☆

Scholastic分级读本系列本着让孩子学会阅读、爱上阅读的宗旨，一直以来都带给孩子非常有趣、可爱、幽默的、符合孩子阅读能力的读本，帮助孩子在提高阅读自信的同时，体验阅读兴趣，做到不为读而读，而是因为喜爱而阅读！

评分☆☆☆☆☆

书很好，快递小哥态度也很好~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~

评分☆☆☆☆☆

是非常精彩的研究文集，篇篇引人入胜，朋友得之喜不自胜

评分☆☆☆☆☆

京东活动期间购买京东活动期间购买

评分☆☆☆☆☆

在某东购物这么久，有买到心仪的商品，也曾入手比较坑的东西。如果我用这段话评价，如果你看到这段文字，说明这件商品基本上没问题，至少可以打三颗星，而比较垃圾的产品，我绝对不会偷懒到复制粘贴，也绝对不会为省事千篇一律，更不会为一点京豆口是心非，我绝对会用心差评！！！让其他消费者在购买前作为参考，如果因此影响到这件商品的销量，厂家也许会反思改进产品的质量。

评分☆☆☆☆☆

吴湖帆学识渊博，精于文物鉴定。民国27年（1938年），上海汲古阁主人曹友卿携刚购买的一张破旧的《剩山图》请他鉴定。他知此画出于名手，经“谈判”将家中珍藏商彝周敦古铜器换下了这个残卷。后与故宫博物院藏《富春山居图》影印本一对照，竟然是元黄公望《富春山居图》的前段。所藏历代名画甚多，如北宋米芾行书《多景楼诗册》、宋宁宗后《樱桃黄鹤图》、宋梁揩《睡猿图》、宋王晋卿《巫峡清秋图》、宋赵构《千字文》、宋画《汉宫春晓图》、刘松年《高山四皓图》、宋拓《梁萧敷敬太妃墓志》、宋刻《淮海长短句》、元倪云林《秋浦渔村图》、元吴镇《渔父图》、元黄公望《富春合璧图》之《剩山图》元王蒙《松窗读书图》等均为国家一级藏品。

评分☆☆☆☆☆

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