标榜美术技术精选教程 9787115462084 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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美国标榜国际艺术讲师团队 升宏讲师团队 著

图书标签:

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• 素描
• 绘画
• 艺术

店铺： 韵读图书专营店

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115462084

商品编码：30183690917

包装：平装-胶订

出版时间：2017-07-01

图书基本信息
图书名称	标榜美术技术精选教程	作者	美国标榜国际艺术讲师团队 升宏讲师团队
定价	49.00元	出版社	人民邮电出版社
ISBN	9787115462084	出版日期	2017-07-01
字数		页码
版次	1	装帧	平装-胶订
开本	16开	商品重量	0.4Kg

内容简介

对于美的探索是每个设计师在不断追寻和突破的重点，而发型设计对于整体形象而言起着至关重要的作用，如何在现有基础上对发型进行设计和改造，如何利用烫染技术，为同一发型打造为不同风格，都是发型设计师常常需要面对的问题。本书是美国标榜的精选教材，书中由标榜发型设计大师通过6个经典案例，将长中短不同长度的发型进行修饰与再设计，同时，案例还通过详细的图解与图示展示了不同的剪发技术与烫染技术，将读者带入到实际案例操作中去，通过综合性、实操性的案例图解完整地展示了美发师实际工作中应知应会的发型设计技术。本书适合美发培训学校师生、职业学校师生、美发师、美发助理阅读。

作者简介

Yollu Ten Koppel：标榜美发学院芝加哥总部专业国际讲师 OMC全球教育总监Joakim Roos：标榜国际艺术创作技术团队讲师

目录

基本概念及图示说明 / 5 Alice 的发型改造 / 10 Ruby 的发型改造 / 17 Jane 的发型改造 / 25 Cindy 的发型改造 / 32 Sherry 的发型改造 / 39 Queenie 的发型改造 / 47 作品欣赏 /52

编辑推荐

标榜专业大师专为亚洲女性设计的经典发型从设计理念到基础讲解再到升级改造全流程剪、烫、染全面立体打造多种个性独特设计高清大图详解剪发全过程扫码同步观看视频

文摘

序言

好的，这里为您创作一份关于一本名为《现代平面设计原理与实践》的图书的详细简介，这份简介内容完全独立于您提到的《标榜美术技术精选教程 9787115462084》，并力求自然、深入： --- 现代平面设计原理与实践：构建视觉沟通的有效桥梁 导言：设计，从理解到创造的旅程 在信息爆炸的时代，视觉传达的力量日益凸显。平面设计不再仅仅是装饰性的美化，而是关乎信息结构、用户体验乃至品牌哲学的核心学科。《现代平面设计原理与实践》旨在为设计初学者、从业者以及希望提升视觉素养的各界人士，提供一套系统、前沿且极具操作性的理论框架与实战指南。 本书摒弃了浮于表面的软件教程和过时的风格堆砌，专注于挖掘那些经久不衰的设计底层逻辑——即视觉沟通的本质规律。我们相信，优秀的设计源于对人、对信息、对媒介的深刻洞察，而非仅仅依赖工具的熟练运用。 第一部分：设计的哲学基石——视觉心理学与基础理论 本部分深入探讨平面设计得以成立的理论基础，帮助读者建立起“看”世界与“组织”信息的全新视角。 第一章：感知与认知：人是视觉体验的中心 我们首先从人机交互和格式塔心理学（Gestalt Psychology）的角度切入，详细解析人类如何处理和解读视觉信息。重点阐述“接近性”、“相似性”、“连续性”、“闭合性”等核心原理，并将其应用于布局构建中。我们探讨视觉层级（Visual Hierarchy）的建立，如何通过大小、对比度和空间分配，引导观众的视线流动，确保关键信息在第一时间被捕捉。此外，我们还引入了色彩心理学和情绪感知，分析不同色温、饱和度和色相对比如何影响受众的情感联结和认知负荷。 第二章：网格系统与结构的力量 一个稳固的结构是复杂设计得以清晰呈现的骨架。本章详细介绍传统和现代网格系统的构建与应用，从最基础的二分、三分网格，到适应多平台响应式的模块化网格。我们强调网格的灵活性，它并非是束缚，而是解放创造力的工具。通过大量的案例分析，读者将学会如何根据内容需求，定制出既美观又具备逻辑弹性的布局结构。 第三章：字体排印的艺术：文字的呼吸与节奏 字体设计是平面设计中最具表现力的元素之一。本书对字体排印学进行了全面的梳理，超越了字体的选择，聚焦于阅读体验的优化。内容包括：衬线体、无衬线体、黑体、手写体的语境化使用；行距（Leading）、字距（Tracking）和字偶距（Kerning）的精确调整对信息流畅性的影响；以及标题、正文、辅助信息之间的对比协调策略。我们探讨如何让排版本身成为一种叙事手段，赋予文字以“声音”和“节奏”。 第二部分：设计实践的工具箱——媒介与技术整合 本部分将理论知识转化为可执行的实践步骤，聚焦于当代设计流程中的关键技术点和跨媒介应用。 第四章：色彩管理与数字调色板构建 在数字和印刷介质并存的今天，色彩的一致性至关重要。本章详细讲解 RGB、CMYK、Lab 等色彩空间的工作原理及其在不同输出端的差异。我们指导读者如何创建既符合品牌调性又易于管理的标准色卡，并深入探讨渐变、纹理和半透明效果在现代UI/UX设计中的应用技巧，确保视觉效果在不同设备和介质上保持准确的传达意图。 第五章：图像处理与视觉叙事 高质量的视觉素材是设计的灵魂。本章侧重于图像的构图、光影处理和风格化。我们探讨如何通过裁剪、蒙版和图层混合模式，将原始素材转化为具有特定情绪和指向性的设计元素。特别地，我们分析了抽象图像、摄影作品与图形元素之间的兼容性，以及如何通过视觉元素的有效并置，讲述一个连贯且引人入胜的故事。 第六章：面向多平台的响应式设计思维 在Web、移动应用、印刷品乃至动态图形等多种载体上保持设计的一致性和适应性是现代设计师的必备技能。本章将介绍如何从“内容优先”的角度出发，进行移动优先的设计规划。我们讲解响应式布局的弹性原理，以及如何为不同屏幕尺寸预留和调整关键信息区域，确保设计语言在微小屏幕上依然清晰有力，在大幅面上依然具有视觉冲击力。 第三部分：项目导向——从概念到成品的全流程管理 本部分侧重于项目实战的思维模式、协作流程以及作品的最终呈现与评估。 第七章：设计思维与创意发散 优秀的设计往往源于对问题的深刻理解。本章引入“设计思维”（Design Thinking）的五大步骤：共情、定义、构思、原型、测试。我们将引导读者掌握头脑风暴、情绪板（Mood Board）创建和竞品分析等前期工作，确保设计方向的准确性。同时，书中提供了一系列非线性创意思考的练习，帮助设计师打破思维定势，发掘出更具原创性的解决方案。 第八章：设计交付与质量控制 一个完善的设计项目需要清晰的交付标准。本章详细阐述不同设计文件的命名规范、图层组织结构、矢量与栅格资产的管理策略。对于印刷项目，我们细致讲解出血（Bleed）、套准（Trap）和专色（Spot Color）的设置要求；对于数字项目，则关注文件优化、资产导出以及设计规范文档的撰写，确保设计意图能被技术团队无损地实现。 第九章：设计评估与自我迭代 设计不是终点，而是持续优化的过程。本章探讨如何构建客观的设计评估体系，区分“主观偏好”与“有效沟通”。通过用户测试、A/B测试数据的解读，以及同行评审的有效反馈吸收，读者将学会如何理性地审视自己的作品，并制定出清晰的迭代路径，真正实现设计价值的最大化。 结语：持续学习与设计的未来 平面设计领域永远在演进，技术和审美都在不断更迭。本书提供的理论和方法论是稳定不变的罗盘，它将帮助您在未来的变化中，始终保持清晰的视觉判断力与高水准的专业素养。拿起这份指南，开始构建您自己的、坚实的视觉沟通桥梁。 --- 本书特点： 理论深度与实操并重： 兼顾视觉科学的严谨性与实际操作的落地性。 案例丰富且多元： 涵盖品牌识别、信息图表、用户界面等多个领域的前沿案例。 强调底层逻辑： 聚焦于“为什么”要这样设计，而非仅仅“如何”操作软件。 跨媒介视野： 引导读者具备应对数字与印刷混合环境的综合能力。

评分☆☆☆☆☆

这本画册简直是艺术爱好者的福音，尤其是对于那些渴望将扎实的美术功底与现代设计思维完美结合的读者来说。我花了好几个周末沉浸其中，它不仅仅是一本教程，更像是一位经验丰富的导师在耳边细语，手把手教你如何驾驭那些看似高深莫测的技法。书中的排版设计本身就充满了艺术感，干净利落，色彩的运用恰到好处，让人在阅读时就已进入了一种专注的创作心境。我特别欣赏它对基础理论的讲解方式，不像传统教材那样枯燥乏味，而是通过大量生动的案例和对比图，让你立刻明白“为什么”要这么做，而不是死记硬背“怎么”做。无论是对光影的捕捉，还是对形态的解构，作者都展现出了极高的专业素养和匠人精神。我尝试着按照书中的步骤去实践一些复杂的透视练习，效果立竿见影，原本模糊的概念瞬间变得清晰起来。对于想提升自己作品表现力的朋友，这本书无疑提供了最直接、最有效的路径。它教会你的不仅仅是“画什么”，更是“如何看世界”的角度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量也必须点个赞。作为一本技术参考书，清晰的图像还原度至关重要，而这本书在这方面做得非常出色。即便是最细微的线条纹理和色彩渐变，都得到了精准的再现，这对于模仿和学习至关重要。我曾遇到过一些画册，因为印刷墨水不够纯净，导致书中的“纯黑”看起来发灰，或者“亮黄”显得暗淡，严重误导读者对色彩的判断，但这本书完全没有这个问题。此外，书中的术语解释非常到位，即便是初学者也能快速理解那些复杂的专业词汇，没有那种高高在上的说教感。它更像是一个耐心且知识渊博的朋友，愿意花时间帮你弄懂每一个难点。总而言之，这是一本兼具学术深度、实践价值和优秀制作水准的艺术宝典，值得所有认真对待自己技艺成长的美术工作者收入书架。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我最大的感受是作者对“观察力”的极致推崇。很多美术书只是教你如何“画得像”，而这本书的核心似乎是教你如何“看得准”。书中花了相当大的篇幅来讨论视觉心理学和人眼的感知局限性，通过一系列精心设计的视觉陷阱和错觉案例，让我们意识到我们“以为”看到的东西和实际光影结构之间的巨大差异。这种反思性的学习过程，让我对自己的日常观察习惯进行了彻底的校正。我开始有意识地在生活中去捕捉那些微妙的边缘光和环境色反射，并将这些精确的观察融入到我的创作中。结果，我的肖像画作品在神态和氛围的捕捉上，都有了质的飞跃，那种“活的”感觉一下子就出来了。这种提升是系统性的，一旦形成，就成了自己稳定的技能基石，而不是昙花一现的技巧。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我最大的启发，在于它对“跨学科融合”的探索。我个人在做插画工作时，经常遇到如何将传统手绘的质感融入到数字媒介中的难题，而这本书恰好提供了非常前沿的解决方案。它不仅深入讲解了传统绘画的精髓，还非常巧妙地将现代设计理念融入其中，比如如何通过光栅化处理来模拟传统笔触的层次感，或者如何运用数字工具来优化手绘草稿的动态性。书中的案例分析非常具有说服力，每一个步骤都有清晰的图解和文字说明，让你完全可以像拆解精密仪器一样，理解每一个艺术效果是如何达成的。我感觉自己仿佛打开了一扇新的大门，不再局限于单一的媒介范畴，而是能够根据作品的需求，灵活地选择最合适的表现手法。对于那些希望在竞争激烈的创意产业中脱颖而出的年轻艺术家们来说，这本书提供的这种复合型技术视野，是至关重要的。

评分☆☆☆☆☆

说实话，刚拿到这本关于美术技术的书时，我有点担心它会不会过于学院派，毕竟现在市面上很多教程都追求速成，牺牲了深度。然而，这本书完全颠覆了我的预期。它在深度和实用性之间找到了一个绝妙的平衡点。我尤其喜欢其中关于“材料与媒介特性”的章节，讲解得极其细致入微，不同纸张、不同颜料在光线下产生的微妙变化都被捕捉了下来，这对于追求作品质感的创作者来说，简直是无价之宝。我尝试着用书中推荐的几种非传统工具进行试验，结果非常令人惊喜，拓宽了我对传统绘画材料的认知边界。而且，这本书的逻辑性非常强，它不会让你在初期就被海量信息淹没，而是层层递进，从最基础的线条练习开始，逐步引导你进入更复杂的构图和色彩理论。这种循序渐进的学习方式，极大地增强了我坚持下去的信心。它让我明白，真正的技术精进，从来没有捷径，只有对每一个细节的尊重和反复打磨。