摄像与非线性编辑(第二版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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黄爱民 等 著

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店铺： 巧艺图书专营店

出版社： 水利水电出版社

ISBN：9787517011132

商品编码：29906814471

包装：平装

出版时间：2013-08-01

基本信息

书名:摄像与非线性编辑(第二版)

定价：36.00元

售价：25.2元,便宜10.8元,折扣70

作者:黄爱民 等

出版社：水利水电出版社

出版日期：2013-08-01

ISBN：9787517011132

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：大16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

内容提要

本书由浅入深地介绍了数码摄像的各种操作技巧及理论知识，内容涉及摄像器材、视频编辑原则、视频采集操作、非线性编辑理论、实例操作讲解、光盘制作技巧等多方面内容。通过对本书的学习可快速掌握数码摄像机的操作和非线性编辑软件AdobePremiere编辑视频的技巧。
本书结构合理、图文并茂、实例丰富，可作为视频制作相关课程的教材，同时也可作为影视制好者及从业者的自学参考书。

目录

第二版前言
版前言
章　关于摄像器材
第二章　数码摄像基础
第三章　视频采集攻略
第四章　关于非线性编辑
第五章　Adobe Premiere CS4入门
第六章　使用Premiere制作个人影片
第七章　“天河公园宣传片”制作
第八章　视频光盘制作

作者介绍

文摘

序言

电影制作的视觉语言与技术：从胶片时代到数字浪潮的影像构建 导言：光影的魔力与叙事的力量 自卢米埃尔兄弟在巴黎的咖啡馆投射出第一束移动的影像以来，电影便以其独特的视觉语言和叙事潜力，成为人类文化中不可或缺的一部分。本套丛书（或系列图书）旨在全面、深入地探讨电影制作——这个集艺术、技术、商业于一体的复杂过程——的各个核心环节。我们不聚焦于单一的软件操作或某个特定技术流派，而是致力于构建一个宏大而系统的知识框架，覆盖从最初的创意萌芽到最终成品发布的完整生命周期。 本书籍的关注点在于理解“如何用光影讲故事”，以及支撑这一切的技术原理和审美选择。我们将穿越历史的长河，审视古典好莱坞的叙事结构，考察欧洲艺术电影的实验精神，并追踪当代数字技术如何重塑我们的视觉感知和制作流程。 --- 第一部分：影像的语法——从故事板到场面调度 (Blocking & Staging) 本部分深入探究电影叙事的基础，即视觉语言的构建。电影与文学不同，它通过画面、运动、声音和时间来直接影响观众的情感和认知。 1. 剧本的视觉化：从文字到图像 我们首先探讨剧本分析与视觉转译。优秀的剧本不仅仅是对话的堆砌，更是潜在的视觉蓝图。我们将分析如何将抽象的场景描述转化为具体的镜头语言。内容包括： 场景分析与环境构建： 如何通过场景设计（布景、外景选择、道具）来暗示角色的内心状态和时代背景。 故事板的艺术： 故事板（Storyboard）不仅仅是草图，它是导演与摄影指导（DP/Cinematographer）之间进行视觉沟通的精确工具。我们将研究不同风格的故事板绘制方法，以及其在预演（Pre-visualization, Pre-vis）中的关键作用。 分镜脚本（Shot List）的精细化： 如何根据镜头运动、景别、角度等要素，编制出详尽且实用的分镜脚本，确保拍摄现场的效率与创作意图的一致性。 2. 空间与时间：场面调度与景深运用 场面调度（Mise-en-scène）是导演控制画面内部所有元素的艺术。本章节着重于空间布局和演员调度。 景别与视听心理学： 全景、中景、特写如何影响观众对人物的疏离感或亲密感。我们将结合经典案例，剖析不同景别在情绪传达上的微妙差异。 运动的意义： 摇摄（Pan）、移摄（Tilt）、推轨（Dolly）、手持运动等摄影机运动的叙事功能。运动不仅仅是为了跟上角色，更是表达情感、引导视线、揭示空间关系的重要手段。 景深控制与焦点运用： 浅景深如何聚焦于特定人物或细节，深景深如何展现复杂的空间关系和多层次的叙事。 --- 第二部分：光影的雕刻——摄影技术与照明设计 本部分聚焦于电影制作的核心技术领域——摄影（Cinematography），即如何用光线来塑造形态、烘托气氛和定义电影的“质感”。 1. 光的物理学与美学 我们将深入探讨光线在电影中的双重身份：既是物理现象，也是强大的情感工具。 光源的分类与控制： 硬光与柔光、自然光与人造光。分析如何利用三点布光法（Key Light, Fill Light, Back Light）构建出立体感和氛围感。 色彩温度与滤镜系统： 理解色温（Kelvin）对画面情绪的影响。如何使用各种滤镜（如中灰、柔光、色彩滤镜）来修正或强化光线的特性，以匹配剧本的情感基调。 经典布光风格解析： 从低调光（Low-Key，常用于黑色电影和惊悚片）到高调光（High-Key，常用于喜剧和歌舞片）的实践技巧。 2. 摄影机、镜头与感光介质 本章节系统梳理记录影像的载体和工具。 镜头语言的深度剖析： 广角镜头的透视畸变、长焦镜头的压缩效果。探讨不同焦距如何影响叙事节奏和观众感知。 感光材料的特性（胶片视角回顾）： 尽管数字技术占主导，但理解胶片的颗粒感、宽容度和色彩科学，对于追求特定视觉风格依然至关重要。 数字时代的成像原理： 探讨传感器技术（如CMOS、CCD）的工作原理，以及动态范围、色彩采样率（Chroma Subsampling）等参数对后期处理能力的影响。 --- 第三部分：运动的艺术——剪辑的节奏与结构 剪辑是电影的“第二次创作”，是赋予素材生命、构建叙事节奏和确定最终时间感知的关键环节。本部分剥离了软件操作，着重于剪辑的理论和哲学。 1. 剪辑的理论基石：序列与节奏 连续性剪辑的规范： 180度线法则、轴线原则、匹配剪辑（Match Cut）等，如何确保视觉逻辑的流畅性，引导观众不被干扰地沉浸于故事。 非连续性剪辑的突破： 蒙太奇理论的回顾（如爱森斯坦的冲突蒙太奇、库里肖夫的心理蒙太奇）。探讨如何通过跳切（Jump Cut）和交叉剪辑（Cross-Cutting）来制造紧张感、时间跨度或主题对比。 节奏的控制： 镜头时长的累积效应。分析长镜头如何建立沉浸感，而快速的剪辑序列如何建立动作和高潮。 2. 声音的构建与时间整合 剪辑并非只关乎画面，声音的整合至关重要。 声音设计与画面同步： 对白、音效（Foley）、环境音和音乐在剪辑点的配合。 非线性时间感知的构建： 如何通过声音的淡入淡出、画面的闪回（Flashback）和闪进（Flashforward）来操纵观众对故事时间的感知，完成复杂的叙事结构。 --- 第四部分：跨越边界——电影制作的流程管理与审美融合 本部分将视角拉高，审视整个制作流程中的协作、管理以及当代电影制作中技术与艺术的交融。 1. 制作流程的协同性 电影是一门集体艺术，各部门间的有效沟通是成功的关键。 导演与摄影指导的伙伴关系： 视觉语言的统一。 美术指导与服装设计的叙事作用： 如何通过场景细节和服饰语言来丰富人物背景，而非仅仅是背景装饰。 制片管理与创意实现的平衡： 预算控制、日程安排如何在不牺牲艺术完整性的前提下保证项目完成。 2. 展望与跨媒介影响 探讨当代影像技术（如高帧率、HDR、沉浸式音效）对传统电影语言提出的挑战与机遇。本部分鼓励读者思考，在技术不断迭代的背景下，不变的是对清晰、有力叙事核心的追求。 --- 结语：持续的探索者 本书旨在提供一个坚实而广阔的理论和实践基础，引导读者成为一名具有批判性思维的影像创作者。真正的“编辑”或“制作”并非仅仅是机械地操作工具，而是对光线、空间、时间和节奏的深刻理解与精准驾驭。我们希望读者能够掌握这门语言的“语法”，然后，勇敢地去打破它，创造出属于自己的、独特的视觉世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计非常精美，封面色彩搭配和谐，采用了比较有质感的纸张，摸起来手感温润。书脊的印刷也清晰锐利，文字立体感强，即使放在书架上也能一眼认出。翻开内页，纸张的厚度适中，白色度恰到好处，不会显得刺眼，长时间阅读也不会让眼睛感到疲劳。排版方面，字体大小适中，行距舒适，段落划分清晰，再加上丰富的图示和案例插页，整体阅读体验非常流畅。作者在图文配合上花了不少心思，很多概念的解释都配有直观的图片，比如关于景深和焦距的对比图，生动形象，比单纯的文字描述要容易理解得多。书中的一些历史图片也很有价值，让读者能够窥见摄影和早期编辑技术的发展轨迹，增加了阅读的趣味性和深度。即使对这方面了解不多的人，也能通过这些图文并茂的介绍，快速建立起对相关知识的初步认知，并产生进一步探索的兴趣。整体来说，从书的物理形态到内部内容的呈现方式，都体现了出版方和作者的专业与用心，是一本值得收藏的佳作。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我对内容本身的震撼和启发程度可以说是前所未有。它并非一本简单的技术手册，而是将抽象的理论与鲜活的实践相结合，构建了一个宏大的知识体系。书中关于光影构图的章节，作者深入浅出地剖析了不同光线条件对画面质感的影响，以及如何巧妙运用阴影和高光来营造氛围和突出主体。这一点在我日后的拍摄实践中，给了我极大的启发，让我不再拘泥于简单的记录，而是开始思考如何用光“说话”。非线性编辑的部分，作者更是打破了许多固有的思维定式，他提出的“故事驱动剪辑”理念，让我意识到剪辑不仅仅是时间的堆砌，更是叙事的重塑。通过对不同剪辑节奏和转场方式的详细讲解，我学会了如何根据影片的情感走向来调整剪辑手法，让观众的情绪随着画面起伏。书中提及的案例分析，更是精挑细选，每一个都包含着作者独到的见解和深刻的洞察，让人在学习技巧的同时，也能领略到大师级的创作思维。这本书的价值，远超乎我的想象。

评分☆☆☆☆☆

阅读此书的过程，让我深切感受到作者对于摄影和剪辑艺术的热爱与执着。他并非仅仅在传授技术，更是在传递一种“创作精神”。在谈及“蒙太奇”时，他深入挖掘了其在不同时代、不同流派中的演变和应用，不仅讲解了其技术层面的原理，更阐述了其背后所蕴含的哲学思考和艺术追求。他对于“时间”在影像中的处理，有着独到的理解，强调了“节奏”和“韵律”的重要性，并分享了许多能够打破线性叙事、创造视觉冲击的剪辑技巧。我尤其欣赏他对于“留白”的运用。他认为，适当的留白能够给观众留下想象的空间，让影片更具深度和回味。在讲解“转场”时，他也没有止步于常规的叠化和切出，而是探讨了如何运用更具创意和情绪感染力的转场来增强影片的叙事性和艺术性。这本书的价值，不仅仅在于它提供了大量的实用技巧，更在于它能够激发读者的创作灵感，引导读者去思考影像的本质，去追求更高的艺术境界。它像是一盏明灯，照亮了我前进的道路。

评分☆☆☆☆☆

这本书的写作风格非常独特，既有学术论文般的严谨和深度，又不失个人思考和情感的流露。作者在论述某个技术原理时，会追溯其历史渊源，探讨其发展演变，这种宏观的视角让读者能够更全面地理解该技术在当下语境下的意义。但同时，他又善于用生活化的语言来解释复杂的概念，穿插一些有趣的个人经历和观察，让整个阅读过程轻松愉快，一点也不枯燥。他对于“情绪镜头”的解读，让我印象深刻。他认为，每一个镜头都应该承载情感，即使是纯粹的技术性构图，也要服务于影片想要传达的情感。这种以情感为核心的创作理念，深深打动了我，也让我对未来的创作有了新的方向。书中的许多观点，甚至是挑战传统认知的，比如关于“景别”与“情感”的直接关联，以及“非线性”带来的“自由”与“约束”的辩证关系，都引发了我极大的思考。读这本书，感觉像是在与一位经验丰富的智者对话，他既有深厚的功底，又有独特的见解，能够引导你跳出惯性思维，发现更广阔的天地。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容呈现方式，可以说是一种“沉浸式”的学习体验。作者并非简单地罗列知识点，而是通过大量的实例分析和场景模拟，将读者置于真实的创作环境中。比如，在讲解“镜头语言”时，他会引用大量经典电影片段，详细解析导演是如何运用景别、角度、运动来表达人物心理和推动剧情发展的。然后，他会提出一些练习题，引导读者自己去分析和模仿。这种“学以致用”的设计，极大地增强了学习效果。非线性编辑的部分，更是将理论与实践紧密结合。书中提供的素材包和演示项目，让读者可以跟随作者的步骤，一步步完成一个完整的剪辑流程。从素材导入、粗剪、精剪，到调色、音效处理，每一个环节都讲解得细致入微，新手也能轻松上手。更重要的是，作者鼓励读者在实践中进行个性化的尝试，不要被条条框框限制，要发挥自己的创造力。这种开放性的学习方式，让我在掌握基本技能的同时，也培养了独立思考和解决问题的能力。