国画技法从入门到精通 四季百花 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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飞乐鸟工作室 著

图书标签:

• 国画
• 花卉
• 绘画技法
• 入门
• 进阶
• 四季
• 写意
• 工笔
• 艺术
• 教程

店铺： 巧艺图书专营店

出版社： 水利水电出版社

ISBN：9787517041917

商品编码：29906818569

包装：平装

出版时间：2016-06-01

基本信息

书名：国画技法从入门到精通 四季百花

：35.00元

作者：飞乐鸟工作室

出版社：水利水电出版社

出版日期：2016-06-01

ISBN：9787517041917

字数：135000

页码：128

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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近几年国学成了大热门，越来越多的人愿意沉下心来在书法、绘画中寻求内心的平静。古有先贤以画入道，修身养性。而今天，学习国画亦能让我们从纷繁冗杂中脱身出来，让精神放松，在快节奏中寻求一份内心的安稳。

本套书不同于一般国画入门书的粗暴式案例教学，它娓娓道来，向初学者阐述了中国画特有的文化和审美情节，要先懂画才会画！先会看画、读画，才能学得更快更好。本套书分为四季百花、花鸟鱼虫、梅兰竹菊、山水林石四本，分别从四类常见的国画题材入手，从工具的挑选使用开始，手把手地为初学者讲述如何学习国画。并结合扇面、条屏等常见实用的国画形式组织案例，让读者们能够学以致用。

内容提要

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写意画的情怀

写意的“意”指画者的情怀。笔法相同，笔意不同，就会有不同的画面呈现。

左为唐寅的《风竹图》，右为郑燮的《墨竹图》。

虽然两幅画是同样的题材，但对比可以发现， 唐寅的竹清秀、飘逸，郑燮的竹稳重、生动。这是因为二人不同的人生经历和体会造成的。

唐寅因考场舞弊案终身不能入仕，这对古代文人来说是非常痛苦的，但唐寅桀骜不驯，虽拘圉却不损其节，这风竹其实就是他自己。

郑燮为人沉稳，为官清廉，做事有理有度，凡事都能表现出他的处世之道，这幅墨竹也能体现他的心境。

目录

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作者介绍

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飞乐鸟工作室，是由国内知名插画家飞乐鸟发起的绘画工作室。致力于传播“创享美丽生活”的理念，对生活永远怀有远大的梦想和朴实的情怀，通过绘画、手作、栽培等多种形式让更多的人发现并享受身边的乐趣，为帮助每个爱画画、爱动手的人创作出令人感动的作品而努力。其代表作《三天学会铅笔画》、《从0开始学素描》、《怎么画都可爱的生活涂鸦》、《飞乐鸟的手绘时光》系列等长期荣登全国各大书店畅销榜，更有数十种版权远销海外。

文摘

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序言

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别具一格的艺术探索：一部聚焦于西方油画技法与美学理念的深度指南 书名：凝视与光影：十七世纪荷兰黄金时代油画技法精研 内容提要 本书并非对东方水墨艺术的任何传统技法的探讨，而是将读者的目光完全引向十七世纪荷兰黄金时代的油画大师们所开创的独特艺术领域。这是一部深入剖析彼时油画媒介特性、颜料调配、层次构建以及光影魔术的权威性著作，旨在为致力于掌握西方古典油画技艺的实践者提供一套系统、细致且富有历史深度的技术蓝图。 全书共分为五大部分，结构严谨，内容涵盖了从媒材准备到最终光泽处理的全过程，力求还原那些失传或鲜为人知的高超工艺。 --- 第一部分：基底的秘密——画布的准备与油画媒介的革新 本章详尽考究了荷兰画家们如何处理他们的作画基底。我们摒弃了对宣纸和传统水性矿物颜料的讨论，转而聚焦于亚麻布、木板在当时的筛选、绷制与预处理过程。 1.1 传统底料的配方解构： 深入分析了“胶水底”（Size）的配制，包括动物皮胶的浓度控制，以及与石膏（Gesso）混合的比例。重点阐述了荷兰画家偏爱的油性底料（Oil Ground）的制作，包括对不同油性填料（如白垩、铅白）的研磨程度要求，以及如何通过控制底料的吸收性，为后续的色彩叠涂奠定完美的物质基础。 1.2 媒介剂的时代特征： 本部分彻底侧重于油性媒介剂。讨论了画家们如何利用亚麻籽油（Linseed Oil）经过不同程度的加热、漂白或“晒炼”来调整其干燥速度和透明度。深入解析了当时流行的添加剂，如达玛树脂（Dammar）、乳香（Mastic）的溶解方法，以及如何根据作品需要，精准调配出适合“底层铺色”、“中间调和”及“罩染”的三类标准媒介。 --- 第二部分：色彩的炼金术——颜料的研磨与湿画法的精微控制 本章是本书的核心技术部分，完全围绕油画颜料的物质属性展开，对比传统矿物色粉在水中的表现，本书聚焦于油中研磨的技巧。 2.1 传统油画颜料的获取与研磨： 详细记录了当时画家如何从矿石（如群青、赭石、沥青）或植物中提取颜料，并使用研钵与研石进行手工研磨的过程。强调了不同颜料颗粒大小对颜色饱和度和覆盖力的决定性影响。例如，细致对比了以铅白为基础的厚涂颜料（Impasto Pigment）与以树脂为基础的透明颜料（Glazing Pigment）的研磨差异。 2.2 湿画法（Alla Prima）与分层堆叠的辩证关系： 深入研究了荷兰大师如何将“一次性完成”的湿画法与精细的分层技术相结合。重点分析了“灰调子基础”（Grisaille/Grisaille）的运用，即先用单色或中性色调建立明暗关系，而非依赖早期意大利文艺复兴的“棕色基底”。探讨了如何利用不同媒介剂控制颜料的“流动性”和“附着力”，以确保上层颜色能够稳固地附着在已干燥的下层之上。 --- 第三部分：光影的解剖学——体积塑造与空气透视的实现 本部分彻底转向西方油画中对三维空间感和体积塑造的追求，与东方绘画的平面化、线描主导的风格形成鲜明对比。 3.1 明暗对照法（Chiaroscuro）的精细运用： 剖析了伦勃朗等大师如何通过极端的光影对比来营造戏剧性的氛围。本书提供了一种基于光学原理的分析，指导读者如何通过控制边缘的清晰度（Hard Edge vs. Soft Edge）来区分物体的前后关系。探讨了如何利用铅白的强覆盖力来模拟高光，以及如何使用深色的沥青和煤烟色来创造“绝对阴影”。 3.2 材质的表现技法： 专门开辟章节讨论油画特有的材质模仿能力。例如，如何通过笔触的走向和颜料的厚度（肌理）来表现丝绸的柔软、金属的反光、玻璃的透明感，以及皮肤的微妙质感。这部分完全依赖于油画媒介的物理特性来达成视觉效果，与水性媒介的晕染效果截然不同。 --- 第四部分：透明的魔力——罩染（Glazing）与修饰层（Varnishing）的层次构建 本章聚焦于古典油画中最具欺骗性和深度的技术——透明层的叠加。 4.1 罩染的深度控制： 详细说明了如何使用高度稀释、富含树脂的颜料层（Glazes）来修正底色、增加色彩的饱和度或统一画面的色调。分析了不同树脂对罩染层干燥速度和最终光泽的影响。指导读者如何通过精确计算底色与罩染层的光学比例，创造出宝石般的色彩深度。 4.2 最终的光泽与保护： 讨论了在作品完成后，如何选择和应用最终清漆（Varnish）。对比了天然树脂清漆与现代合成清漆在色彩还原、抗黄变性以及光泽度上的表现，这是保护和定格油画生命力的关键步骤。 --- 第五部分：工具的哲学——画笔、调色刀与画家的身体语言 本书最后一部分回归到油画实践的物理工具层面，强调工具对笔触的影响。 5.1 猪鬃笔与貂毛笔的特性差异： 对比了不同动物毛发画笔在吸附颜料量、释放速度和形成笔触肌理上的差异。指导读者如何根据所使用的油画媒介的粘稠度来选择合适的画笔类型。 5.2 调色刀的现代功能： 探讨了调色刀在十七世纪后期开始被用于混合颜料以及在画布上进行厚涂（Impasto）的应用，强调其如何创造出比画笔更坚硬、更具雕塑感的纹理。 总结： 《凝视与光影：十七世纪荷兰黄金时代油画技法精研》是一部纯粹的技术手册，它将油画的每一个层面——从最初的底料配方到最后的清漆处理——都置于严谨的科学观察和历史实践的框架下进行解剖。全书专注于油性媒介的复杂性、光影的物理学表达，以及通过层次叠加来构建深邃空间感的西方古典路径，与任何涉及水、墨、晕染或传统线描的技法体系毫无关联。它是一扇通往巴洛克时期画布背后秘密的沉重木门。

评分☆☆☆☆☆

这本《国画技法从入门到精通》的封面设计倒是挺吸引人的，那种淡雅的色彩和简洁的构图，很有国画的意境。我拿到手后，立刻翻到了关于构图的部分，因为这对我来说是最大的挑战。很多时候，我画出的花卉虽然单体形态尚可，但整体的布局总感觉有些呆板，缺乏灵动感。我特别想知道，书中是如何讲解构图的黄金法则，比如如何运用“S”形、“L”形等经典构图来安排花卉的位置，让画面产生动势和层次感？有没有关于如何处理画面空白，让“留白”也成为画面的重要组成部分的讲解？我比较担心的是，那些“四季百花”的例子，是不是只是简单地罗列不同季节的花卉，而没有深入分析它们在构图上的处理技巧。我希望能看到书中通过大量的范例，详细讲解不同花卉组合的构图思路，比如如何通过花与叶的穿插、高低错落来营造丰富的空间感，以及如何利用引导线来引导观者的视线，让画面更加引人入胜。如果书中在这方面有所侧重，那将对我非常有价值。

评分☆☆☆☆☆

拿到《国画技法从入门到精通》，我其实最想找的是关于色彩运用和设色的章节。虽然国画讲究水墨韵味，但很多时候，适当的点染色彩能极大地增强画面的表现力和感染力。我希望这本书能提供一些关于如何调和色彩的技巧，特别是如何运用中国传统色，以及如何将它们自然地融入到水墨之中，而不是显得突兀。比如，画荷花时，如何用淡淡的胭脂和曙红来表现其娇嫩的花瓣，又如何用赭石和花青来勾勒出荷叶的生机？画菊花时，又如何运用橘红、鹅黄来展现其金秋的成熟与辉煌？我特别在意的是，书中是否能详细介绍如何通过色彩的浓淡、干湿来表现花卉的不同质感，例如花瓣的丝绒感、叶片的油润感等等。我担心这本书可能只是简单地介绍几种颜色，而没有深入讲解色彩的搭配、晕染和过渡，这对我来说将是很大的遗憾。我期待能从书中找到一些能让我豁然开朗的色彩处理方法，让我的国画作品在笔墨之外，也能展现出绚烂而和谐的色彩之美。

评分☆☆☆☆☆

刚收到这本《国画技法从入门到精通》，迫不及待地翻开。虽然标题提到“四季百花”，我其实更关注书里关于线条表现力的讲解。国画的精髓，我觉得很大程度上在于线条的起承转合、粗细浓淡，如何用几笔勾勒出事物的神韵，尤其是一些婉转的枝条和花瓣的边缘，书中是否有专门的章节来剖析不同笔触的运用，比如如何通过墨色的深浅变化来表现立体感和质感？我还特别好奇，书中是否会详细介绍如何通过不同的运笔速度和力度来表现花朵的柔美、坚韧或是飘逸？比如画梅花时，我希望看到如何用苍劲的笔触表现其傲骨，画牡丹时，又如何用饱满的笔法展现其华贵。另外，对于初学者来说，如何从最基础的“点”和“线”开始练习，逐渐过渡到勾勒花瓣、叶片，再到组合成完整的花卉，这其中的循序渐进的练习方法，是否能得到清晰的指导？我期待能从书中找到一些能启发我，让我对线条的运用有更深刻理解的技巧和范例，希望它能帮助我突破瓶颈，提升我对画面表现力的把握。

评分☆☆☆☆☆

我买《国画技法从入门到精通》主要是想学习如何画出有神韵的花卉，而不仅仅是形似。国画的魅力在于“写意”，在于寥寥数笔就能勾勒出事物的内在精神。我希望书中能够详细讲解如何在造型的同时，捕捉花卉的“气韵生动”。比如，对于一些花卉的“神态”，如何通过细微的笔触变化来表现，例如一朵含苞待放的花蕾，它的羞涩与期待；一朵盛开的牡丹，它的雍容与华贵；一朵风中的梅花，它的孤傲与坚韧。我特别想知道，书中是否会提供一些“以形写神”的练习方法，比如通过观察不同花卉的生长姿态，去体会它们的生命力，并在绘画中加以体现。我担心的是，书中可能更侧重于技法的讲解，而忽略了对“意”的培养。我期待能从书中找到一些指导，帮助我不仅仅是“画”花，而是能“写”花，让我的作品能够传达出花卉本身所蕴含的生命力和情感。