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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103002490

商品编码：29806106224

丛书名： 外国钢琴曲选(3)

开本：8开

出版时间：1984-05-01

●1.C大调前奏曲（选自《十二平均律钢琴曲集》）
●2.视唱练耳短曲
●3.吉普赛回旋曲
●4.d小调幻想曲
●5.献给爱丽丝
●6.小品
●7.夜曲
●8.圣母颂
●9.小夜曲
●10.塔兰泰拉舞曲
●11.鸽子
●12.玛祖卡Op.67No.2
●13.圆舞曲Op.64No.1.
●14.序曲Op.28No.15
●15.快乐的农夫
●16.安慰Ⅲ
●17.思想家
●18.摇篮曲
●19.艺术家的生活
●20.泪......

音乐的河流：二十世纪西方钢琴作品导览 面向对象： 音乐专业学生、钢琴演奏者、音乐教育工作者，以及所有对二十世纪西方钢琴音乐发展抱有浓厚兴趣的爱好者。 书籍定位： 本书并非对任何特定系列教材的补充或替代，而是一部独立、深入探讨二十世纪以来西方钢琴音乐创作思潮、风格演变及其代表作品的专业导论。它旨在构建一个宏大的历史框架，帮助读者理解这部跨越百年、充满变革与实验的音乐景观。 --- 第一部分：时代的断裂与新的开端（约 1900-1930 年代） 二十世纪的钟声敲响，西方音乐世界迎来了前所未有的剧变。传统的调性体系在瓦格纳的晚期作品中已显现出深刻的裂痕，而新兴的社会思潮与科技进步，迫使作曲家们探索新的听觉领域。 第一章：印象主义的尾声与法兰西的色彩 尽管德彪西和拉威尔的工作主要集中在世纪之交，但他们的影响贯穿了整个二十世纪的早期。本章将着重分析他们如何运用色彩、模糊的轮廓和非传统的和声结构来描绘瞬间的感受。 德彪西的钢琴遗产： 探究《前奏曲》中如何通过对钢琴音色和踏板的革命性使用，构建“声响的景观”。重点分析其对自然现象和东方音乐元素的吸收。 拉威尔的精湛技艺： 侧重分析拉威尔在古典形式与现代和声之间的平衡，尤其关注《镜子》系列中对光影、水波的精妙模仿，以及其作品中潜藏的精巧的复调织体。 “法国六人组”的早期反思： 概述普朗克、米约等人如何试图从印象派的迷雾中走出，转向更清晰、更具节奏感和“新古典主义”倾向的表达。 第二章：第二维也纳乐派的彻底革命 面对调性桎梏的瓦解，勋伯格、贝尔格和韦伯恩选择了结构化的激进道路，彻底重塑了音乐的语法。 无调性与十二音体系的诞生： 详细解析勋伯格建立的音列原则，不仅是和声的解放，更是结构组织逻辑的彻底重构。本章将避开纯粹的理论推导，侧重分析如《钢琴曲，作品19》中碎片化的情感表达如何与新的结构原则相契合。 贝尔格的“有血有肉”的十二音： 探讨贝尔格如何在继承浪漫主义情感表达的同时，运用十二音技法，例如在《抒情组曲》中对传统曲式结构的巧妙暗示与扭曲。 韦伯恩的“点描主义”： 分析韦伯恩后期作品中极简的音符密度和对音色、时值（Klangfarbenmelodie）的极致关注，探讨其作品如何将音乐推向纯粹的“物自体”。 第三章：东欧的浪漫回响与新民族主义 在德奥体系的重压之下，东欧作曲家们利用本国丰富的民间音乐语汇，发展出既现代又充满地域色彩的钢琴语言。 巴托克：蛮横与精妙的结合： 聚焦巴托克在民间音乐田野调查中的收获。分析他如何将古老的调式（如增四度音程）融入现代的复调织体中，尤其是在他的《户外》或《钢琴曲集》中的节奏驱动力。 雅纳切克：自然的声音与“说话的旋律”： 探讨雅纳切克对摩拉维亚民歌的痴迷，以及他如何将人声的抑扬顿挫转化为钢琴的动机结构，例如《在草地上》系列中那种原始而直率的情感张力。 --- 第二部分：战争的阴影与风格的多元化（约 1930 年代 - 1960 年代） 两次世界大战不仅改变了欧洲的政治版图，也深刻影响了艺术创作的方向。作曲家们在“重建”与“逃避”之间摇摆，催生了新古典主义的复兴和序列主义的崛起。 第四章：新古典主义的回潮与反思 在对早期现代主义的过度实验感到疲惫之后，一部分作曲家转向了对巴赫、莫扎特等古典主义大师形式的借鉴，但注入了现代的和声和节奏。 斯特拉文斯基的“机械”节奏： 分析斯特拉文斯基在《钢琴奏鸣曲》或《彼得鲁什卡选段》中对新古典主义节奏的处理，其清晰的句法、复调的交织以及“非个人化”的音色偏好。 俄罗斯的继承者： 探讨普罗科菲耶夫和哈恰图良如何巧妙地将强大的炫技性与深厚的情感内核结合，他们的作品中蕴含着对强劲力量与讽刺笔触的偏爱。 第五章：序列主义的深化与普遍化 从十二音技法发展而来的“序列音乐”，试图将音乐的全部元素——音高、时值、力度、音色——纳入一个预先设定的数学序列之中。 达姆施塔特学派的贡献： 介绍布列瑟、施托克豪森等人在战后对序列控制的极端化实践。重点阐述“全面序列化”的概念，及其对钢琴演奏技术提出的新要求（例如对特定音组或极快速度的控制）。 对速度与强度的解放： 分析这些作品如何打破传统乐谱的符号限制，要求演奏者探索钢琴的极限音区和噪音潜力。 第六章：美国声音的崛起与地域性表达 在欧洲的理论风暴之外，美国作曲家们发展出了更加独立、更具美国本土气质的钢琴音乐。 科普兰的“开放和声”与美国精神： 探讨科普兰如何通过大三度、大七度的“开放和声”来营造广袤、英雄主义的美国风景感，例如其著名的钢琴作品中的抒情段落。 巴比特与数学的纯粹性： 对比分析巴比特在智性严谨性上，与欧洲序列主义者的异同，以及他对节奏和密度的高度数学化处理。 --- 第三部分：实验的边界与声音的拓宽（约 1960 年代至今） 技术的发展、社会思潮的变迁以及对传统音乐观念的彻底颠覆，将钢琴音乐推向了前所未有的边界。 第七章：机遇与不确定性：偶然音乐的影响 约翰·凯奇的工作是对音乐确定性的最大挑战，他的思想深刻影响了后来的钢琴家和作曲家。 沉默的力量与“留白”： 详细分析凯奇的《4’33”》对“音乐”定义的颠覆，以及这种观念如何体现在他的其他钢琴作品中，要求演奏者关注环境音与乐器本音的互动。 “过程音乐”与演奏者自由： 探讨亨利的《伏特》系列等作品中，演奏者在既定框架内如何通过选择、顺序或时间掌握来完成作品，使得每一次演奏都是独一无二的。 第八章：音色探索与演奏技法的拓展 作曲家们将目光从音高和节奏的组织，转向了钢琴本身的物理特性，将乐器本身视为一个声音的“工厂”。 准备钢琴的遗产： 追溯约翰·凯奇对钢琴的“准备”技术（在琴弦上放置螺丝、橡皮等）的系统化应用，以及这如何拓展了钢琴的音色范围，使其具备打击乐和噪音的特质。 “扩展技巧”的运用： 深入分析当代作品中要求演奏者使用指甲、手掌、手臂直接触碰琴弦、击打琴体等非常规演奏法，以获取全新的音响效果。 第九章：后现代的回归与融汇 进入九十年代，纯粹的实验主义开始消退，取而代之的是对历史语汇的重新审视与个人风格的融合。 新浪漫主义的复苏： 探讨一些当代作曲家如何重新引入可听闻的旋律和调性色彩，但这些元素被包裹在现代的织体和复杂的节奏框架中，形成一种既熟悉又陌生的听感。 对键盘乐器历史的回顾： 分析部分当代作品如何不再局限于现代钢琴，而是借鉴了羽管键、大键琴的音色特点，寻求不同历史时期键盘乐器美学的对话与融合。 --- 总结： 本书旨在提供一条清晰的脉络，梳理二十世纪以来西方钢琴音乐如何从“解放”走向“重构”，再到“探索极限”的复杂历程。它强调了技术进步、哲学思辨和社会环境对音乐创作的决定性影响，帮助读者构建起对这部宏大、多元且充满活力的音乐史的立体认知。本书的重点在于分析创作理念与风格的演变，而非特定教材中的选曲分析或技巧训练。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，学钢琴不应该仅仅局限于德奥古典乐派的框架内，拓宽音乐的视野对于培养成熟的音乐感至关重要。这本书在这方面的贡献是无法估量的。它将听觉的疆域一下子扩展到了中欧以外的广袤天地。我得承认，过去我对某些地区的民间音乐风格了解得非常有限，甚至有些刻板印象。但通过阅读这些乐谱时附带的简短背景介绍（虽然篇幅不长，但信息量巨大），我开始理解不同文化背景下，音乐是如何作为一种情感的载体而存在的。例如，某几首来自伊比利亚半岛的作品，其强烈的切分音和略带忧郁的五声音阶运用，与我熟悉的巴赫赋格曲那种结构严谨的美学完全是两个极端，却同样震撼人心。这种对比性的学习，极大地激活了我对“旋律”本质的思考。它让我意识到，技术是工具，而真正驱动我们弹奏的，是对人类情感共鸣的理解。对于那些希望在演奏中注入更多故事性和人文关怀的演奏者来说，这本书无疑提供了丰富的“情感语汇”。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本乐谱时，最先吸引我的是它装帧的质感和内页的排版。你知道，对于我们这些每天都要和五线谱打交道的乐手来说，一个清晰、不反光的纸张和合理的光标布局有多么重要。这本书在这方面做得非常出色，即便是长时间在昏暗的琴房里练习，视线也不会感到疲劳。然而，真正让我惊喜的是它对曲目难度划分的细致考量。很多同类乐谱在难度梯度上做得不够平滑，要么是前几首简单到敷衍，后面突然就难到令人望而却步，但这一本的过渡设计得极其人性化。它似乎预设了学习者每一个微小的进步点，用一首首精心挑选的“垫脚石”曲目，平稳地引导我们进入下一个技术层面。我注意到其中有一组来自北欧的几首短曲，它们在节奏的微妙错位和踏板的精确控制上提出了很高的要求，但在此之前，编者安排了前置的练习曲目，确保我的手指和听觉已经准备好迎接这种复杂性。这表明编者对“教”和“学”的过程有着深刻的理解，他们不是在简单地罗列名曲，而是在设计一条高效且愉悦的技能习得路径。这种严谨与体贴并存的编撰风格，让我对后续的学习内容充满了信心。

评分☆☆☆☆☆

如果非要我从一个资深钢琴爱好者的角度挑剔的话，这本书的价值在于其“可操作性”和“启发性”的完美结合。它不像一些纯粹的学术性选集那样，只提供难懂的、需要大量背景知识才能消化的作品；相反，它精心地挑选了那些虽然来自异域，但旋律本身极具感染力、能让人一听入耳的作品。这对于教学用途来说极其友好。我曾尝试用其中的几首小品来激励我的初级学生，让他们在学习基础音阶和琶音之余，能提前领略到“音乐之美”的多元面貌。例如，其中收录的一组非常轻快的匈牙利舞曲风格的小品，其跳跃的节奏和明快的调性，立刻就能抓住孩子们的注意力，让他们不再觉得钢琴练习是枯燥的重复劳动。这本书成功地扮演了“引路人”的角色，它不是高悬在顶端的殿堂级作品，而是触手可及的、充满生活气息的音乐碎片。它让学习钢琴这件事，从单纯的技艺训练，升华为一场充满期待的文化发现之旅。

评分☆☆☆☆☆

这本乐谱集简直是为那些渴望在指尖下捕捉世界各地不同音乐灵魂的钢琴学习者量身定制的“宝藏地图”。我尤其欣赏编者在选曲上的独到眼光，他们似乎不仅仅关注了那些耳熟能详的经典，更深入挖掘了一些被略微埋没的、却极富地方色彩和独特韵味的外国小品。比如，其中收录的几首东欧民间风格的小调，其旋律线条的转折和和声的运用，远比教科书上那些过于工整的练习曲来得生动和富有情感张力。当我尝试去演奏它们时，能清晰地感受到那种泥土的芬芳和历史的沉淀，仿佛置身于某个遥远国度的午后茶会。更别提那些对技巧提升的巧妙设计了，它们并非单纯地堆砌琶音或音阶，而是巧妙地将特定国家的演奏技法融入乐曲的织体中，让练习变成了一种探索。对于我这种希望突破现有技术瓶颈，寻求更广阔音乐视野的进阶学习者来说，这样的选材无疑提供了极大的新鲜感和挑战性。它不仅仅是一本练习曲集，更像是一本跨越国界的音乐文化之旅的通行证，每翻开一页，都是一次新的心灵洗礼。我期待能花更多的时间去细细品味其中蕴含的文化密码。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，市场上充斥着大量质量参差不齐的外国钢琴曲选集，很多要么是盗版印制粗糙，要么是选曲陈旧，缺乏新意。但这一本，从印刷质量到内容的选择，都透露出一种对音乐近乎苛刻的尊重。最让我赞叹的是，它收录了相当一部分二十世纪中叶以后涌现出来的、具有鲜明个人风格的作曲家的作品。这些作品往往在和声上更为大胆，更具实验性，这对那些已经掌握了传统技巧，渴望在现代音乐领域有所探索的爱好者来说，简直是及时雨。我特别喜欢其中几首带有印象派残余影响，但又融入了爵士乐节奏元素的乐曲。它们的和声色彩极其丰富，需要演奏者对踏板的控制达到近乎“绘画”的境界，让声音在空气中互相渗透、融合，却又不至于变得模糊不清。这不仅仅是技巧的练习，更是一种对听觉极限的探索。每次成功地处理好这些复杂声场中的微妙平衡时，那种成就感是无与伦比的，它让你感觉自己真正触摸到了当代音乐的前沿脉搏。