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朱瑞波，吴铁，张钧挥，毛洋洋，刁子安 著

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• 摄影技巧
• 构图
• 光线
• 后期制作
• 视觉传达
• 创意摄影
• 产品摄影

店铺： 广影图书专营店

出版社： 中国水利水电出版社

ISBN：9787517041160

商品编码：29692821555

包装：平装

出版时间：2016-02-01

基本信息

书名:设计摄影

定价：60.00元

售价：40.8元,便宜19.2元,折扣68

作者:朱瑞波,吴铁,张钧挥,毛洋洋,刁子安

出版社：中国水利水电出版社

出版日期：2016-02-01

ISBN：9787517041160

字数：

页码：232

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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　　本书为高等院校艺术设计类专业基础课程教材。全书以摄影为依托、以设计为主线，将技术与艺术相结合，强调设计对摄影的指导作用以及摄影对设计表现的丰富作用。本书不仅阐述了摄影的构图、布光等技术性问题，更结合丰富的摄影作品实例，深入讲解和分析了如何运用设计艺术法则进行摄影创新与突破，并重点针对设计学范畴中与服装展示、产品设计、视觉传达设计、环境设计、建筑设计等专业紧密相关的人像、商业、风光、建筑设计摄影以及新闻纪实、科技设计摄影等专题摄影作了详细的技法介绍。全书共5章，主要内容为：绪论，设计摄影设备，设计摄影技术手段，设计摄影艺术和分项设计摄影。书后附录介绍了国内外大型摄影竞赛情况及我国新闻纪实类数字照片技术规范等内容。

　　本书视角独特、内容全面、作品丰富，可作为高等院校艺术设计类专业和摄影专业的教材，也可供设计公司从业人员以及摄影师和广大摄影艺术爱好者参考使用。

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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《光影的叙事：超越技术的纪实美学》 引言： 摄影，作为一种强大的视觉语言，早已不仅仅是简单的记录。它承载着情感，传递着思想，更能够编织出引人入胜的故事。《光影的叙事：超越技术的纪实美学》并非一本教授摄影器材操作或后期处理技巧的指南，而是深入探讨摄影艺术本身，尤其是纪实摄影中“叙事性”这一核心要素的理论与实践。本书旨在带领读者超越技术层面的束缚，去理解如何运用光影、构图、时机以及对现实世界的深刻洞察，去构建一个富有生命力、能够触动人心的视觉故事。我们相信，最动人的照片，是那些能够引起观众共鸣，引发思考，甚至改变他们看待世界方式的作品。 第一章：纪实摄影的灵魂——看见与讲述 本章将深入剖析纪实摄影的本质。它不是对现实的简单复制，而是摄影师基于自身视角、情感与思考，对现实世界进行选择、提炼与重塑的过程。我们将探讨“看见”的艺术，如何培养敏锐的观察力，去捕捉那些转瞬即逝的瞬间，发掘平凡生活中的不凡之处。同时，我们将重点研究“讲述”的能力，即如何通过一张或一组影像，有效地传达信息、表达观点、塑造情绪，从而构建一个完整的叙事。 看见的修炼： 超越表象的洞察： 学习如何透过事物的表象，去探寻其内在的逻辑、情感以及隐藏的意义。这包括对人物表情、肢体语言、环境细节的深入解读。 捕捉“决定性瞬间”： 探讨亨利·卡蒂埃-布列松的“决定性瞬间”理论，并结合当代摄影实践，理解如何在一瞬间抓住事件的精髓、人物的情感高潮以及事物发展的关键节点。 环境作为叙事的一部分： 分析环境如何成为故事的背景，如何烘托气氛，甚至如何成为叙事的主体。无论是城市街景、自然风光还是私人空间，都能承载丰富的象征意义。 讲述的艺术： 单张照片的叙事力： 分析那些经典的单张纪实照片，它们是如何通过简洁的画面，却能引发观众无限的联想和思考。探讨构图、光影、色彩、主体与背景的互动关系如何共同营造叙事张力。 系列照片的叙事结构： 深入研究如何通过一系列照片构建一个更宏大、更复杂的故事。探讨叙事的逻辑线索、节奏变化、情感递进以及视觉上的连贯性。我们将分析不同的叙事模式，如时间顺序、主题并列、对比冲突等。 沉默的力量： 理解在纪实摄影中，留白、模糊、抽象等手法如何能够引发观众的想象，让照片的叙事超越文字的限制，赋予作品更深远的意味。 第二章：光影的诗篇——情绪的引导者 光影是摄影的灵魂，更是情绪的语言。《光影的诗篇》将重点阐述光线在纪实摄影中的多重角色，它不仅仅是照亮画面，更是塑造氛围、引导情绪、突出主体、揭示内在的强大工具。本章将带领读者深入理解不同类型光线的特性及其心理影响，学习如何巧妙运用光影来增强照片的感染力，让画面“会说话”。 自然之光：温柔的低语与强烈的诉说 日光的变化与运用： 分析不同时段（清晨、正午、黄昏）日光对画面色彩、对比度、阴影走向的影响。学习如何在不同光线下捕捉人物的情感，如何在建筑中突出其结构美，如何在自然景物中表现其生命力。 阴影的戏剧性： 探讨阴影如何能够增加画面的深度、神秘感和戏剧冲突。分析阴影的形状、走向以及与被摄体的关系如何传递信息。 柔光与硬光的情感表达： 理解柔和的光线如何营造温馨、宁静的氛围，而硬朗的光线如何突出细节、强调力量感或营造紧张气氛。 人造之光：都市的脉搏与个体的温度 街灯、霓虹与室内灯光： 分析城市夜晚的光线如何勾勒出都市的繁华与孤独，如何成为故事的舞台。探讨室内灯光（如台灯、烛光）如何营造私密、温暖或神秘的氛围。 逆光、侧光、顶光、底光的艺术： 深入分析不同布光角度对被摄体造型、立体感以及情绪表达的影响。例如，逆光如何勾勒轮廓、营造梦幻感；侧光如何突出面部细节和立体感；顶光和底光如何制造戏剧性效果。 光线的象征意义： 探讨光线在不同文化语境下的象征意义，例如光明与希望，黑暗与未知。学习如何运用光线来隐喻或象征某种抽象概念。 第三章：构图的语法——秩序与张力的编织 构图是照片的骨架，是视觉信息的组织方式。《构图的语法》将带领读者超越简单的“三分法”，去理解构图的深层含义，如何通过对画面元素的安排，引导观众的视线，制造视觉张力，并最终服务于照片的叙事目的。我们将探索经典构图法则的精髓，并鼓励读者在实践中进行创新与突破。 引导视线的艺术： 线条的力量： 分析直线、曲线、对角线、S形曲线等不同线条在画面中的作用，它们如何引导观众的视线，如何表现运动、力量或柔美。 透视与景深： 探讨如何利用透视关系（如重复透视、汇聚透视）来增强画面的空间感和纵深感。理解景深在突出主体、虚化背景方面的作用。 框架与前景： 分析利用画框、门框、窗户等元素形成“画中画”的构图方式，以及如何巧妙运用前景来增加画面的层次感和故事性。 平衡与不对称的魅力： 对称与均衡： 探讨对称构图带来的稳定感、秩序感以及仪式感。 不对称与动态： 分析不对称构图如何打破常规，制造视觉冲击力，体现动感与活力。 视觉重量的运用： 理解画面中不同元素（如颜色、大小、形状、明暗）所带来的视觉重量，以及如何通过它们的搭配来达到画面的平衡或制造有趣的视觉张力。 留白与简洁的智慧： 留白： 探讨留白如何留给观众想象的空间，如何突出主体，如何营造宁静、空灵的意境。 简洁的构图： 分析如何通过舍弃不必要的元素，突出核心内容，使画面更加清晰、有力。 打破常规的创新： 非常规视角： 鼓励读者尝试仰视、俯视、低角度等非常规拍摄视角，以获得独特的视觉效果。 解构与重组： 探讨如何通过对画面元素的有意打乱、重组，来表达某种抽象的概念或观念。 第四章：主题的深度——情感的共鸣与思想的触动 当技术与构图服务于叙事，最终目的是触动观者的情感，引发他们的思考。《主题的深度》将聚焦于纪实摄影作品的情感力量与思想内涵。本章将探讨如何挖掘照片背后的深刻主题，如何用影像传递普世的情感，以及如何引导观众超越表象，去反思社会、人性与我们自身。 情感的普世性： 喜怒哀乐的捕捉： 分析如何捕捉人物最真实的情感瞬间，无论是欢乐的笑靥、悲伤的泪水，还是无奈的叹息、坚毅的眼神。 关系的呈现： 探讨如何通过镜头展现人与人之间、人与物之间、人与环境之间的复杂情感联系，如亲情、友情、爱情、乡愁、归属感等。 共情的建立： 理解摄影师如何通过自己的共情能力，去理解被摄者的经历，并将其转化为影像，引发观众的共情。 思想的深度： 社会议题的关照： 探讨纪实摄影如何成为社会现实的眼睛，揭示贫困、不公、冲突、环境问题等，并引发公众的关注与讨论。 人性的探索： 分析纪实摄影如何通过 Ordinary People 的故事，去探讨人性的光明与黑暗，坚韧与脆弱，希望与绝望。 文化的记录与传承： 探讨纪实摄影在记录文化多样性、传统习俗、民族记忆方面的作用。 叙事的延展性： 引发提问的力量： 优秀的照片往往不会给出明确的答案，而是提出问题，鼓励观众去思考、去探索。 超越时空的感染力： 探讨那些经久不衰的纪实作品，它们是如何超越时代，依然能够触动一代又一代的观众。 摄影师的立场与责任： 讨论在拍摄敏感题材时，摄影师应如何保持客观与同情，如何在记录事实的同时，避免猎奇与消费。 第五章：实践的探索——从观察到呈现 理论的学习离不开实践的检验。本章将为读者提供一个清晰的实践框架，指导大家如何将书中探讨的理论知识运用到实际的拍摄创作中。我们将强调观察、思考、拍摄、后期处理（并非技术教学，而是对作品呈现的考量）以及分享等环节的重要性。 观察与选题： 日常生活中的灵感： 鼓励读者从身边的事物、人物、事件中寻找拍摄主题。 深入社区与文化： 建议读者选择具有特定社会或文化意义的主题进行长期跟踪拍摄。 带着问题去拍摄： 引导读者在拍摄前思考自己想要表达的核心信息和情感。 拍摄的策略： 与被摄者的沟通： 强调建立信任、尊重被摄者以及在拍摄过程中保持同理心的重要性。 时机的把握与耐心： 理解等待最佳时机的重要性，以及耐心观察直到找到“决定性瞬间”。 器材的辅助而非主导： 强调器材只是工具，关键在于摄影师的眼睛和思考。 后期处理的思考： 忠实于现实与提升表达： 讨论后期处理的边界，如何在不扭曲事实的前提下，通过调整光影、色彩和对比度来增强照片的表达力和感染力。 系列的连贯性： 强调后期处理应统一风格，以确保系列照片的整体感。 作品的呈现与分享： 精心挑选与编排： 学习如何从大量照片中挑选出最能代表主题的作品，并进行有逻辑的编排。 展览与出版： 探讨不同形式的作品呈现方式，以及如何通过分享让作品与更多人产生连接。 持续学习与反思： 鼓励读者通过观摩他人作品、参与讨论、不断反思自己的创作，以获得持续的进步。 结语： 《光影的叙事：超越技术的纪实美学》是一场关于视觉叙事和情感表达的深度探索。它不是一本枯燥的理论手册，而是一本激发你灵感、拓展你视野、鼓励你行动的指南。我们希望通过本书，能够帮助每一位摄影爱好者，特别是关注纪实摄影的同仁，不仅能够拍出“好看”的照片，更能拍出“有灵魂”、“有力量”的作品，用光影编织属于自己的动人故事，去看见，去讲述，去触动。

评分☆☆☆☆☆

说实话，刚拿到《设计摄影》这本书的时候，我并没有抱太大的期望，我一直认为“设计”和“摄影”是两个相对独立的概念，前者更多是关于视觉美学和创意表达，后者则偏向技术和瞬间的捕捉。但这本书的出现，彻底颠覆了我之前的认知。它巧妙地将两者融合在一起，为我打开了一扇全新的大门。我尤其印象深刻的是书中关于“概念先行”的讲解。过去我拍照，很多时候是随性而发，看到好看的景物就拍，拍完之后再想怎么后期。而这本书强调，在按下快门之前，就应该有一个明确的设计理念和想要传达的情感。它举了很多例子，比如一个摄影师如何为了表达“孤独”这个主题，而去精心设计拍摄场景、选择道具、甚至调整模特的姿态和表情，最终呈现出一幅充满故事感的画面。这让我意识到，原来摄影作品的背后，可以有如此深厚的思考和规划。书中的“意象化摄影”章节，更是让我受益匪浅。它不仅仅是教你如何摆拍，而是引导你去思考如何通过摄影语言来“说话”，用视觉元素去隐喻和象征，去引发观者的联想和共鸣。我尝试着运用书里提到的“符号化构图”，比如用一个废弃的门框去象征“过去”，或者用一束光线穿过黑暗来象征“希望”，这些尝试让我觉得自己的摄影作品不再是简单的影像堆叠，而是有了灵魂和生命。这本书让我明白，真正的设计摄影，是技术与艺术的完美结合，是理性思考与感性表达的统一。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，可以说是非常“解渴”的。作为一名对摄影有兴趣但又缺乏系统学习的爱好者，我一直面临一个瓶颈：照片拍出来总是差那么一点意思，但又说不清楚是哪里不对。翻阅《设计摄影》后，我感觉像是突然找到了问题的症结所在。《设计摄影》最大的特点在于，它不是那种空泛的理论指导，而是用大量生动具体的案例，结合清晰易懂的图示，来阐述复杂的摄影设计原理。我尤其喜欢其中关于“视觉节奏”的讨论，书中将摄影作品比作音乐，讲解了如何通过景别的变化、线条的运用、色彩的对比来制造画面的动感和张力，让观者在浏览时能够感受到一种流畅的叙事感，而不是呆板的停滞。我尝试将书中的“重复与变化”原则应用到我的街拍中，比如捕捉到一系列相似的建筑线条，然后在其中插入一个独特的身影，这样立刻就打破了单调，让画面充满了趣味性和视觉焦点。另外，书中关于“负空间”的运用，也给了我很大的启发。我之前总是习惯将画面填满，总觉得空荡荡的不好看，但这本书让我明白，留白不仅是一种美学选择，更是引导观者视线、突出主体、营造意境的重要手段。读完这本书，我感觉自己的摄影视角变得更加开阔，也更加懂得如何在画面中“做减法”，用最少的元素传达最丰富的信息。

评分☆☆☆☆☆

《设计摄影》这本书，对于我这样的“视觉动物”来说，简直是一场盛宴。它不仅仅是一本摄影技巧的书，更是一本关于如何“看”和如何“表达”的书。我最欣赏的是书中对“叙事性摄影”的解读。过去我总觉得摄影就是记录，但这本书让我看到了摄影在讲故事方面的巨大潜力。它详细分析了如何通过镜头语言，去构建一个完整的故事情节，如何运用光影、构图、色彩甚至道具来暗示人物的情感、推动剧情的发展。我记得书中有个案例，是关于一个失落的年轻人，摄影师通过模糊的背景、低沉的色调、以及人物孤寂的背影，就勾勒出了那种无助和迷茫，我当时就惊叹于摄影的魅力。这本书还深入探讨了“情绪化色彩”的运用，它不仅仅是讲解色彩的物理属性，更侧重于色彩所能唤起的情感共鸣。比如，温暖的黄色可以带来阳光和希望，而深邃的蓝色则能营造神秘和忧郁。我尝试在拍摄一组关于“夏日午后”的照片时，运用书中提到的“莫兰迪色系”技巧，将色彩饱和度降低，色调变得柔和而宁静，最终拍出的照片有一种淡淡的怀旧感，特别打动人。这本书让我认识到，好的设计摄影，是能够触动人心的，它不仅仅是用眼睛去看，更是用心去感受和表达。

评分☆☆☆☆☆

《设计摄影》这本书，我刚开始拿到手的时候，纯粹是被这个名字吸引了。我一直觉得摄影不仅仅是记录，更是一种艺术表达，而“设计”这两个字，瞬间就勾起了我对如何将摄影作品提升到更高层次的兴趣。读完之后，我发现这本书的内容远比我预期的要丰富和深刻。它不是那种枯燥乏味的理论堆砌，而是以一种非常直观的方式，将抽象的设计理念融入到摄影的实践中。比如，书里关于构图的讲解，就远超出了“三分法”之类的基础知识，而是深入探讨了视觉引导、空间感、留白艺术在摄影中的运用，甚至还结合了平面设计中的黄金分割和对称性原则。我记得有一次，我尝试用书里讲到的“动态平衡”原理来拍摄一组静物，原本觉得只是摆放一下，但按照书里的提示，调整了物体的角度和光线的方向，再配上恰到好处的背景，最终出来的效果简直是天壤之别，画面立刻有了生命力和层次感，那种成就感是难以言喻的。而且，这本书还特别强调了色彩在设计摄影中的重要性，不仅仅是RGB的参数，更多的是色彩的情感表达和搭配技巧，比如如何利用对比色制造视觉冲击，如何运用邻近色营造和谐氛围，这些内容让我豁然开朗，感觉打开了一个全新的色彩世界。总之，如果你也像我一样，渴望在摄影中注入更多的设计感和艺术性，这本书绝对是你的不二之选，它会让你重新审视手中的相机，用更富有创意的眼光去观察和捕捉世界。

评分☆☆☆☆☆

这是一本非常“硬核”的摄影书籍，如果你想在最短的时间内，系统地提升自己的摄影作品的“设计感”，那么这本书绝对值得你拥有。《设计摄影》的内容非常全面，从基础的光影运用，到复杂的视觉心理学，都进行了深入的探讨。我尤其喜欢其中关于“引导线”和“框架式构图”的详细讲解。过去我总觉得构图就是把景物放在中间或者按照三分法来安排，但这本书让我明白了，巧妙地运用画面中的线条，比如道路、河流、建筑的边缘，都可以自然地将观者的视线引导至主体，让画面更有层次感和纵深感。而框架式构图，则是一种非常有效的突出主体、增加画面的故事性和神秘感的方式。书中还用大量的篇幅讲解了“秩序感”在摄影中的重要性，它涉及到画面的平衡、对称、韵律等多个方面，这些元素的结合，能够让照片看起来更加和谐、专业，也更能引发观者的愉悦感。我曾按照书中的建议，尝试拍摄一组关于“城市几何”的主题，我仔细寻找画面中的直线、曲线、圆形等几何图形，并尝试将它们巧妙地组合在一起，最终拍出的照片，充满了现代感和艺术感，仿佛一幅幅抽象画。这本书的实用性和深度，是我读过的很多摄影书籍都无法比拟的，它真正做到了将“设计”的理念融入到“摄影”的实践中，让你的照片从单纯的记录，跃升为有思考、有灵魂的艺术作品。