当代阿卡贝拉音乐风格训练无伴奏合唱音乐风格声乐书籍教材正版 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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商品名称：当代阿卡贝拉音乐风格训练无伴奏合唱音乐风格声乐书籍教材正版

商品编号：29567523055

店铺： 阅读纪图书专营店

商品毛重：350.00g

货号：9787515328287

辑推荐

《当代阿卡贝拉音乐风格训练》由中国青年出版社出版。

目录

前言 
当代阿卡贝拉音乐的过去与现在 
当代阿卡贝拉音乐风格简述 
非洲流行（Afro Pop） 
非洲民谣（Afro Folk） 
爵士疯克（Jazz Funk） 
疯克布鲁斯（Funk Blues） 
阿门颂（Amen） 
阿来路亚（Alleluya） 
古巴松（Son） 
恰恰恰（Cha cha cha） 
流行歌谣（Pop Ballad） 
轻松流行（Easy Pop） 
节奏布鲁斯歌谣（R&B; Ballad） 
摇摆节奏布鲁斯（Shuffle R&B;） 
经典摇滚（Classical Rock） 
硬派摇滚（Hard Rock） 
中速摇摆（Medium Swing） 
轻松摇摆（Easy Swing） 
16首歌曲中歌词发音国际音标对照表

文摘

版权页：  

6.节奏布鲁斯（R&B;） 
节奏布鲁斯（Rhythm and Blues）是起源于20世纪40年代的美国黑人流行音乐中的一种。这个词最初是由唱片公司用来描述面向非洲裔美国黑人唱片市场所制作的音乐。在当时这种基于流行、摇滚与爵士音乐并伴随着强劲节奏的黑人音乐迅速受到欢迎。而后这一名称的含义却逐渐发生了变化。节奏布鲁斯一词在20世纪50年代初期常常用在黑人布鲁斯的唱片制作上。而50年代中期在节奏布鲁斯为摇滚音乐的发展做出贡献后，这一名称则更多地联系到一种由电子布鲁斯，福音与灵魂乐融合发展而成的新风格，在20世纪70年代则作为总体的名称概括了灵魂乐与疯克音乐。当代节奏布鲁斯则发展于20世纪80年代。标准的节奏布鲁斯的编曲通常使用钢琴、电吉他、电贝司、爵士鼓和萨克斯，有时也使用人声和音组。歌词中时常带有强烈的宿命感，音乐上通常辅以可“预见”的和声模式与曲式结构。 
7.摇滚（Rock） 
作为流行音乐的一种类别，摇滚音乐（Rock and Roll）起源于20世纪50年代的美国。60年代后，英国与美国的摇滚音乐出现了一系列不同风格的发展。节奏布鲁斯与乡村音乐曾在摇滚音乐的发展初期对其产生极为重要的影响。另外，摇滚音乐还从其他音乐风格中汲取养分，例如黑人布鲁斯与民间音乐。其后摇滚音乐与爵士乐、古典音乐等其他类别的音乐风格进行了相互融合发展。摇滚乐队的编曲中以电吉他的运用为核心，通常还使用电贝司和爵士鼓。代表性的摇滚音乐是基于歌曲的音乐形式，通常以4／4拍的节奏和主歌一副歌结构为基础。如同流行音乐一样，摇滚音乐的歌词常常着重于爱情主题，也涉及到社会或政治等非常广泛的内容。不可否认，英国、美国等白种人作为主体成为了摇滚音乐发展的关键因素之一。较之流行音乐，摇滚乐队更为强调音乐家的才能，现场演出及意识形态的真实性。

好的，这是一份关于其他类型声乐书籍的详细介绍，旨在与您提到的“当代阿卡贝拉音乐风格训练无伴奏合唱音乐风格声乐书籍教材正版”形成对比，不包含阿卡贝拉相关内容。 --- 经典与现代交融：声乐演唱的系统进阶指南 全面解析西方声乐技术、美声唱法精髓与多元风格的综合教程 本套丛书并非专注于阿卡贝拉（A Cappella）的无伴奏合唱技巧，而是致力于为声乐学习者构建一个坚实、全面的声乐基础，并引导其探索从古典美声到现代流行唱法的系统化路径。我们的目标是提供一套跨越不同流派界限，注重科学发声原理、健康演唱习惯养成的权威教材。 第一卷：声乐基础与气息控制的科学原理 本书深入剖析了人声发声的生物力学基础，为初学者和进阶学习者奠定坚固的基石。内容严格遵循经典的声乐教学法，强调科学、安全的发声模式。 第一章：人声的生理结构与空气动力学 发声器官的精细解剖： 详细图解喉部、胸腔、腹部肌肉群在发声中的协同作用。摒弃模糊的描述，采用精确的解剖学术语，阐明声带振动机制。 气息的“支柱”理论： 深入探讨气息支持（Support）的本质。区别于简单的“深呼吸”，本书着重于如何建立持久、稳定、可塑的“气息柱”，以应对长乐句和高强度的演唱需求。内容包括腹部与肋间肌的协同收缩训练、呼吸肌群的耐力培养等。 气流与声带张力的精确调控： 讲解如何通过控制呼气速度来调节声带的闭合效率，避免声带过度摩擦或过度松弛导致的声音损伤。 第二章：音准的感知、辨识与训练 听觉与发声的反馈回路： 探讨大脑如何处理听觉信息并即时修正发声器官的运动。 纯音与和声的精确控制： 教授如何利用泛音列原理，训练耳朵对固定音程的敏感度。内容包括对小三度、大三度等易跑音的音程进行专项听唱训练。 视唱练耳的实用化： 强调视唱练耳不应是孤立的练习，而是与实际演唱紧密结合。书中包含了大量针对声乐学习者设计的、难度递增的旋律视唱练习，注重移调、节奏复杂性及音域跨度的拓展。 第三章：元音的统一性与共鸣腔体的优化 口型与咽腔的塑造： 详细指导如何通过调整舌位、软腭提升来扩大咽腔空间，优化声音的“容器”。书中对比了不同元音（如/a/, /e/, /i/, /o/, /u/）在最佳共鸣位置下的口腔结构图。 面罩共鸣的激活与定位： 解释“头腔共鸣”或“面罩共鸣”并非是虚无缥缈的感觉，而是特定频率声波在鼻窦、额窦等头骨腔体中产生的物理共振现象。提供一系列基于夸张口型和鼻音引导的练习，帮助学习者找到清晰、集中的音色核心。 音色的统一性（Vowel Uniformity）： 确保整个音域内，所有元音听起来具有一致的音质和色彩，这是美声唱法技术成熟的重要标志。 第二卷：古典美声技法精粹与流派分析 本卷聚焦于西方古典声乐的传统技术体系，涵盖了歌剧、艺术歌曲（Lied/Mélodie）所需的核心能力。 第四章：换声区（Passaggio）的平滑处理 换声区的生理学分析： 解释“换声点”是声带质量和厚度发生周期性变化的生理区域，而非人为设限的障碍。 “罩住”（Covering）技术的深入解析： 教授如何运用喉部肌肉的精微调整，在换声区保持声音的清晰度（Twang）与温暖度（Warmth），实现低喉位、高位置的协调统一。提供大量的音阶与琶音练习，重点突破小三度到大三度范围内的换声处理。 胸声与头声的无缝衔接： 强调在高声区（如女高音的高音C）和低声区（如男中音的低音区）保持气息驱动力的一致性，避免出现“喊叫”或“气声”。 第五章：装饰音、花腔与歌剧表演的律动 花腔（Coloratura）的清晰度训练： 针对需要演唱莫扎特、多尼采蒂等作品的学习者，提供快速、准确的音阶、三连音、六连音以及颤音（Trill）的专项训练方法。重点在于手指的灵活度与气息的持续性同步。 颤音（Trill）的科学构建： 区分生理性颤音与技术性颤音，提供渐进式练习，从基础的二度音程快速交替训练开始，逐步达到稳定、均匀的八度颤音。 意大利语与德语发音的声乐特殊处理： 探讨在不同语言环境下，元音的开度和闭合程度如何根据音乐风格和歌剧体裁进行调整，确保演唱的纯正性与技术准确性。 第六章：艺术歌曲（Lied）的文本诠释与小型化发声 “歌唱的语言”： 分析艺术歌曲中诗歌的韵律、重音与音乐线条的相互关系。如何在保持声乐技术的同时，实现语言的自然流畅和情感的精准表达。 室内乐中的声部平衡： 教授如何在钢琴伴奏下，将声音的投射强度控制在恰到好处的“室内”级别，避免过度使用剧院声音，实现细腻的对话感。 第三卷：从美声到现代：跨界发声的应用与技巧拓展 本卷旨在将坚实的美声基础迁移至现代声乐领域，特别是对流行、爵士（不涉及摇滚嘶吼或极端失真技巧）的清嗓唱法（Clean Vocal）进行技术指导。 第七章：现代流行声乐的气息与共鸣调整 胸声与头声在流行乐中的融合（Mix Voice）： 详细阐述现代混声（Mix Voice）并非简单的“高音区用头声唱”，而是如何利用科学的气息压力和喉部位置，使胸腔共鸣的“厚度”延伸至高音区。 音色的自由转换（Timbre Flexibility）： 教授歌手如何在同一句歌词中，自然地从“开放、宽广”的古典音色切换到“聚焦、靠前”的现代音色，以适应不同音乐风格的要求。 假声（Falsetto）与头声的区分： 明确指出流行音乐中常使用的、有支撑感的假声（Head Voice Dominant）与美声体系中的纯假声（Flageolet Register）在声带闭合度上的关键区别。 第八章：现代声乐的特殊发声技巧（不含极端技巧） 颤音（Vibrato）的控制与速度调节： 讨论在快速的流行歌曲中，如何主动控制和放慢颤音的速度，使其听起来更具现代感，而非僵硬的美声式固定颤音。 “气声”（Breathy Sound）的艺术运用： 讲解气声的产生机制，以及如何在不损伤声带的前提下，通过轻微的气流溢出营造亲密感、柔和感的演唱效果。强调气声必须是受控的，而非气息耗尽的产物。 即兴与旋律的再创作： 侧重于如何在既有的曲式结构内，运用五声音阶和蓝调音阶，进行富有音乐性的即兴旋律创作，强调和声进行对即兴线条的指导作用。 结语：永恒的追求——健康与表达的统一 本书的最终目标是培养出不仅技术精湛，更能长久保持声带健康的歌者。我们坚信，最先进的技术服务于最真挚的音乐表达。本教材体系强调的是对发声原理的深度理解和持续的科学实践，是每一位严肃对待声乐艺术的演唱者不可或缺的案头工具。

评分☆☆☆☆☆

评价三： 如果用一个词来形容我的阅读体验，那就是“身临其境”。这本书的叙事口吻非常个人化，仿佛一位经验丰富的老者，坐在你身边，用他毕生的心血在耳边细细道教诲。它没有那种高高在上的学术腔调，反而充满了烟火气和实战经验。我能想象作者在录音棚里，面对那些真实的声部问题时，是如何一步步找到解决之道的。这种“过来人”的经验分享，比冰冷的理论教材要有效率得多。它教你如何在排练的混乱中迅速定位问题，如何通过眼神和手势与团队成员进行无声的交流，甚至是如何在演出前的几分钟内调整团队的心态。读到某些段落时，我甚至能“听”到那些描述中的声响，那种共鸣感是无法用分数或级别来衡量的，它直击灵魂深处。

评分☆☆☆☆☆

评价五： 从实用性的角度来看，这本书的配套资源简直是物超所值。那些精心制作的音频示例，在清晰度和动态范围上达到了录音室级别的水准。我尝试着对照这些示例进行模仿和分析，发现即便是最细微的呼吸控制差异，都能被这些高质量的音频材料清晰地捕捉到。更重要的是，音频文件中的不同声部配置，极大地帮助了我理解整体织体中单个元素的重要性。而且，音频的组织逻辑也与书中的章节紧密对应，形成了一种完美的互文关系，使得学习过程不再是单向的灌输，而是一种主动的探索和检验。这种软硬件结合的教学模式，极大地提升了学习效率，让我感觉自己拥有了一个全天候待命的私人声乐导师。

评分☆☆☆☆☆

评价四： 这本书在对“风格”的界定时，展现出了一种惊人的广度与包容性。它似乎超越了对单一地域或流派的固守，而是将目光投向了全球音乐文化的交汇点。我注意到其中对某些跨文化音乐元素的引用和解析，非常精妙，它展示了音乐是如何吸收、转化并最终形成新的美学体系的。这种视野的开阔，让我对音乐的边界感变得模糊，也激发了我去探索更多非传统声乐领域的兴趣。它提供的不仅仅是一套训练方法，更像是一张通往世界音乐地图的钥匙。当我合上书本时，感觉自己的音乐世界观被彻底重塑了，原先那些条条框框似乎都松动了，取而代之的是一种更具流动性和适应性的思维模式。它鼓励人去质疑既定的标准，去拥抱多元的可能性。

评分☆☆☆☆☆

收到您提供的书名《当代阿卡贝拉音乐风格训练无伴奏合唱音乐风格声乐书籍教材正版》，我将以一个读者的身份，写出五段不包含该书具体内容的、风格迥异的评价。 评价一： 这本书的装帧设计简直是艺术品级别的，拿到手里就感觉到一种沉甸甸的专业感。纸张的质地非常考究，印刷清晰度高得令人赞叹，即便是那些复杂的乐理图示和五线谱，看起来也毫不费力。我尤其欣赏它在版式安排上的匠心独运，每一页的留白都恰到好处，既保证了阅读的舒适度，又营造出一种高级的视觉体验。封面色彩的搭配透露出一种现代感和对传统的尊重，让人联想到那些经典合唱团的厚重历史，但同时又充满了对未来音乐的探索精神。这本书的整体呈现，让我感觉它不仅仅是一本教材，更是一件值得珍藏的音乐文献。它的物理形态，已经在我心中为它奠定了非常高的起点，光是翻阅的过程就是一种享受，让人对手中的内容充满了期待和敬畏。这种对细节的极致追求，是很多同类出版物望尘莫及的。

评分☆☆☆☆☆

评价二： 坦白说，我初次翻阅时，被它严谨的逻辑结构给震撼住了。作者似乎对音乐的结构层次有着近乎偏执的理解，从最基础的发声原理开始，每一步的递进都像是在搭建一座精密运转的机械装置，没有任何多余的冗余或模糊不清的地带。那种层层剥开、深入骨髓的讲解方式，真的不是三言两语就能概括的。特别是关于某些和声进行的处理，作者竟然能用一种近乎哲学的视角去阐述其内在的必然性，这对我这个沉浸在音乐实践多年的人来说，都是一次思维上的洗礼。我花了很长时间才消化完其中关于节奏划分的那一小节内容，因为它要求你彻底摒弃掉以往习惯性的听觉依赖，转而去用一种更纯粹的数学和物理概念去理解声音的切割。这种对知识的梳理和重构，体现了作者深厚的学术功底和对教学方法的深刻洞察。