作曲基本原理 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805533605

商品编码：28917559812

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	作曲基本原理 音乐 书籍
作者：	（奥）阿诺德·勋伯格　，吴佩华　译
定价：	48.0
出版社：	上海音乐出版社
出版日期：	2007-03-01
ISBN：	9787805533605
印次：
版次：	3
装帧：	平装-胶订
开本：	32开

内容简介

阿诺德·勋伯格是奥地利*名作曲家，二十世纪 *有影响的音乐巨人之一，十二音作曲技法的开山鼻 祖。而这位作曲大师却没有受到过什么专业训练，全 凭自己的天赋自学成才。《作曲基本原理》是他的重 要作曲理论*作，没有繁杂的技术剖析和艰深的专业 词汇，从*为基础的传统技术手段和组织方式入手， 深入探讨如何处理实际写作中遇到的诸多技巧问题。 　　同时又以分析大量名家作品的方法贯穿全书，力图培 养学生分析各类音乐作品和独立解决各种技术困难的 能力。该书既适用于初学作曲的学生，又是一本深入 浅出地讨论作曲技术问题的基础读物。

目录

绪论 编者前言 说明 部分? 主题的构造 章? 曲式的概念 第二章? 短句 ? 谱例说明 第三章? 动机 ? 动机的运用要求变奏 ? 动机由何构成 ? 动机的处理与运用 ? 谱例说明 第四章? 动机型的结合 ? 建造短句 第五章? 简单主题的构造 ? 一、开始写乐句 ??? 乐段与乐句 ??? 乐句的开端 ??? 属形式：补充的重复 ??? 谱例说明 ? 二、乐段的前句 ??? 贝多芬钢琴奏鸣曲中一些乐段的分析 ??? 其他名曲选例的分析 ??? 前句的构造 ? 三、乐段的后句 ??? 旋律方面的考虑：终止式轮廓 ??? 节奏方面的考虑 ??? 关于浪漫派作曲家的一些乐段的评述 ? 四、乐句的完成 ??? 谱例说明 第六章? 伴奏 ? 伴奏的可省略性 ? 伴奏的动机 ? 伴奏的类型 ? 声部进行 ? 低声部线条的处理 ? 伴奏动机的处理 ? 乐器的要求 第七章? 性格与情绪 第八章? 旋律与主题 ? 声乐旋律 ? 器乐旋律 ? 旋律与主题 第九章? 关于自我检验 ? 如何进行自我检验 第二部分? 小型曲式 第十章? 小三部曲式（A-B-A'） ? 小三部曲式 ? 对比的中间段 ? 谱例说明 ? 上拍和弦 ? 再现部 第十一章? 非偶数、不规则、不对称的结构 第十二章? 小步舞曲 ? 曲式 ? 三声中部 第十三章? 谐谑曲 ? A段 ? 转调的对比中段 ? 练习形式 ? 再现部 ? 延伸、插段与小尾声 ? 尾声 ? 三声中部 第十四章? 主题与变奏 ? 主题的结构素质 ? 主题与变奏之间的关系 ? 变奏的动机 ? 变奏动机的产生 ? 变奏动机的应用与加工 ? 变奏中的对位 ? 为变奏打稿 ? 谱例126的说明 ? 一整套变奏的组织 第三部分? 大型曲式 第十五章? 大型曲式的各个部分（附属形式) ? 过渡段 ? 具有独立主题的过渡段 ? 从前面的主题发展出来的过渡段 ? 再过渡段 ? 副主题组 ? 抒情主题 ? 尾声 第十六章? 回旋曲式 ? 行板曲式（ABA与ABAB) ? 其他简单回旋曲 ? 再现部中的变奏与变化（正主题) ? 再现部中的变奏与改动（副主题组) ? 大型回旋曲式（ABA—C—ABA) ? 奏鸣回旋曲式 第十七章? 奏鸣曲快板（乐章的曲式) ? 奏鸣曲快板 ? 呈示部 ? 正主题（或正主题组) ? 过渡段 ? 副主题组 ? 加工部 ? 再过渡段 ? 再现部 ? 尾声 ? 结束语 附录

音乐的色彩与形态：一部探索声音构造与情感表达的理论专著 书名：和声的织锦：西方音乐结构深度解析 作者：阿瑟·霍尔姆斯 (Arthur Holmes) 出版社：和声工坊 (Harmonic Workshop Press) 出版年份：2023年 --- 导言：超越音符的架构 《和声的织锦：西方音乐结构深度解析》并非一本关于如何“创作”音乐的实用指南，而是一部旨在解构西方音乐语言的深层逻辑、形态演变及其在情感叙事中作用的理论文献。本书将焦点置于声音材料——旋律、和声、节奏、复调——如何在时间维度上被组织、交织和塑形，从而构建出宏大且具有内在说服力的音乐结构。我们试图超越对特定技巧的机械描述，深入探究驱动巴洛克、古典、浪漫乃至二十世纪早期音乐“有效性”的底层规则与美学观念。 本书的读者群体定位是具备一定音乐基础，渴望从“演奏者”或“欣赏者”的直观感受跃升至“分析者”和“理论家”视角的音乐学生、研究人员、作曲家及资深乐迷。它假定读者对基础乐理（如五线谱记谱法、基础三和弦）已有认知，并致力于拓展对音乐形态学、语境分析和结构主义的理解。 --- 第一部分：音高组织与调性框架的构建 本部分聚焦于西方音乐最核心的组织原则——调性（Tonality）的起源、发展及其在不同历史时期的具体体现。 第一章：前调性时代的音高系统与模态思维 (Pre-Tonal Systems and Modal Thought) 本章首先回顾了中世纪教会调式（如多利安、弗里吉亚调式）的音高排列规则及其在早期复调音乐中的应用。我们将分析模态音乐如何通过其独特的音高色彩而非明确的功能和声来构建张力与解决。重点探讨了“终止感”在模态语境下的模糊性与多样性，并对比了古希腊音律与后世的平均律差异。 第二章：大调与小调的兴起：功能和声的奠基 (The Rise of Major and Minor: Foundations of Functional Harmony) 此章深入剖析了从文艺复兴晚期向巴洛克早期过渡过程中，自然音阶如何逐渐被明确地转化为大调与小调体系。详细阐述了“导音”（Leading Tone）的引入对调性中心确定性的决定性影响。我们将通过分析蒙特威尔第、巴赫早期作品中的固定低音进行研究，展示功能和声 (Functional Harmony)——即主和弦（Tonic）、属和弦（Dominant）和下属和弦（Subdominant）三者的紧张与释放关系——是如何成为时间艺术的驱动力的。 第三章：调性空间的拓展与色彩的深化 (Expansion of Tonal Space and Deepening Color) 聚焦于十八世纪晚期至十九世纪中叶的调性实践。本章的核心在于解析转调 (Modulation) 技术的复杂化。我们不再满足于简单的近关系转调，而是探讨如何通过副属和弦 (Secondary Dominants)、和弦副属和弦 (Secondary Dominants of Dominants) 以及更激进的平行调式关系 (Parallel Key Relationships) 来暂时扩展或模糊调性中心。贝多芬和舒伯特的某些乐章被用作案例，展示调性“冲突”如何成为戏剧张力的主要来源。 --- 第二部分：时间与节奏的形态学 音乐的结构不仅存在于音高层面，更根植于其在时间中的流动性。本部分解析了节奏、节拍和乐句的组织原理。 第四章：节拍的层次结构与韵律的划分 (Metric Hierarchy and Rhythmic Grouping) 本章区分了“节拍”（Meter，底层组织）与“节奏”（Rhythm，表层流动）。我们将研究不同文化背景下节拍的构成方式，并详细分析复合节拍 (Compound Meter) 与异位节拍 (Asymmetrical Meter) 如何影响听者的预期。重点分析了古典奏鸣曲式中对规律节拍的依赖性，以及浪漫主义作曲家如何通过切分音 (Syncopation) 和休止符的精确放置来打破这种规律，营造流动感。 第五章：乐句的句法与结构逻辑 (Phrasing Syntax and Structural Logic) 音乐的“语法”体现在乐句的构建上。本章引入了音乐形态学的分析工具，研究“提问-回答”（Antecedent-Consequent） 乐句结构。我们将探讨乐句的长度（通常为四小节或八小节的倍数）如何建立一种结构上的“平衡感”或“失衡感”。此外，还研究了周期性结构 (Periodic Structure) 在宣叙调和咏叹调中的应用，以及如何通过延长乐句或使用模进 (Sequence) 来延迟高潮的到来。 --- 第三部分：复调织体与结构形态的动态张力 如果说和声提供了色彩，那么复调（Polyphony）则提供了音乐的骨架和驱动力。 第六章：对位法：线条的独立与互动 (Counterpoint: Line Independence and Interaction) 本章超越了简单的“两条旋律相遇”的概念，专注于对位法 (Counterpoint) 的美学原则。详细解析了巴赫赋格曲中主体（Subject）和应答（Answer）的严格规则，特别是调性应答 (Tonal Answer) 与真实应答 (Real Answer) 之间的微妙差异及其对整体调性色彩的影响。探讨了如何通过声部交织 (Voice Leading) 维持线条的清晰度，即使在多达四五条独立旋律共存的情况下。 第七章：奏鸣曲式的动力学：主题的冲突与统一 (The Dynamics of Sonata Form: Thematic Conflict and Unity) 本章将奏鸣曲式视为一种宏大的结构叙事——调性冲突的戏剧 (Tonal Drama)。我们不再将奏鸣曲式视为僵硬的模板，而是将其视为一种围绕呈示部 (Exposition) 的主要冲突（主题一与主题二的调性对立）、展开部 (Development) 的主题碎片化与探索，以及再现部 (Recapitulation) 的最终统一过程。重点分析了如何通过副属和弦的巧妙运用和转调的复杂性来衡量一位作曲家在结构组织上的创新程度。 第八章：变奏的艺术：主题的衍生与重塑 (The Art of Variation: Thematic Derivation and Reshaping) 本章讨论了变奏曲（Variations）的结构哲学，即在保持主题核心身份的同时，对织体、节奏、和声框架进行最大程度的解构与重构。对比分析了通俗变奏（Paraphrase Variations）和固定低音变奏（Basso Ostinato Variations）的内在逻辑。通过对勃拉姆斯晚期作品和巴赫《哥德堡变奏曲》的分析，揭示变奏如何从简单的装饰发展成为一种深刻的哲学探讨——关于“不变”与“易变”的关系。 --- 结论：结构作为情感的载体 本书的最终目标是使读者认识到，复杂的音乐结构并非为炫技而生，而是服务于特定历史语境下的情感表达需求。从巴洛克的严谨对位到浪漫主义的调性模糊，每一种结构选择都是作曲家在声音材料的限制范围内，所能达到的最有效叙事方式。掌握这些原理，将使聆听和分析体验从被动接受转变为主动洞察声音背后的宏伟蓝图。本书旨在提供一把钥匙，去开启理解西方音乐艺术——这种跨越数百年构建起来的听觉建筑——的深层奥秘。

评分☆☆☆☆☆

当我翻开《作曲基本原理》的扉页时，我并没有预设它会给我带来多么颠覆性的体验。毕竟，音乐理论的书籍市场已经相当成熟，质量参差不齐。然而，这本书的出现，却让我眼前一亮。它不仅仅是一本“教你如何作曲”的书，更像是一本“带你理解音乐”的百科全书。书中对于和声学部分的讲解，是我见过最细致和最具条理性的。从最基础的三和弦、七和弦的构成，到复杂的转调、离调技巧，作者都用深入浅出的语言进行剖析，并且大量引用了不同时代、不同作曲家的作品作为例证，这使得枯燥的和声理论变得生动有趣。我尤其欣赏书中关于“和声的功能性”的论述，这让我明白了为什么某些和弦组合听起来如此和谐，而另一些则会产生出人意料的效果。此外，书中对于曲式结构的分析也极为精彩。从简单的二部曲式、三部曲式，到复杂的奏鸣曲式、回旋曲式，作者都详细地阐述了它们的构成要素、发展逻辑以及在不同作品中的具体应用。通过对这些曲式结构的深入理解，我开始能够“听懂”音乐的骨架，也更能把握作品的整体脉络。这本书的价值在于，它提供了一个清晰的框架，让我在面对复杂的音乐作品时，不再感到茫然，而是能够有条理地去分析和理解。它不仅提升了我对音乐的鉴赏能力，更重要的是，为我未来的音乐创作打下了坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

我一直对那些能够创作出动人心魄的旋律的音乐家们充满了敬佩，也常常梦想着自己能够拥有那样的才华。《作曲基本原理》这本书，则为我打开了一扇通往音乐创作奥秘的大门。它以一种极其系统和专业的方式，解析了音乐创作的各个环节。我尤其被书中关于“音乐的语汇”的探讨所吸引。作者将旋律、节奏、和声、曲式等元素，比作是音乐的“词汇”和“语法”，并详细讲解了如何运用这些“语汇”来构建富有表现力的音乐“句子”。他分析了不同旋律走向、节奏变化所蕴含的情感意义，以及和弦进行如何营造出特定的情绪氛围。读到这里，我才恍然大悟，原来音乐的每一个细节都蕴含着深刻的表达意图。书中的许多章节都深入探讨了音乐的“形式美”，比如对称性、对比性、统一性等原则在音乐作品中的体现。这让我意识到，优秀的音乐作品不仅要有情感的充沛，更要有严谨的结构和精巧的布局。作者还鼓励读者去模仿和借鉴大师们的作品，通过分析他们的创作手法来提升自己的技巧。这本书为我提供了一个非常完整的学习蓝图，让我能够系统地、有针对性地去提升自己的音乐创作能力。它不仅仅是一本教材，更像是一位经验丰富的导师，引领我一步步走进音乐创作的奇妙世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就非常吸引我，柔和的色调和简洁的排版，透露出一种沉静而专业的学术气息。我本身对音乐理论一直有着浓厚的兴趣，但总觉得系统性的知识体系有些遥不可及，尤其是涉及到作曲的那些“秘而不宣”的原理。拿到《作曲基本原理》这本书，我立刻被它扎实的理论功底和清晰的讲解方式所打动。书中的每一个章节都像是在为我铺设一条通往理解音乐本质的道路，从最基础的和声走向到复杂的曲式结构，再到色彩丰富的配器法，作者都用一种循序渐进的方式来阐述，让人感觉学习作曲并非是高不可攀的艺术，而是可以通过系统学习掌握的技艺。我特别喜欢作者在讲解某些复杂概念时，穿插的生动案例分析。比如，在讲到动机发展时，他引用了莫扎特和贝多芬的经典乐段，并通过图文并茂的方式，一步步揭示了作曲家是如何将一个简单的音乐火花，发展成气势磅礴的乐章。这种“解剖”经典作品的方式，让我对音乐的理解瞬间提升了一个层次。而且，书中的语言非常精准，既有学术的严谨性，又不失通俗易懂的生动性，即使是初学者，也能在其中找到自己的学习路径。我觉得这本书对于那些想要深入了解音乐创作，或者希望将自己对音乐的热爱转化为实际创作能力的爱好者来说，绝对是一本不可多得的宝藏。它不仅提供了知识，更点燃了学习的热情，让我迫不及待地想要开始自己的创作尝试。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，音乐的魅力在于它能够超越语言，直接触及我们的灵魂。但如何才能有效地将内心的情感和想法，转化为一段能够打动人心的旋律，却是我长期以来困扰的问题。《作曲基本原理》这本书，就像一位循循善诱的导师，为我指明了方向。它没有那些空泛的理论说教，而是将作曲的每一个步骤都分解得异常清晰。例如，书中在讲解旋律创作时，不仅分析了旋律线条的起伏、节奏的安排，还深入探讨了音程选择对情感表达的影响，这一点对我来说尤为重要。我之前创作的旋律总是显得有些平淡，缺乏灵魂，读完这部分后，我才意识到自己在旋律的“骨架”和“血肉”的塑造上存在很多不足。作者还鼓励读者多动手实践，书中提供了大量的练习题，涵盖了从简单的和弦编配到复杂的乐句构建。我尝试着完成其中的一些练习，虽然初期会遇到困难，但在反复揣摩和尝试的过程中，我逐渐体会到了理论与实践相结合的乐趣。更令我惊喜的是，这本书还涉及到了不同风格音乐的创作特点，比如古典主义的严谨、浪漫主义的奔放，以及一些现代音乐的创新手法。这为我打开了更广阔的视野，让我不再局限于自己熟悉的音乐领域，而是能够以更开放的心态去探索和学习。这本书的价值，绝不仅仅停留在理论层面，它更是激发了我源源不断的创作灵感，让我对未来的音乐探索充满了信心。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对音乐怀有深厚情感，但又缺乏系统音乐教育背景的业余爱好者，我一直在寻找一本能够填补我知识空白，同时又能激发我创作欲望的书籍。《作曲基本原理》这本书，无疑满足了我的所有期待。书中的内容详实，涵盖了从音乐基础知识到高级作曲技巧的方方面面。我最喜欢的章节是关于“配器法”的讲解。在此之前，我一直认为配器是音乐创作中非常高深的学问，难以掌握。但这本书通过对各种乐器的音色、音域、演奏特性的详细介绍，以及不同乐器组合的典型搭配方式，让我对配器有了一个全新的认识。作者还提供了大量不同乐器组合的听觉示例，让我能够直观地感受到不同配器所带来的色彩变化和情感差异。这种“耳濡目染”的学习方式，对于我这样的初学者来说，简直是福音。而且，书中并没有局限于理论的堆砌，而是强调“实践出真知”。它鼓励读者在学习理论的同时，积极地进行音乐创作。书后附带的各种练习，从简单的旋律填空到完整的乐曲片段创作，都为我提供了宝贵的实践机会。通过这些练习，我不仅巩固了所学的理论知识，更重要的是，我开始逐渐建立起自己的创作自信。这本书让我明白，作曲并非是天才的专利，而是可以通过科学的方法和持之以恒的努力来实现的。