施云翔全3册山水画技法讲座 写生 临摹 创作篇 国画水墨画临摹画册绘画书籍 初学者毛笔绘画美术入门教 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 广结良缘图书专营店

出版社： 福建美术出版社

ISBN：9787539328225

商品编码：27423445946

丛书名： 施云翔

商品的基本信息，以下列介绍为准

商品名称：	施云翔山水画技法讲座 全3册
作者：
市场价：	150元
ISBN号：
出版社：	福建美术出版社
商品类型：	图书

其他参考信息（以实物为准）

装帧：平装	开本：8开	语种：简体中文
出版时间：2013年1月1日	版次：1	页数：
印刷时间：	印次：	字数：

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《当代中国画名家工作室教学系列丛书?施云翔山水画技法讲座》是当代中国画名家工作室教学系列丛书，《当代中国画名家工作室教学系列丛书?施云翔山水画技法讲座》是施云翔同志的山水画集，教授山水画的绘画技法。施云翔是近年来在中国画坛初露头角的山水画家，也是深具潜力的一代新秀。成就和造诣把他推上了艺术院校的讲坛。

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内容简介

《当代中国画名家工作室教学系列丛书?施云翔山水画技法讲座》的作者他在创作上以现实主义精神为基础，融入浪漫主义色彩。他笔下的山水，气势恢宏，雄秀壮阔，烟波浩渺，光影迷离气象万千，浸透着四川名山大川的秀美神韵和大自然的奇幻灵动。

作者简介

施云翔，清华大学美术学院全国美术理论研究与书画创作高研班教授，施云翔青绿彩墨山水画专项研修班导师，《中国艺术家》杂志执行主编，徐悲鸿画院副院长，大风堂画学研究会会长。学术成就：其近年编著的《中国画学谱·云雾山水卷》、《山水画导学范本》、《山水技法丛书》、《当代中国画名家技法讲座》等先后由天津人民美术出版社、河南美术出版社、江西美术出版社、大连美术出版社及福建美术出版社等出版发行。其编写的《山水技法讲座》分期连载于中国书画报。论文《论中国画的意象道学观》、《中国画的立意与美学思想》两篇被收入国家文化部中国艺术研究院艺术评论杂志《文艺年志》，部分学术文章发表于国内各类艺术刊物及报刊。艺术思想：从中国画的文化立场出发，以“推进笔墨艺术”为己任，强调中国画应恪守“笔墨当随时代”的原则，追求雄浑、苍茫、磅礴大气和厚重、力健的境界，推崇具有正大气象的艺术表现形式。提倡独立思考，探索创新。追求“厚、重、沉、稳”的人格精神和笔墨品质合二为一的艺术风格。

目录

写生篇 临摹篇 创作篇

精彩内容

深入研究中国画的形式语言和山水画的笔墨形态，离不开三个基本点，即点、线、面。  点在绘画形态上是疏密分布的调整与设置，除了表现符号化的演绎，还有点睛提醒的作用。  线对画面的组织结构存在极其重要的作用，其间同样存在不可分割的联系。线质的不同会带来不同的表现性，而线形的不同也会带来不同的感觉。线质的干、湿、枯、涩能表现出不同山石结构机理细节微妙的变化，而线形的曲、直、长、短、粗、细的形态变化，使画面的物象变得更加丰富自然。让物象势态的自然变化与笔墨形态的丰富变化有机结合起来，充分体现笔墨的内涵和表现力。  面的方圆变化基本是在点线之间和墨色深浅之中产生的。中国画因笔墨的发展改变了过去空勾无皴的平面结构，而笔墨结构使中国画的面有了阴阳之分。在笔墨的形态上，往往阴面藏于墨，阳面露于笔，在对比关系中产生艺术效果。一藏一露，这就是中国画笔墨内涵的阴阳之道。“一阴一阳谓之道”，这也是中国道家的哲学思想。  笔墨是中国画的形式语言，也是一种载体，它承载的是中华文化、中国历史、中华民族延绵不绝的文脉及其精神。

好的，这是一份图书简介，内容不包含您提供的书目信息，并力求详尽自然。 --- 《光影织就的史诗：西方油画大师的色彩哲学与叙事结构》 一、 跨越时空的对话：从文艺复兴的曙光到印象派的瞬间 本书并非仅仅是一本关于油画技法的工具书，而是一部深入剖析西方绘画艺术发展脉络、探讨色彩理论与叙事张力的思想史读物。我们旨在搭建一座桥梁，连接古代大师的严谨结构与现代流派的自由精神，引导读者在画布的方寸之间，理解光线如何塑造形体，色彩如何承载情感，构图如何引导视线。 1. 深度解析文艺复兴的科学与人文精神： 我们将首先聚焦于十五世纪至十六世纪的佛罗伦萨与威尼斯画派。不同于传统对“黄金时代”的浪漫化描绘，本书着重于解析透视学（Perspective）的数学基础如何被应用于二维空间，创造出令人信服的深度感。例如，我们将详细拆解马萨乔《圣三位一体》中线性透视的精确应用，并对比达芬奇在《最后的晚餐》中，如何利用焦点透视来戏剧化人物关系的布局。 在色彩运用上，我们会深入探讨威尼斯画派对“色彩优先”（Colorito）的坚持，特别是提香（Titian）如何通过油画媒介的特性，实现色彩的层次叠加与光泽的细腻表达。我们不会止步于描述“他们画得美”，而是探究“他们为何能画得如此震撼”——这背后是化学颜料的改良、对光线物理特性的理解以及对人体解剖学的刻苦钻研。 2. 巴洛克时期的戏剧性与情绪张力： 巴洛克时期（十七世纪）是油画叙事进入高潮的阶段。本书将细致研究卡拉瓦乔（Caravaggio）革命性的明暗对比法（Chiaroscuro）及其更极端的光影剧场（Tenebrism）。我们将分析，艺术家如何利用极端的黑暗背景来突出被神圣或戏剧性光源照亮的焦点人物，这种手法如何服务于反宗教改革时期的情感动员需求。 此外，鲁本斯（Rubens）的动态构图和丰富肉体感的表现，以及伦勃朗（Rembrandt）晚期作品中，那近乎抽象的、由光线雕刻而成的内部精神世界的表达，都将作为核心案例进行深入剖析。我们提供的不是简单的技法模仿，而是对这些大师如何通过光影控制来“讲述”故事的哲学思考。 二、 从古典的束缚到现代的解放：构图、笔触与主观性 进入十八、十九世纪，绘画的重心从再现外部世界转向表达内在感受，油画的物质性——笔触（Impasto）本身——开始获得了前所未有的重要性。 1. 洛可可的轻盈与新古典主义的回归： 我们将探讨十八世纪洛可可风格中，如华托（Watteau）作品里那种丝绸般柔和的过渡，以及对贵族生活闲适氛围的营造，这与紧随其后的雅克-路易·大卫（Jacques-Louis David）所倡导的、源自古罗马雕塑的清晰线条和道德力量形成了鲜明对比。这种风格的转变，体现了社会思潮对艺术标准的重塑。 2. 浪漫主义的激情与风景画的独立： 浪漫主义时期，风景画从历史画的陪衬中解放出来。特纳（J.M.W. Turner）对空气、水汽和光线转瞬即逝的捕捉，本质上是对油画媒介表现力的极致探索。本书将分析他如何开始瓦解清晰的形体界限，为后来的印象派埋下伏笔。这种对“可见世界”的非理性、情感化处理，是理解现代艺术的关键一步。 3. 印象派与后印象派：色彩理论的实战检验： 印象派的革命在于“捕捉瞬间”，这直接挑战了传统绘画“完成度”的概念。莫奈（Monet）的作品不再关注物体的固有色，而是关注光线照射在物体上所产生的瞬间色彩变化。本书将引入基础的色彩对比理论，解释为什么塞尚（Cézanne）需要用冷暖色块的并置来构建结构，以及梵高（Van Gogh）如何利用高饱和度的并置色彩来传达强烈的内心波动，而非仅仅记录外部景象。 三、 油画的物质性与媒介的解放 本书的后半部分，将深入探讨油画作为一种材料的独特属性，这是水墨等其他画种无法比拟的。 1. 油的性质与媒介的混合： 我们将详细阐述亚麻籽油、核桃油等媒介在调和颜料中的作用，如何影响颜料的干燥速度、光泽度以及透明度。从早期大师对“透明罩染”（Glazing）的精妙运用，到十九世纪画家为追求速度而采用的直接画法（Alla Prima），我们将探讨媒介技术如何直接服务于艺术家的创作意图。 2. 笔触作为语言： 笔触不再是隐藏的工具，而成为了表达的载体。本书将对比分析笔触的不同质感：从古典时期追求的“隐形笔触”到后印象派中厚涂的“雕塑感笔触”。读者将学习如何通过调整画笔的种类（猪鬃、貂毛等）和用量，来控制颜料在画布上的堆积和流动，从而赋予作品不同的触感和生命力。 结语：构建属于你自己的视觉词典 《光影织就的史诗》提供给读者的，不是一套僵硬的步骤指南，而是一个理解和解读西方视觉传统的框架。通过对历史、哲学、化学与美学原理的综合梳理，我们希望读者能够超越简单的模仿，真正掌握大师们在特定历史情境下，是如何利用光、影、色、形，构建出那一个个永恒的、充满力量的视觉叙事。最终目标是激发读者，在面对空白画布时，能够自信地选择最适合自己表达的“视觉语言”。

评分☆☆☆☆☆

我最近入手了这本书，感觉打开了新世界的大门。它并没有直接给你一些生硬的绘画公式，而是通过一种循序渐进、启发思考的方式来引导读者。比如，在写生部分，作者强调的是“观察”的重要性，教你如何从自然的万千变化中捕捉最能打动你的元素，并用笔墨去表现。这一点对我来说非常关键，因为我之前总是照猫画虎，缺乏自己的理解。书中的临摹部分，更是把我带入了古代大师的创作世界，通过模仿他们的笔法和构图，我逐渐领悟到了笔墨的韵味和力量。作者对于不同时代、不同流派的作品都有独到的见解，分析得非常透彻。最让我惊喜的是创作篇，作者鼓励我们从生活出发，从自己的情感体验出发来创作，而不是被动的去模仿。这种“以我为主”的创作理念，让我觉得绘画不再是一件枯燥的事情，而是充满乐趣和个性的表达。这本书的讲解方式非常人性化，它不会让你感到压力，反而会激发你的创作欲望。而且，书中的一些小技巧，比如如何调墨、如何用笔，都写得非常实用，对我这样想入坑水墨画的朋友来说，真是太及时了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的视角非常独特，它不仅仅是一本技法书，更像是一次与大师对话的旅程。作者在书中分享了他多年来对山水画的理解和感悟，那种对自然的热爱和对艺术的追求，字里行间都能感受到。我非常喜欢书中关于“意境”的探讨，作者解释了如何通过笔墨来传达画面的情感和氛围，这对我来说是非常宝贵的启示。我之前画山水，总觉得画面缺少灵魂，看过这本书后，我才明白，原来绘画不仅仅是技巧的堆砌，更是情感的抒发。书中还提供了很多不同风格的临摹范例，从北派的雄浑到南派的秀润，都有涉及，这为我们提供了一个广阔的学习平台。我特别喜欢作者关于“虚实相生”的讲解，如何运用留白来表现空间感和意境，这确实是一门高深的学问。而且，书中还鼓励读者大胆尝试，不要害怕犯错，要在实践中不断摸索和成长，这种积极的创作理念，让我受益匪浅。这本书的排版也很舒服，文字和图片分布合理，阅读起来一点也不费力。我感觉自己通过这本书，不仅仅是学会了画画，更是对中国传统文化有了更深的认识和理解。

评分☆☆☆☆☆

这本施云翔的山水画技法讲座，我真的非常喜欢！拿到手的时候就被它沉甸甸的质感和精美的封面吸引了。翻开后，我更是爱不释手。书中的内容非常系统，从基础的山石、树木、云水画法，到如何运用不同的笔墨皴法，都讲解得非常细致。我尤其欣赏书中关于写生部分的指导，作者用大量的写生范例，教会我们如何观察自然，如何提炼景物的神韵。那些写生作品，每一幅都充满了生命力，仿佛能闻到泥土的芬芳，听到溪水的潺潺。而且，作者并没有止步于写生，还深入浅出地讲解了如何通过临摹名家作品来学习笔墨技巧，以及如何将学到的技法融会贯通，最终形成自己的创作风格。书中的文字讲解清晰易懂，搭配的图例也非常丰富，即使是初学者，也能很容易地找到切入点。我之前对国画一直很感兴趣，但总觉得无从下手，这本书就像一位和蔼的老师，一步一步地引导我，让我对绘画充满了信心。它的装帧也很棒，纸张的质感很好，印刷也非常清晰，画作的细节都得以完美呈现。总而言之，这本书是我绘画道路上的一位良师益友，强烈推荐给所有热爱国画的朋友们！

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉就像是在进行一场心灵的洗礼。作者在书中不仅仅是教授绘画技巧，更是分享了他对艺术、对人生的感悟。我特别喜欢书中关于“气韵生动”的讨论，这不仅仅是绘画的最高境界，更是我们追求生活品质的一种体现。在写生部分，作者鼓励我们要“师法自然”，但更重要的是“师法造化”，要通过自己的眼睛去观察，用心去体会，才能画出有生命力的作品。这一点我深有体会，因为我之前总是局限于书本上的范例，画出来的东西总显得呆板。书中关于临摹的讲解，也让我受益匪浅。作者并没有让我们死记硬背，而是让我们去理解每一种笔法的含义，去体会不同大师的风格，然后从中汲取养分。我尤其喜欢书中关于“胸有成竹”的阐述，如何通过积累和思考，最终在创作中达到一种自由挥洒的状态。这本书不仅仅是传授绘画技巧，更是引导我们如何去感受美、表达美，让我对国画的理解上升到了一个新的高度。它的文字优美，意境深远，读起来就像在品味一首诗，一幅画。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书，我就迫不及待地翻看了起来。它在技法上的讲解非常全面，从最基础的笔墨运用，到复杂山水的构图，都讲解得非常到位。我印象最深的是关于“皴法”的讲解，书中详细列举了各种皴法的特点和适用场景，并且配有大量的范例，让我能够一目了然地理解。这对于我这样想要深入学习国画的初学者来说，实在是太重要了。书中的写生部分，教会了我如何去捕捉自然景物的形态和神韵，如何通过笔墨来表现不同的质感。让我惊叹的是，作者在讲解临摹时，并没有简单地复制，而是引导我们去分析和理解名家作品的精髓，这让我能够真正地从大师那里学到东西，而不是停留在表面。最让我兴奋的是创作篇，作者鼓励我们要“形神兼备”，既要画出物体的外在形态，也要画出它的内在精神。这一点对于提升我的创作水平非常有帮助。这本书的内容逻辑清晰，循序渐进，让我能够一步一步地扎实学习，并且充满了实践指导，让我能够边学边练，学有所用。我感觉这本书就像一位经验丰富的老师，能够带领我走出绘画的迷茫期。