基本乐理教程修订版 音乐自学丛书 作曲卷 人民音乐出版社 晏成佺 童忠良 著 乐理知识 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103030202

商品编码：25280321732

丛书名： 基本乐理教程(作曲卷修订版)音乐自学丛书

开本：32

出版时间：2006-05-01

目录 章 音的长短 §1.音符 §2.音符的规范写法 §3.休止符 §4.附点 §5.音符时值的基本划分与特殊划分 §6.其他增时记号 练习   第二章 节奏与节拍 §1.节奏、节拍的概念 §2.拍子与拍号 §3.拍子的类型 §4.散拍子与变拍子 §5.击拍与指挥图式 §6.切分音 §7.音值组合法 §8.节拍的正确划分 练习二   第三章 音的高低 §1.音列与音级 §2.音列分组 §3.变音与等音 §4.五线谱 §5.谱号 §6.谱表 练习三   第四章 音程 §1.旋律音程与和声音程 §2.音程的级数与音数 §3.自然音程与变化音程 §4.构成音程的方法 §5.单音程与复音程 §6.音程的转位 §7.等音程 §8.协和音程与不协和音程 练习四   第五章 大小调体系（一）——调式、大调式 §1.调式及音阶的概念 §2.自然大调的音阶结构 §3.调与调号 §4.等音调与调的五度循环 §5.和声大调与旋律大调 §6.大调中的稳定音与不稳定音 §7.唱名法 练习五   第六章 大小调体系（二）——小调式、平行调 §1.自然小调的音阶结构 §2.平行调 §3.小调的名称及调号 §4.和声小调与旋律小调 §5.正确使用临时升降号的方法 §6.小调中的稳定音与不稳定音 §7.大调色彩与小调色彩 §8.辨明各种大、小调式的要点 练习六   第七章 民族调式、中古调式 §1.五声调式 §2.五声调式的音阶结构 §3.五声调式的扩大 §4.七声调式 §5.同宫系统调及其调号 §6.辨别各种民族调式的要点 §7.中古调式 练习七   第八章 和弦 §1.三和弦 §2.转位三和弦 §3.七和弦 §4.转位七和弦 §5.等和弦 §6.大小调式中的和弦 §7.不协和和弦的解决 练习八   第九章 调的关系 §1.大小调式的近关系 §2.中国传统调式的近关系 §3.同主音大小调式 §4.同主音五声调式 练习九   第十章 调的转换 §1.转调 §2.离调 §3.调式交替 §4.移调 练习十   第十一章 调式变音与半音阶 §1.调式变音及其记谱 §2.具有典型意义的调式变音 §3.调式变音与辅助音、经过音 §4.调式变音与副导音 §5.调式半音阶 §6.调式半音阶的写法 练习十一   第十二章 速度、力度与演奏法记号 §1.速度 §2.力度 §3.演奏法记号 练习十二   第十三章 装饰音与略写记号 §1.装饰音 §2.略写记号 §3.震音记号 §4.音型反复记号 §5.自由反复记号 §6.段落反复记号 §7.段落反复术语 §8.八度记号 练习十三   第十四章 近现代乐理知识 §1.同中音调与重同名调 §2.中古调式的 §3.人工调式 §4.半音阶的其他记谱法 §5.十二音技法 §6.现代记谱法 练习十四   第十五章 中国古代乐理知识 §1.三分损益法 §2.十二律 §3.八十四调 §4.“之调式”与“为调式” §5.额曾阶名体系 §6.工尺谱常识 练习十五   第十六章 律学常识 §1.平均律与音分 §2.泛音列 §3.五度相生律 §4.纯律 §5.五度律与平均律的比较 §6.三种律制大音阶的比较 练习十六 附录一：常用音乐术语 附录二：基本乐理试卷 试卷 试卷二 试卷三 试卷四 试卷五 试卷六 附录三：习题与试卷选答

穿越时空的音乐秘境：一部关于中世纪欧洲音乐文化的深度探寻 书名：《吟游诗人的回响：中世纪欧洲音乐的信仰、宫廷与民间叙事》 作者：[虚构作者姓名，如：伊莎贝尔·德·拉菲尔] 出版社：[虚构出版社名称，如：博雅文史出版社] --- 内容简介 本书并非一部枯燥的乐理分析或技巧指导手册，而是一次穿越时空的深沉回望，旨在揭示九世纪至十五世纪，在欧洲广袤的土地上，音乐如何作为信仰的载体、权力的象征以及民间情感的出口，塑造了那个复杂而迷人的时代精神。 我们摒弃了将中世纪音乐视为“黑暗时代”前奏的传统偏见，转而聚焦于这一千年间音乐形式、功能与社会语境之间那些微妙而深刻的互动关系。本书的核心在于重建音乐的“生态系统”，探究那些如今已然失传或被重新诠释的听觉景观。 第一部分：信仰的殿堂——格里高利圣咏与修道院的声景 中世纪的欧洲，教会是知识和艺术的守护者，而音乐，尤其是格里高利圣咏（Gregorian Chant），则是神圣秩序的听觉体现。本书将深入剖析圣咏的起源、发展及其在礼拜仪式中的核心地位。 一、文本与旋律的共生： 我们将详细考察拉丁文文本与单一旋律线（Monophony）的严密结合。不同于后世复杂的复调，圣咏的魅力在于其对文本意蕴的极致服从。我们将探讨不同调式（如教会调式）如何通过其独特的音高和音程关系，烘托出特定经文的情感色彩——从忏悔的低语到赞美的宏大。重点分析《安息日弥撒曲》中“垂怜经”（Kyrie）与“羔羊颂”（Agnus Dei）在结构和情感上的差异性处理。 二、记谱法的演进与知识的传播： 从早期的纽姆（Neumes）符号到更为精确的四线谱的出现，记谱法的发展不仅仅是技术的进步，更是对音乐知识普惠化的关键一步。我们将考察圣本笃会（Benedictine Order）在保存和传播这些无字之书（即音乐文献）中所扮演的角色，以及不同修道院中心（如克吕尼、圣加尔）在圣咏风格上的区域性差异。 三、神秘主义与音乐： 本部分还将触及修道士群体对音乐的哲学思考，探究柏拉图主义的“宇宙和谐”思想如何渗透进中世纪对纯净人声的追求中，以及为什么在很长一段时间内，乐器被视为“肉体”的诱惑，被排除在纯粹的礼拜音乐之外。 第二部分：宫廷的华彩——世俗音乐的崛起与抒情诗人的世界 随着卡洛林文艺复兴乃至后来的十字军东征，世俗生活逐渐从教会的阴影中浮现，为音乐提供了新的土壤。本书将详尽介绍法国南部的游吟诗人（Troubadours）和北部的行吟诗人（Trouvères）的音乐世界。 一、诗人的身份与“美好爱情”的规范： 我们将分析游吟诗人的社会地位——他们通常是贵族，但通过其艺术才能而非仅仅是出身获得尊重。重点探讨“美好爱情”（Fin’Amors）这一核心主题：这种高度程式化、充满矛盾的爱恋叙事，如何通过“赞美诗”（Canso）的形式被确立为中世纪贵族阶层的情感范本。本书将对几个关键的游吟诗人（如纪尧姆九世、贝尔纳特·德·旺塔多恩）的存世作品进行细致的文本与旋律分析。 二、音乐的世俗化与乐器的回归： 与修道院的纯人声不同，世俗音乐大量使用乐器伴奏。我们将详述当时主要的乐器家族，如鲁特琴（Lute）的前身、维奥尔琴（Vielle）以及管乐器（如肖姆管 Shawm）。本书将力图还原一场中世纪宫廷宴会上的声景，解释音乐在庆典、战争动员和爱情表白中的具体功能。 三、游士（Jongleurs）与民间叙事： 区分受过高等教育的诗人与流浪的艺人（Jongleurs/Minnesänger）至关重要。我们将考察这些民间音乐家如何通过口头传统传播新闻、笑话和更直白的民间歌谣，构建了一个与官方史学并行不悖的“民间历史”记录。 第三部分：技术革命——复调的诞生与“新艺术”的争论 中世纪音乐最伟大的技术突破是复调（Polyphony）的发展。本书将追踪这一复杂音乐语言从早期实验到成熟体系的蜕变。 一、奥尔加农的诞生（Organum）： 从巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）出现之前，对两部或多部独立声部进行结合的尝试是缓慢而谨慎的。我们将剖析“平行式奥尔加农”向“自由奥尔加农”过渡的关键意义，即声部间不再是简单的平行移动，而是获得了各自的旋律线条。 二、佩罗坦与集合音乐的结构： 莱奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）的创新性体现在他们对节奏的精确控制上。通过对这些早期复调作品（如《四部经文歌》）的结构分析，我们可以清晰地看到作曲家如何运用“节奏模式”（Rhythmic Modes）来组织长达数分钟的音乐段落，这标志着音乐从“自由节奏的圣咏”向“有明确节拍的音乐”的决定性转变。 三、新艺术（Ars Nova）与时间概念的重塑： 14世纪，菲利普·德·维特里（Philippe de Vitry）等人提出的“新艺术”是对现有节奏体系的革命性突破。我们将详细解读这一时期的记谱法如何允许更复杂的二元和三元分割，使得声部间的交叉与错位达到前所未有的复杂程度。同时，我们也必须正视这场技术革新所引发的保守派的抵制，以及它背后所反映的，中世纪晚期社会对精确性、复杂性和个体表达日益增长的需求。 结语：被遗忘的听觉遗产 本书最后将探讨中世纪音乐如何在文艺复兴和巴洛克时期被部分继承和大量“遗忘”的过程。我们试图证明，中世纪音乐并非僵死的历史遗迹，而是理解西方音乐思维定式——从调性概念的萌芽到节奏组织的逻辑——的必要起点。通过对文献、符号和历史语境的细致重构，我们邀请读者以一种全新的、充满活力的视角，重新聆听那些回荡在羊皮纸卷和石砌教堂中的、穿越了千年的吟唱与弦音。 本书特色： 跨学科视角： 融合音乐学、中世纪历史学、神学与社会人类学。 侧重语境： 强调音乐在特定仪式、政治或情感场景中的“使用价值”。 专业但不晦涩： 旨在为严肃的音乐爱好者提供深度见解，同时保持叙事的流畅与引人入胜。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计给我的第一印象就非常不错，封面上“基本乐理教程修订版”几个字非常醒目，字体的选择和排版都很专业，透露出一种严谨学术的气息。当翻开内页，纸张的质感也很好，不是那种劣质的、易泛黄的纸，印刷清晰，墨色均匀，长时间阅读也不会觉得刺眼。内容上，它在音乐理论的基础知识上做了非常细致的梳理，从最基础的音程、音阶到和弦的构成和连接，讲解都循序渐进，逻辑性很强。即使是初学者，也能从中找到清晰的学习脉络。其中关于和声色彩的运用，作者的阐述非常生动，不仅仅停留在理论层面，还结合了一些具体的音乐片段进行分析，这让我能更直观地理解抽象的理论概念。而且，书中提到的很多练习曲和分析案例，都非常有代表性，我在练习过程中，能明显感受到自己乐理知识的提升，对音乐的理解也更加深入了。对于我这样一个想要系统性学习作曲但又缺乏专业指导的人来说，这本书提供了一个非常好的起点。它让我明白，作曲并非凭空想象，而是建立在扎实的乐理基础之上。

评分☆☆☆☆☆

作为一本“修订版”，这本书在内容更新和编排上都做得非常出色。我之前接触过一些比较老的乐理书籍，虽然内容也很扎实，但在现代音乐的视角和一些新的理论发展方面，显得有些滞后。这本书在这方面做得很好，它在讲解基本概念的同时，也会融入一些现代作曲技法的思考，比如对某些非功能性和声的介绍，以及一些当代音乐作品的分析。这让我感觉学到的东西是与时俱进的，而不是被局限于某种经典的框架中。另外，修订版的排版也更加人性化，图表的运用更加合理，页面的布局也更清晰，阅读起来不容易疲劳。在讲解复杂概念时，作者会适时地插入一些图示或者表格，帮助读者更好地理解。我尤其赞赏书中关于“配器法”的部分，它不仅仅是简单介绍各种乐器的音色和音域，更重要的是分析了不同乐器组合产生的效果，以及如何根据音乐的情感需求来选择合适的配器。这对我进行更精细化的音乐创作非常有帮助。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我最大的感受就是乐理不再是枯燥的符号和规则，而是变成了一种可以“玩”的东西。作者在讲解过程中，穿插了大量的音乐史上的经典案例，从巴赫的复调到莫扎特的奏鸣曲，再到贝多芬的交响曲，通过对这些作品的乐理分析，让我深刻体会到乐理知识在音乐创作中的实际作用。我曾经对一些音乐大师的作品感到崇拜但又无从下手，现在通过这本书的引导，我开始能够“看懂”这些伟大的作品，甚至尝试去模仿其中的一些手法。书中对于“曲式结构”的讲解尤其精彩，它将复杂的乐曲分解成一个个小的组成部分，并分析了各个部分之间的逻辑关系，这让我对音乐的宏观结构有了更清晰的认识。在学习过程中，我尝试着将书中学到的内容应用到自己的小创作中，虽然成果还很稚嫩，但每一次小小的进步都让我充满信心。这本书就像一位循循善诱的老师，让我逐渐爱上了探索音乐的奥秘。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的亮点在于它将乐理知识与实际作曲创作紧密结合，这一点对于我这种急于将理论转化为实践的自学者来说，简直是及时雨。书中的很多章节并非简单地罗列乐理规则，而是会深入探讨这些规则在作曲中的实际应用，比如如何运用不同的调式来营造特定的情绪氛围，如何通过和弦进行的变化来增加音乐的戏剧性。我特别喜欢其中关于“动机发展”的章节，作者用了很多生动的例子，展示了一个简单的音乐动机如何经过变形、扩张、移位等手法，最终演变成一段完整的乐句甚至乐章。这种“由小见大”的教学方式，极大地激发了我创作的灵感。而且，书中提供的很多作曲练习，都非常有针对性，比如要求我用某种特定的和弦进行来写一段旋律，或者要求我模仿某位作曲家的小调手法来创作。这些练习不仅巩固了乐理知识，也让我逐渐形成了自己的创作思维。在阅读过程中，我发现很多以前听起来觉得“好听”但不知道为什么的音乐，现在通过这本书的分析，我能找到背后的原理，这让我非常有成就感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的特色在于它不仅仅教授“怎么做”，更重要的是教会“为什么这么做”。作者在讲解每一个乐理概念时，都会追溯其背后的历史渊源和发展演变，以及在不同音乐风格中是如何被应用的。这让我能够更深入地理解音乐理论的本质，而不是死记硬背。比如在讲到“终止式”时，书中不仅仅列举了各种终止式的形式，更重要的是分析了不同终止式所带来的情感效果和在不同历史时期是如何被使用和演变的。这种“知其然，更知其所以然”的学习方式，让我对音乐理论产生了更浓厚的兴趣。书中的“变奏手法”部分，对我启发很大，它展示了多种多样的变奏方式，从简单的旋律变奏到复杂的节奏、和声变奏，让我认识到音乐创作的无限可能性。在学习的过程中，我经常会停下来思考，然后去听一些例子，印证书中的观点。这种主动的学习方式，让我对音乐的理解不再是停留在表面，而是能够挖掘出更深层次的内涵。