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凌继尧 著

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出版社： 学林出版社

ISBN：9787548606048

商品编码：1677784210

出版时间：2013-12-01

作  者:凌继尧 著作 定  价:88 出 版 社:学林出版社 出版日期:2013年12月01日 页  数:556 装  帧:精装 ISBN:9787548606048 《西方美学史》遵循厘清思路、说清问题的宗旨，翔实、清晰、有比较地阐述了西方美学史演进的历程，并在不同层面，重点对一些以前表述简单的命题与判断作出了尽可能具体与展开的阐述，是对西方美学史富有创意的重新疏理，是西方美学史研究的近期新成果。 ● 希腊罗马美学
● 早期希腊美学
● 毕达哥拉斯及其学派
●第二节 赫拉克利特
●第三节 恩培多克勒
●第四节 德谟克利特
●第二章 智者和苏格拉底
● 智者
●第二节 苏格拉底
●第三节 小苏格拉底派
●第三章 柏拉图
● 学术生涯及著作风格
●第二节 理式论
●第三节 现实中的美
●第四节 模仿艺术
●第五节 艺术灵感
●第六节 小结
●第四章 亚里士多德
● 学术生涯及其特色
●第二节 本体论美学
●部分目录

内容简介

本书稿的作者由多年对西方美学的翻译、介绍到独立研究，系统梳理与阐述了西方从古希腊时代到近现代的美学传统、理论、流派、思潮等，并就诸多美学问题提出了自己具有创见性的观点，为西方美学史的研究提供了又一个独特的视角。 凌继尧 著作 凌继尧，美术家，东南大学教授、艺术学博士生导师。曾是*国美学大师朱光潜的关门弟子，著有《艺术形态学》、《审美经济学》等，并为“艺术学丛刊”主编之一。 

《静观世象：西方美学发展脉络与精神溯源》 一、 引言：何以观美？ 人类对美的探寻，如同对真理的追逐，贯穿古今，绵延不绝。它不仅是感官的愉悦，更是心灵的触碰，是对存在本质的深刻洞察。西方文明，以其独特的理性精神和人文关怀，孕育了丰富而深刻的美学传统。本书《静观世象：西方美学发展脉络与精神溯源》并非一部枯燥的学术梳理，而是一次深入人心的美学之旅，它试图带领读者穿越时空的迷雾，探寻西方美学思想的源头活水，理解那些塑造了我们视觉、听觉、乃至心灵感知的美学理念，是如何在历史的长河中演变、碰撞、融合，最终汇聚成今日我们所理解的“美”。 我们生活在一个信息爆炸的时代，充斥着各种视觉图像、听觉符号和感官刺激。然而，在如此繁盛的景象之下，我们是否真正理解了“美”的含义？我们是否能够区分表象与本质，喧嚣与宁静？西方美学，正是为我们提供了一种审视和解读世界的方式，一种理解人类情感、创造力和精神追求的钥匙。本书将聚焦于西方美学思想史上的关键时期、重要人物及其核心观念，力图勾勒出其清晰的发展脉络，并深入探究其背后深刻的精神溯源。我们将一同思考：什么是美？美从何而来？我们为何感知美？以及美在人类文明中扮演着怎样的角色？ 二、 希腊的理想：理性与和谐的肇始 西方美学的根基，深植于古希腊的哲学土壤。彼时，哲人们对世界的秩序、人生的意义以及艺术的本质展开了不懈的追问。 毕达哥拉斯与数的和谐： 毕达哥拉斯学派认为，宇宙的本质是数，而美则体现在数的和谐与比例之中。音乐的和谐音程，可以通过数学比例来解释，这为后来的形式美学奠定了基础。他们相信，和谐的秩序不仅存在于音乐和数学中，也存在于宇宙的宏观结构和人类社会的组织之中。这种对和谐与比例的追求，深刻影响了古希腊的建筑、雕塑等艺术形式，也塑造了西方人对“完美”的早期认知。 柏拉图的理念论： 柏拉图的美学思想，与他的理念论紧密相连。他认为，我们感官所能触及的现实世界，只是“理念世界”的影子，是残缺不全的摹本。真正的美，存在于永恒不变的理念世界之中。艺术作品是对现实世界的模仿，因此，它们只是“影子的影子”，远离了真正的美。然而，柏拉图也承认，艺术可以激发我们对理念的追忆，引导我们走向真善美的境地。他区分了“情欲之美”到“灵魂之美”的提升过程，强调了道德与审美的内在关联。 亚里士多德的摹仿说与净化说： 与柏拉图不同，亚里士多德认为，摹仿是人类的天性，艺术是对现实的摹仿，但这种摹仿并非简单的复制，而是有选择、有概括的创造。他特别强调了悲剧艺术的作用，认为悲剧能够引发观众的“怜悯”与“恐惧”之情，并通过这种情感的宣泄，达到“净化”（Catharsis）的效果，使心灵得到慰藉与升华。亚里士多德对艺术形式、结构、情节等方面的分析，为后来的文学批评和艺术理论提供了重要的范式。 在古希腊，美与善、真、理性紧密相连。美不仅仅是外在的形式，更是内在的秩序和精神的升华。这种对理性、和谐、秩序的强调，为西方古典主义美学奠定了基石。 三、 中世纪的沉寂与反思：信仰与象征的王国 随着基督教的兴起，西方世界的思想重心从理性转向了信仰。中世纪的美学，虽然表面上似乎与古希腊的辉煌有所不同，但其背后仍然延续着对超越性、精神性的追求。 宗教艺术的象征性： 中世纪的艺术，尤其是教堂的建筑、壁画、雕塑等，充满了宗教象征。艺术不再追求对现实世界的忠实摹仿，而是致力于传达神圣的教义、颂扬上帝的荣光。色彩、光影、构图等都带有深刻的象征意义，以引导信徒进入精神的世界，体验神圣的启示。 奥古斯丁的“内在之美”： 圣·奥古斯丁将美的根源追溯到上帝。他认为，可见的美是短暂而易逝的，而真正的美则是永恒的、精神的。他强调了“内在之美”，即心灵的纯洁、德行的完善，认为这才是最值得追求的美。同时，他也吸收了新柏拉图主义的思想，认为可见世界的美，是上帝创造的秩序和统一性的体现。 托马斯·阿奎那的“神圣理性”： 托马斯·阿奎那试图调和基督教信仰与亚里士多德的哲学。他认为，美具有“明确性”（Claritas）、“整一性”（Unitas）和“比例性”（Proportio）。这些特征体现了上帝创造的理性秩序，也指引着人们通往神圣真理的道路。 中世纪的美学，虽然服务于宗教，但其对精神性、超越性、象征意义的强调，以及对内在德性的重视，都为后来的美学思潮埋下了伏笔。它提醒我们，美并不仅仅存在于感官的愉悦，更可以是一种精神的寄托与升华。 四、 文艺复兴的光辉：人性的觉醒与古典的复兴 文艺复兴时期，西方世界迎来了思想的解放和文化的繁荣。人们重新发现了古希腊罗马的古典文化，并将目光投向了现实世界和人自身。 人文主义的美学： 人文主义者将目光从天堂移回人间，强调人的价值、尊严和创造力。他们赞美人的理性、情感和身体的美，认为人本身就是“万物的尺度”。这种对人性的关注，极大地丰富了美学的内涵。 古典形式的回归： 艺术家们借鉴古希腊罗马的艺术原则，强调均衡、和谐、比例和清晰的构图。米开朗琪罗、达芬奇等大师的作品，既是对人体美的极致展现，也是对古典精神的现代诠释。 阿尔伯蒂的“和谐的比例”： 莱昂·巴蒂斯塔·阿尔伯蒂在《论绘画》等著作中，系统阐述了文艺复兴时期的美学思想。他认为，美是“各部分之间一种和谐而一致的比例，除了这个比例，就不能增减什么。”这种对和谐比例的强调，以及其数学化的表达，体现了理性主义在文艺复兴时期的重要地位。 文艺复兴的美学，标志着西方美学从对神圣的仰望转向对人性的赞美，从对纯粹精神的追求转向对现实世界和具体形式的关注。它开启了对艺术创作和审美体验的全新理解。 五、 启蒙时代的理性与经验：秩序、品味与普遍性 启蒙运动高举理性的大旗，对人类社会、知识和审美进行了深刻的探索。 康德的“无利害的快感”： 伊曼努尔·康德在《判断力批判》中，对审美判断进行了开创性的分析。他认为，审美判断是一种“无利害的快感”，即我们在欣赏事物时，不受个人功利目的的影响，而是基于一种普遍的、必然的赞同。康德区分了“美的概念”和“善的概念”，认为美是一种“合目的性”而无目的的“合目的性”，这种“自由的美”是纯粹审美的。他同时提出了“崇高”的概念，用以描述那些能够激发我们敬畏之情，但又不至于让我们感到痛苦的巨大或强大的事物。 休谟的“品味”理论： 大卫·休谟则从经验主义的角度探讨美。他认为，美并非事物本身固有的属性，而是存在于观察者的心中。他对“品味”进行了深入研究，认为品味是一种能够区分美丑的心理能力，而这种能力的培养需要经验、实践和文化熏陶。他承认品味具有一定的主观性，但也试图找出一些普遍的原则，通过“理想的批评家”来衡量品味的优劣。 理性主义与装饰的平衡： 尽管启蒙时代强调理性，但对于艺术形式的探索也从未停止。古典主义的严谨结构与新古典主义的精细装饰并存，展现了理性秩序与感官愉悦的平衡。 启蒙时代的美学，将审美判断的焦点从客体转向了主体，开始关注审美主体的心理机制和判断能力。康德的理论尤其深刻地影响了后来的美学发展，为分析审美经验提供了坚实的理论基础。 六、 浪漫主义的激情与个性：情感、想象与自由 浪漫主义是对启蒙时代理性主义的一种反拨，它重新强调情感、想象、个性以及对自然的无限热爱。 情感的至上： 浪漫主义者认为，情感是艺术的源泉，也是理解世界的重要途径。他们歌颂强烈的情感体验，如狂喜、悲伤、爱情、孤独等，并将这些情感融入到艺术创作之中。 想象力的解放： 想象力被视为创造力的核心。艺术家们不再受限于现实的束缚，而是大胆地运用想象，创造出奇幻、神秘、甚至超现实的世界。 个性的张扬： 浪漫主义强调个体的独特性和创造性，鼓励艺术家表达真实的自我，追求独特的风格。 自然的崇拜： 大自然被视为灵感的源泉和精神的寄托。艺术家们描绘壮丽的自然风光，表达对自然的敬畏和热爱，以及其中蕴含的神秘力量。 歌德的“整体艺术”： 约翰·沃尔夫冈·冯·歌德的文学创作，深刻体现了浪漫主义的精神。他强调艺术的整体性，认为艺术应该能够整合情感、理性、自然和精神。 浪漫主义的兴起，为西方美学注入了新的活力，将对情感、想象、个性和自由的追求推向了高峰，深刻影响了后来的文学、音乐、绘画等艺术领域。 七、 结论：美的回响与未来的展望 从古希腊的理性秩序，到中世纪的信仰象征，再到文艺复兴的人性觉醒，启蒙时代的理性与经验，以及浪漫主义的激情与个性，西方美学的发展，并非一条简单的线性轨迹，而是一幅波澜壮阔的画卷，其中充满了辩证的张力、思想的碰撞与精神的升华。 本书《静观世象：西方美学发展脉络与精神溯源》所梳理的，正是这样一条曲折而丰富的脉络。我们看到了美如何从一个哲学概念，逐渐演变成一种独立的学科；我们理解了不同时代、不同思想家，如何从各自的视角出发，去定义、去阐释、去追求美。 我们之所以要探究西方美学，并非要全盘接受其所有观念，而是希望借此打开一扇窗，去理解人类在不同历史时期，如何通过艺术和审美活动，来认识世界、表达情感、寻找意义。这些思想，无论其时代背景如何，都蕴含着对人类精神的深刻洞察，对生命体验的真挚反思。 在今天，当我们面对多元的文化和日新月异的艺术形式时，回溯西方美学的传统，能够帮助我们建立更扎实的理论基础，更敏锐的审美判断，以及更深厚的文化底蕴。它让我们明白，美的追求，永无止境；对美的理解，也需要不断地深化与拓展。 本书的探索，也仅仅是一个开始。西方美学的河流，依然在奔腾向前，不断融合新的思想，回应新的挑战。而每一次对美的探寻，都是一次对生命本身的敬畏与礼赞。愿本书能为您带来一次深刻而愉悦的美学体验，让您在静观世象中，感受美的力量，领悟生命的真谛。

评分☆☆☆☆☆

我花了整整一周的时间，才勉强读完前三分之一的内容，坦白说，这本书的阅读门槛比我想象的要高出一截。它采取了一种近乎哲学的论证方式，作者似乎并不急于给出“标准答案”，而是深入挖掘了每一个美学概念在不同历史语境下的内在矛盾和演变逻辑。例如，在讨论康德的“无目的的合目的性”时，作者花了大量的篇幅去剖析启蒙运动背景下理性与感性之间的张力，引用了大量晦涩的德文术语和复杂的逻辑推导，我常常需要停下来，对照着手边的哲学词典，反复咀嚼那些句子的结构。它要求读者不仅仅是记忆知识点，更要参与到一场漫长而艰深的思维对话中去。这本书的叙事节奏是极其缓慢且密集的，缺乏那种让人轻松跟进的“故事线”，更像是面对一座结构精密的思想迷宫，每一步都需要谨慎地踩稳脚下的论据，否则极易在概念的交叉口迷失方向。对于想要快速了解“西方美学有哪些流派”的初级读者来说，这本书无疑会造成一定的阅读挫败感，它更适合那些已经具备一定哲学基础，渴望进行深度思辨的读者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是视觉的盛宴。封面采用了一种深沉的墨绿色，纹理细腻，触摸起来有种古老羊皮纸的质感，正中央烫金的标题“西方美学史”在光线下熠熠生辉，透露出一种庄重而典雅的气息。内页的纸张选用了米白色，墨色浓郁而不渗油，排版疏朗有致，大量的留白处理让阅读过程无比舒适，眼睛不易疲劳。尤其值得称赞的是，书中穿插的许多经典艺术作品的插图，虽然是黑白印刷，但通过精湛的印刷技术，依然能感受到原作的线条张力和光影变化，那些古希腊雕塑的肌肉线条、文艺复兴油画的层次感，即便是简化后的图像，也足以让人在指尖触摸历史的温度。装帧的细节之处也体现了出版者的用心，书脊采用布面装订，坚固耐用，整体的厚度和重量拿在手里很有“分量感”，不像某些轻飘飘的畅销书，这本书的气质更像是一件值得珍藏的艺术品，让人在翻阅时就油然而生一种对知识和美的敬意。它不仅仅是一本学术著作，更是一件精美的案头陈设，每一次目光的停留，都能被其精致的外表所愉悦。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，很大程度上体现在它对“西方”这个限定词的审慎处理上。作者并没有将西方美学视为一个铁板一块的整体，而是极其细致地勾勒出了其内部的分裂与张力——从古希腊的“模仿论”到中世纪的“神圣光照”，再到文艺复兴的人文主义回潮，以及启蒙运动的理性审判。更让我印象深刻的是，作者在每一章的结尾处，都会不着痕迹地抛出一个关于“东方”或“非西方”美学传统的比较性问题，尽管没有深入展开，但这种带着批判性眼光的自我审视，为全书增添了必要的谦逊和开阔性。它强迫读者意识到，我们所讨论的“美学”，很大程度上是建立在特定历史主体（欧洲白人男性知识分子）的经验基础之上的，这种自觉的边界意识，使得这部本应是“收束性”的著作，反而充满了“开放性”的潜力，鼓励读者带着这份知识，去探索更广阔的审美图景。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到振奋的是它打破了传统教科书那种线性叙事的窠臼。作者似乎刻意避免将美学史简化为一部“风格的年鉴”，而是将其构建成一场跨越时空的思想交锋。他高明之处在于，总能敏锐地捕捉到不同时代美学思潮之间的隐秘联系和深刻反动。比如，他将巴洛克的夸张激情与后现代的解构主义进行了一次大胆的对照，指出两者在对“宏大叙事”的怀疑上，其实有着异曲同工之处，只是表达的工具和语境截然不同。这种跳跃式的、主题驱动的结构，让原本可能枯燥的知识点瞬间活泼起来，仿佛能看到柏拉图的理念世界如何幽灵般地影响着二十世纪的现象学。书中对特定艺术家的分析也极富洞察力，并非停留在对作品形式的描述，而是直击其美学观念的哲学根源。阅读起来，总感觉自己不是在读历史，而是在参与一场关于“美”的本质的、永无止境的辩论。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的学术性固然毋庸置疑，但作为一名业余的艺术爱好者，我在阅读过程中时常感到一种疏离感，仿佛作者的视角过于高远，俯视着芸芸众生对美的感知。书中有大量的篇幅用于阐述黑格尔或尼采等哲学巨匠对“艺术精神”的定义，这些理论的阐述虽然严谨，但却显得有些“去情境化”。我期待能在书中看到更多关于具体作品在当时社会背景下是如何被大众接受或抵制的讨论，例如，当印象派作品初次展出时，巴黎的咖啡馆里人们究竟是如何嘲笑那些笔触的？当时的时尚、政治气候是如何潜移默化地塑造了人们对“美”的品味的？这本书更像是为“美学家”准备的，而非为“爱美者”准备的。它提供了坚实的理论框架，但却吝啬于描绘那些充满烟火气的、活生生的美学体验瞬间，使得阅读的体验在理论的严密性中，略微丧失了一丝感性的温度。