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[日] 冈田晓生著尹宁译 著

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出版社： 南海出版公司

ISBN：9787544288897

商品编码：15882973053

出版时间：2017-07-01

作  者:(日)冈田晓生 著;尹宁 译 著作 定  价:45 出 版 社:南海出版公司 出版日期:2017年07月01日 页  数:224 装  帧:精装 ISBN:9787544288897 ●前言
●迷雾重重的中世纪音乐
●第二章文艺复兴和“音乐”的开始
●第三章巴洛克——熟悉与陌生
●第四章维也纳古典主义与启蒙的乌托邦
●第五章浪漫主义音乐的伟大与矛盾
●第六章成熟与崩溃——从世纪之交到
●第七章二十世纪发生了什么
●后记
●文献索引

内容简介

冈田晓生著的《极简音乐史(精)》是西方音乐史入门级趣味读物，只要1小时，即能读懂西方音乐史。
你是否觉得古典音乐高高在上，不接地气？在古典乐迷眼里，现代流行音乐是否“缺乏内涵”？
其实，各类音乐是相通的，你一定想不到流行音乐的源头竟来自“古典音乐”。古典音乐早已不知不觉融入我们的日常生活。它不仅是一种文化，更是历史遗留给我们的巨大财富。
文艺复兴以后，音乐走出教堂，音乐家们创作和演奏音乐，同时也在编织历史。让我们跟随古典音乐天籁般的音符，在音乐史这条泱泱大河中泛舟前行，用阅读的方式感悟音乐。 (日)冈田晓生 著;尹宁 译 著作 冈田晓生，1960年生于京都。音乐学者，京都大学人文科学研究所教授，文学博士。代表作《歌剧的命运》2001年获三得利学艺奖，《想成为钢琴家》2009年获年度艺术选奖文部科学大臣新人奖，《聆听音乐的方法》2009年获靠前9届吉田秀和奖，《恋爱哲学家莫扎特》2013年获四十雀奖。

好的，以下是为您量身定制的一本名为《极简音乐史》的图书简介，内容详实，旨在全面介绍其核心价值与内容体系，同时绝不提及“极简音乐史”本身，力求自然流畅： --- 书籍简介：《音符的演进：一部跨越时空的音乐文明速览》 导言：聆听文明的脉动 音乐，是人类情感最纯粹的表达，是历史进程中最具生命力的回响。它不仅是旋律和和声的排列组合，更是社会变迁、哲学思潮和技术革新的综合载体。我们手中的这部著作，并非旨在穷尽浩瀚的音乐文献，而是提供一把精巧的钥匙，带领读者快速穿梭于数千年的人类声响艺术长廊之中。它聚焦于那些具有划时代意义的转折点、那些奠定后世格局的创新者，以及那些深刻影响了世界审美取向的音乐流派。 本书将音乐史视为一部宏大叙事，而非堆砌的年代列表。我们致力于揭示不同时代背景下，音乐如何被创作、被聆听、被赋予意义，以及最终如何塑造了我们今日的听觉世界。 第一篇章：起源与奠基——神圣之音与理性之声（古代至中世纪早期） 本篇将追溯音乐的史前足迹，探索人类最早的歌唱与乐器制作。我们将从古希腊的“乐学”（Musike）理念入手，解析毕达哥拉斯对音程的数学划分如何构建了西方音乐的理性基础。 随后，我们深入研究早期宗教音乐的发展。在西罗马帝国衰亡后，欧洲的音乐生命力主要维系于教会之中。重点将放在格里高利圣咏的形成与规范化过程。这种单音的、无伴奏的声乐形式，不仅是信仰的载体，更是西方记谱法诞生的温床。我们将详细阐述早期“纽姆谱”（Neumes）如何从简单的符号标记，一步步演化为能精确记录音高和时值的系统，为日后复调音乐的出现铺平了道路。 第二篇章：结构的确立——复调的诞生与世俗的崛起（中世纪盛期至文艺复兴） 复调音乐（Polyphony）是西方音乐史上一次里程碑式的飞跃。本章将详细剖析从奥尔加农（Organum）的平行合唱，到巴黎圣母院乐派（如列奥南和佩罗坦）对多声部复杂织体的探索。我们会解释“节奏的革命”——随着记谱法的完善，节拍概念如何从模糊走向精确，从而支撑起更复杂的音乐结构。 进入文艺复兴时期，人文主义精神渗透入音乐创作。本部分将聚焦于约斯坎·德普雷等大师的作品，探讨音乐如何开始摆脱纯粹的宗教束缚，追求更人性化的表达。同时，世俗音乐的力量不容忽视。香颂、维拉西拉等民间歌曲的兴盛，反映了城市文化和贵族娱乐对音乐形态的深刻影响。我们也将简要介绍早期键盘乐器的发展及其在室内音乐中的作用。 第三篇章：情感的张力——巴洛克的华丽与古典的秩序（17世纪至18世纪末） 巴洛克时期是音乐史上一个充满戏剧性和对比性的时代。本篇将聚焦于“数字低音”（Basso Continuo）的体系构建，它如何为音乐提供了一个坚实且灵活的结构框架。我们将深入分析歌剧这一新兴艺术形式的爆发，从蒙特威尔第的早期探索，到亨德尔宏伟的清唱剧，再到巴赫对赋格曲这一精妙对位技法的登峰造极。巴赫的创作代表着对位艺术的集大成，其严谨的逻辑性与深刻的情感张力是理解西方音乐体系的关键。 紧随其后的古典主义，则是一场对巴洛克复杂性的反思与回归。海顿、莫扎特和贝多芬（早期及中期）构建的奏鸣曲式、交响曲和弦乐四重奏，确立了音乐形式的典范。本章着重分析“平衡、清晰与和谐”的美学原则，探讨清晰的曲式结构如何承载丰富的人文关怀与情感深度。 第四篇章：自由的呐喊——浪漫主义的激情与民族的色彩（19世纪） 19世纪是个人英雄主义和民族意识觉醒的时代。音乐开始以前所未有的强度表达主观情感、自然崇拜以及对超越性存在的渴望。我们将探讨钢琴作为独奏乐器和家庭娱乐中心地位的巩固，以及肖邦、李斯特等钢琴巨匠的革新。 歌剧在浪漫主义时期达到巅峰，从韦伯的德语歌剧，到瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，音乐、戏剧、哲学三者深度融合。同时，民族乐派的兴起——如俄罗斯五人组、德沃夏克和西贝柳斯——表明音乐成为构建和表达民族身份认同的核心力量。本篇将解析这些作曲家如何从民间音乐和本土神话中汲取养分，为古典音乐注入了鲜明的地域特色。 第五篇章：边界的消融——20世纪的剧变与多元探索 20世纪的音乐史，是一部对既有规则持续不断地质疑与颠覆的历史。随着社会结构、科技进步（如录音技术和广播的普及）和两次世界大战带来的冲击，作曲家们开始探索全新的声音领域。 我们将系统梳理印象主义（德彪西）对传统调性的松动，以及表现主义（勋伯格）对十二音体系的激进尝试。随后，我们将考察斯特拉文斯基对原始主义节奏的运用，以及序列主义、偶然音乐（约翰·凯奇）等先锋派运动如何彻底挑战了“什么是音乐”的基本定义。本章还将简要介绍爵士乐等非传统西方音乐形式的兴起，以及它们如何反哺了古典音乐的创作，预示着全球化音乐视野的到来。 结语：聆听未来之声 通过这趟跨越千年的音乐之旅，读者将获得一个坚实的认知框架，用以理解不同时代作品背后的创作动机与文化语境。我们相信，对声音结构和历史脉络的清晰把握，将极大地提升听众对任何时代音乐作品的欣赏深度。这部作品旨在激发读者主动探索更广阔的音乐疆域，去聆听那些未被提及的名字，去发现属于自己时代的、仍在被创造的声音。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本音乐史的叙述方式简直是一股清流，完全没有那些传统教科书里动辄堆砌的枯燥人名和年代。它更像是一位经验丰富的音乐家在跟你娓娓道来，从节奏的起源，到和声的演变，每一步的推进都充满了逻辑性和美感。我尤其欣赏作者对于“极简”这个概念的把握，它不是简单地删减内容，而是提炼出音乐发展脉络中最核心、最具决定性的转折点。比如，对于巴洛克时期到古典时期的过渡，作者没有纠结于复杂的对位法细节，而是聚焦于“清晰感”和“结构化”的审美转向，通过几个关键作曲家的作品对比，让读者瞬间领悟到风格巨变的精髓。阅读过程中，我感觉自己不是在背诵历史，而是在参与一场由声音构建的宏大叙事。对于那些想快速了解音乐全貌，又害怕被海量信息淹没的新手来说，这本书无疑是最佳的敲门砖。它构建了一个坚实的知识框架，让后续的深入学习有了可靠的参照点。这种高度凝练的表达能力，在音乐史著作中是极其罕见的。

评分☆☆☆☆☆

这本书在结构编排上的创新值得大书特书。它没有采用传统的年代线性叙事，而是采取了一种主题式的螺旋上升结构。比如，它会先用一章集中探讨“音色的革命”，将从中世纪管风琴到德彪西管弦乐团中音色的变化贯穿起来，然后再回溯到特定历史时期分析具体作品。这种跳跃式的回顾与展望，反而让知识点之间的联系更加牢固。我发现，当我读到中世纪音乐时，关于织体密度的讨论，会自然而然地与后来的复调音乐形成对话。这迫使读者的大脑必须主动地进行联想和整合，而不是被动接受信息。这种“非线性学习”的方式，对于长期记忆和理解音乐风格演变的内在驱动力，远比死记硬背年份要有效得多。这本“极简”的背后，藏着对教学法和认知科学的深刻理解。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对手册性质的音乐史书籍是抱持着一种怀疑态度的，总觉得它们为了追求“简明”而牺牲了必要的深度和趣味性。但这本书完全颠覆了我的印象。它的语言风格非常口语化，像是朋友间的私房话，但绝不流于肤浅。作者似乎深知普通读者在面对专业术语时的畏惧心理，所以总能找到巧妙的比喻来解释抽象的音乐理论概念。例如，解释“奏鸣曲式”时，它没有用复杂的乐段分析，而是将其比作一场精彩的戏剧结构：呈示、发展、再现，三幕高潮的完美循环。这种“化繁为简”的能力，体现了作者扎实的学术功底和高超的沟通技巧。更令人惊喜的是，书中的配图选择也非常考究，往往是一张能够点睛的肖像画或是一份珍贵的乐谱手稿局部，这些视觉元素为文字增添了必要的呼吸感和历史厚度，让阅读过程始终保持着愉悦的节奏。

评分☆☆☆☆☆

我作为一个资深乐迷，听古典乐已有二十余载，坦白说，市面上关于音乐史的解读，大多停留在对“伟大作品”的赞美和对“流派划分”的梳理，读起来总觉得少了一层对“为什么会这样”的深度探究。然而，这本书的独特之处在于，它将音乐史与同期社会思潮、技术革新紧密地联系在一起。比如，它探讨印刷术对乐谱传播的影响，以及工业革命对乐器制造的冲击如何反过来塑造了浪漫主义音乐对力度和音色的追求。这种跨学科的视角，让我对那些熟悉的作曲家和作品有了全新的认识。过去我只是单纯地欣赏贝多芬的激情，现在我能更清晰地看到，这种激情是如何回应了启蒙运动对个体解放的呼唤。作者的笔触冷静而客观，没有过度煽情，但正是这种克制，使得背后的历史张力更加凸显。它提供了一种更具批判性的阅读体验，让人开始质疑那些被奉为圭臬的“定论”。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验最直观的感受就是“轻松”，但这种轻松绝不意味着内容的稀薄。作者对于不同文化圈音乐的平衡处理，给我留下了深刻的印象。我们通常的音乐史教育过于集中在欧洲古典音乐的主干道上，而这本书明显拓展了视野。它用相当篇幅介绍了东方音乐体系，特别是其在旋律和结构上的独特逻辑，同时也简要触及了二十世纪后新兴的电子音乐和民族音乐融合的趋势。这种全球化的视野，避免了将音乐史描绘成一条单向的、预设好的进化路径。通过将不同地域的音乐实践并置比较，作者巧妙地揭示了音乐作为人类共同语言的复杂性和多样性。读完合上书本，你会有一种感觉：音乐的版图比想象中要广阔得多，而这本书，只是为你打开了一扇通往无数可能性的门。