具体描述
●PART 1 课 好照片，影调是关键
●什么样的照片是好照片
●影调是物体的明暗关系在影像上的反映
●如何把握物体的影调
●物体的影调――亮面、暗面和灰面
●影调再细分――物体的五大调子
●摄影时，先考虑三大面，再考虑五大调子
●哪些因素会影响五大调子
●被摄物的形态
●被摄物的色彩
●被摄物的体积感
●被摄物的质感
●光源
●观察角度
●PART 2 第二课 如何把握色彩
●色彩的三要素
●色相
●纯度
●明度
●部分目录
内容简介
什么样的照片是好照片？如何突破摄影的瓶颈？张松涛著的这本《给摄影者的8堂美术入门课（狗头拍牛片）》从摄影与美术的关系谈起，剖析审美对摄影的重要性。接下来用“8堂美术课”的形式详解在摄影用光、色彩、构图、取景、后期处理中需要用到的美术知识和技巧，探讨牛片中包含的美术知识和实践运用。“生活中不缺少美，缺少的是发现美的眼睛。”本书正是通过打造镜头后面的审美之眼，帮助摄影发烧友突破目前可能面对的摄影困境，进阶摄影水平；帮助零基础的摄影爱好者摆脱对器材的依赖，找到正确的成长之路。 张松涛 著 张松涛，中国民俗摄影协会会员。长期从事摄影文化的研究，凭借其对摄影的狂热追求、深厚的艺术功底，在蜂鸟网等专业摄影网站拥有极高的人气，深得广大摄影发烧友的追捧。其摄影心得――“我用过的平民镜头逐个说”，在蜂鸟网点击量突破680万次，雄踞单帖点击量靠前的宝座。其上一本著作《狗头拍牛片》销量逾10万册，在同类摄影书中名列前茅。 在我们的摄影实践中，常常会遇到一种情况：很长时间里摄影水平得不到提高，虽然器材在不断升级，可是作品却始终差强人意。这就是摄影的瓶颈期。可是为什么会产生“瓶颈”呢？我用一个成语来解释下这个问题。这个成语叫“眼高手低”，意思是，一个人的眼界很高，实际操作能力却很低下。虽然这是一个贬义词，不过用在摄影中却能很好地说明一种关系，即审美水平和操作水平的关系。对绝大多数入门者而言，次拿起相机时，往往就处于这种状态。比如你看到了一张背景虚化的照片，很喜欢，可是怎样能拍出这种照片呢？通过了解，你知道了，使用单反相机和大光圈镜头可以做到。于是你买了这样的器材，使用大光圈达到背景虚化和主体突出，很显然，你对这种照片的欣赏通过这种操作很容易得到了满足。可是如果你一直认为背景虚化的照片是漂亮的，那么你会一直这么拍摄，不断地升级镜头获得更虚化的效果，于是，你的摄影水平也就停滞在了这个阶段，这个阶段可以理解等
用户评价
在我看来，摄影就好像是用光影作画，而《狗头拍牛片(2)给摄影者的8堂美术入门课》这本书，就是我手中那支画笔的“使用说明书”。作者以一种非常轻松幽默的口吻，将原本可能枯燥的美术理论，转化成了摄影师可以立刻应用的“视觉语言”。我深切地体会到，在摄影中，色彩不仅仅是颜色，更是一种情绪的表达。书中关于色彩的情感联结，让我开始思考，当我拍摄日落时，我想要传达的是怎样的温暖和浪漫？当我拍摄雨后的城市时，我想要营造的是怎样的宁静和忧郁？这种对色彩情感维度的深入挖掘，让我不再是随意使用滤镜，而是有意识地去选择和搭配色彩，让我的照片能够更好地触动观者的内心。同时，作者在讲解“构图”时，也跳出了“黄金分割”、“三分法”等死板的规则，而是从更具象的美术原理出发，比如“平衡”、“对比”、“统一”、“节奏”等，来分析如何构建一个和谐而富有冲击力的画面。我特别喜欢作者对“负空间”的讲解，让我明白，画面中留白的部分，同样承载着重要的信息，能够引导观众的视线，增强画面的想象空间。这本书让我意识到，摄影的魅力，在于技术与艺术的完美融合，而美术入门课，正是帮助我实现这一融合的关键。
评分我一直认为，摄影师最重要的能力是“观察”，但《狗头拍牛片(2)给摄影者的8堂美术入门课》这本书，让我明白，光有观察还不够，还需要“理解”和“表达”。作者以一种极其生动的方式，将抽象的美术概念，如“韵律”、“节奏”、“对比”等，转化为摄影师可以轻松掌握的创作工具。我尤其喜欢关于“韵律”的讲解。作者让我去感受画面中的重复元素，比如一排窗户、一连串的栏杆、或者重复的花纹，以及它们如何通过大小、疏密、远近的变化，来营造出画面的节奏感和动感。这让我开始在日常生活中，有意识地去寻找和捕捉这些具有韵律感的场景，让我的照片不再是平淡的记录，而是充满了生命的活力。此外，作者在讲解“对比”时，也让我有了全新的视角。他不仅仅是讲解了色彩的冷暖对比、明暗对比，更是让我去思考形状的柔美与硬朗、大小的悬殊、远近的虚实之间的对比，以及这些对比如何能够增强画面的视觉冲击力，突出画面的主题。这本书让我明白，摄影的魅力，在于将生活中的平凡瞬间，通过对美术元素的巧妙运用，转化为不平凡的艺术作品。
评分拿到《狗头拍牛片(2)给摄影者的8堂美术入门课》这本书，我最初的想法是，这可能又是一本“看了等于没看”的摄影教程。然而，翻开书页，我才发现，我低估了作者的智慧和这本书的价值。作者以一种极其幽默风趣的语言，将原本可能枯燥的美术理论，转化成了摄影师可以触及、可以应用的“视觉密码”。我印象最深刻的是关于“纹理”的讲解。作者让我不再仅仅关注物体的形状和色彩，而是去深入感受和表现物体表面的质感。比如，当我拍摄一件老旧的木门时，我不再只是记录下它的颜色和结构，而是去捕捉它表面的沟壑、斑驳的漆皮，以及它们所诉说的岁月痕迹。这种对“纹理”的关注，极大地丰富了我照片的表现力，让画面更具触感和故事性。同时，作者在讲解“光影”时，也让我有了新的认识。他不仅仅是讲解了不同光线的明暗对比，更是让我去思考光影是如何塑造物体的体积感、空间感，以及它们所传达出的情绪。比如，我学会了如何利用侧光来突出物体的轮廓和质感，如何利用逆光来营造出梦幻般的光晕效果。这本书让我明白，摄影的艺术性，在于对细节的把握和对情感的表达，而美术入门课，正是帮助我提升这些能力的重要途径。
评分我一直对摄影情有独钟，但总感觉自己的作品缺乏那种“一眼惊艳”的感觉，总是在技术的层面打转，难以突破。直到我发现了《狗头拍牛片(2)给摄影者的8堂美术入门课》，我才意识到，原来是我的“美感”需要“充电”。这本书用一种非常接地气且充满趣味的方式，将抽象的美术原理，变成了摄影师可以实际操作的“秘籍”。作者并没有给我灌输复杂的艺术史理论，而是直接从摄影的实际需求出发，讲解了如何运用美术中的“点”、“线”、“面”来构建画面。我尤其喜欢关于“点”的讲解，作者让我去关注画面中的焦点，如何通过大小、形状、色彩等因素，来吸引观众的视线，并将焦点巧妙地放置在画面的关键位置，让整个画面“活”起来。而对于“线”的运用，作者则详细分析了不同线条（直线、曲线、斜线、S形线等）所能传达出的不同情感和视觉效果，让我学会了如何利用建筑的线条、河流的曲线，甚至是人物的肢体语言，来增强画面的动感和表现力。这本书不仅仅是教授技巧，更重要的是它改变了我观察世界的方式，让我开始用美术家的眼光去发现美，去捕捉美，让我的摄影不再是简单的记录，而是充满艺术创意的表达。
评分作为一名摄影爱好者，我一直觉得自己的作品总差那么一点“味道”，虽然技术上没有太大问题，但总觉得画面不够吸引人，缺乏灵魂。直到我读了《狗头拍牛片(2)给摄影者的8堂美术入门课》，才恍然大悟，原来摄影的本质不仅仅在于技术的精进，更在于对美学的理解和运用。这本书就像一位循循善诱的老师，用最浅显易懂的语言，带领我进入了一个全新的视觉世界。它没有让我去背诵那些晦涩难懂的艺术史，而是直接从摄影实践出发，将美术中的经典元素，如线条、形状、纹理、节奏等，巧妙地融入到摄影的构图和表现手法中。我印象最深刻的是关于“线条”的章节，作者通过分析不同线条（直线、曲线、斜线、S形线等）在画面中所传达出的不同感觉，比如直线带来的力量感和稳定感，曲线的柔美和动感，斜线的张力和冲突，让我意识到，我平时拍摄的风景、建筑，甚至人物，都可以通过对线条的强调和运用，来增强画面的表现力。而“形状”的讲解，更是让我开始关注画面中的负空间，懂得留白的力量，如何利用形状之间的对比和呼应，来构建画面的层次感和呼吸感。这本书让我不再局限于“拍下眼前所见”，而是开始思考“如何让眼前所见变得更有看头”，这种思维上的转变，对我的摄影之路来说，无疑是一次巨大的启发。
评分我常常在想，为什么有些照片即使是同一个场景，不同的人拍出来却有着天壤之别？直到我读了《狗头拍牛片(2)给摄影者的8堂美术入门课》，我才开始真正理解其中的奥秘。这本书从美术的视角出发，为摄影爱好者提供了一条全新的学习路径。它不像市面上很多摄影书籍那样，仅仅讲解参数设置和后期处理，而是深入到摄影作品的“内在美”。作者用一种非常轻松幽默的口吻，将抽象的美术概念，比如“节奏”、“韵律”、“对比”、“和谐”等，转化为摄影师可以实际操作的方法。例如，在讲解“光影”时，作者并没有停留在硬光和软光的区别，而是深入分析了不同光线环境下，物体表面产生的明暗关系，以及这种明暗关系如何塑造物体的体积感、空间感，甚至营造出特定的情绪。我尤其喜欢关于“黄金分割”的讨论，作者将它与人眼的视觉习惯联系起来，解释了为什么将主体放置在黄金分割点附近，能够让画面更加和谐、舒适，而不是突兀。这本书让我明白，摄影不仅仅是记录，更是对光影、形状、色彩等元素的“再创作”，而美术入门课，正是帮助我掌握这门“再创作”语言的绝佳工具。它让我不再仅仅满足于“拍到”，而是追求“拍得好”、“拍出感觉”。
评分作为一名尝试了多年摄影的人，我总觉得自己的作品缺少一种“高级感”，总是停留在记录的层面，难以升华到艺术的境界。直到我读了《狗头拍牛片(2)给摄影者的8堂美术入门课》，我才找到了突破口。这本书就像一位经验丰富的导师，用最易懂的方式，为我揭示了摄影与美术之间的深刻联系。作者并没有给我讲授那些晦涩难懂的艺术史，而是直接从摄影的实际需求出发，讲解了如何运用美术中的“形式美”来提升作品的视觉效果。我尤其喜欢关于“形状”的讲解，作者让我去关注画面中的几何形状，以及它们如何相互组合、相互呼应，来构建出富有张力的画面。比如，我学会了如何利用建筑的线条来构成具有力量感的画面，如何利用人体的曲线来营造出柔美的姿态。而“空间感”的营造，更是让我受益匪浅。作者让我去思考，如何通过景深、透视、甚至是色彩的冷暖变化，来增加画面的层次感和纵深感，让观众仿佛能够“走”进画面之中。这本书不仅仅是传授技巧，更重要的是它改变了我审视世界的方式，让我开始用艺术家的眼光去发现美、捕捉美，让我的摄影作品，从简单的记录，蜕变为具有独特艺术魅力的表达。
评分初拿到这本《狗头拍牛片(2)给摄影者的8堂美术入门课》，我原本以为它只是一本简单的摄影技巧分享，毕竟“狗头拍牛片”这个名字自带一种接地气又略显俏皮的幽默感。然而，翻开书页，我才真正意识到，这不仅仅是关于如何按下快门，更是对“拍什么”以及“怎么拍出更有韵味的照片”的深度探索。作者巧妙地将摄影与美术的基本原理结合，用一种极其生动有趣的方式，将原本可能枯燥的构图、色彩、光影等概念，变得触手可及。书中没有冷冰冰的理论堆砌，而是通过大量的案例分析，从经典画作的构图布局，到生活中随处可见的色彩搭配，再到不同光线条件下如何营造氛围，都给出了直观且易于理解的指导。我特别喜欢作者在讲解色彩时，没有仅仅停留在冷暖色调的划分，而是深入到色彩的情感联结，比如暖色调的温暖、活泼，冷色调的宁静、忧郁，甚至是不同色彩组合会带来的视觉冲击和心理暗示。这让我开始重新审视我拍摄的每一张照片，思考我想要通过色彩传达怎样的情绪。而对于构图，作者更是将“黄金分割”、“三分法”等经典法则，融入到对自然景观、人物肖像的拍摄建议中，让我不再是随意摆拍，而是有意识地去引导观众的视线，让画面更具故事性和艺术感。这本书让我明白，摄影师不仅仅是一个记录者，更是一个懂得“观察”和“表达”的艺术家，而美术入门课，正是帮助我开启这扇门的钥匙。
评分一直以来，我都觉得自己是个“技术派”摄影师，对相机的功能了如指掌，对参数设置也得心应手，但总感觉自己的照片缺乏艺术感染力。直到我翻开了《狗头拍牛片(2)给摄影者的8堂美术入门课》，我才发现，原来我忽略了一个极其重要的维度——美术。这本书就像一位点石成金的魔术师，用最通俗易懂的方式，将原本可能令人望而生畏的美术知识，转化成了摄影师可以立刻应用的技巧。我最受启发的章节是关于“色彩的情感表达”。作者没有简单地罗列色彩的物理属性，而是深入探讨了不同色彩组合所能引发的情感共鸣。比如，当我看到红色与蓝色搭配时，作者会引导我去思考这种撞色带来的视觉冲击，以及它可能传达出的激情、神秘，甚至是冲突感。而当画面中出现大面积的绿色和蓝色时，作者则会让我联想到大自然的宁静与广阔。这种对色彩情感维度的挖掘，让我开始重新审视我之前拍摄的许多照片，发现原来我可以在色彩上做更多的文章，来增强画面的感染力。此外，作者在讲解“构图”时，也跳出了传统的“三分法”等框架，而是从更具象的美术视角，比如“块面”、“留白”、“引导线”等，来分析如何构建一个富有张力且耐人寻味的画面。这本书让我明白，摄影的魅力，在于技术与艺术的完美结合。
评分一直觉得，摄影是一门需要天赋的艺术，自己努力了很久，却总感觉难以达到大师的水平。直到我读了《狗头拍牛片(2)给摄影者的8堂美术入门课》，我才明白，原来是我忽略了一个至关重要的环节——美术基础。这本书以一种非常独特的方式，将美术的原理巧妙地融入到摄影的实践中。作者没有给我灌输复杂的艺术史，而是直接从摄影师最关心的问题出发，讲解如何运用美术中的“形状”、“空间”、“比例”来提升作品的视觉吸引力。我尤其喜欢关于“形状”的讨论，作者让我去关注画面中的轮廓线，如何通过突出物体的形状，让画面更具雕塑感和立体感。比如，当我拍摄人物时，我不再只是关注人物的面部表情，而是开始思考如何通过人物的身体线条、服装的轮廓，来勾勒出一个更具艺术感的形象。而对于“空间”的理解，作者更是让我意识到，摄影师不仅仅是在二维平面上进行创作，更是要利用景深、透视等手法，来营造出三维的空间感，让画面更具层次和深度。这本书就像一位经验丰富的向导，带领我穿越摄影与美术的边界，让我找到了提升作品艺术性的新方向。
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