具体描述
编辑推荐
《西方美术大辞典》：
迄今**的大型艺术工具书
由世界著名艺术史专家、法国卢浮宫博物馆原馆长、法国国家艺术史研究学院创始人米歇尔，拉克洛特和法国博物馆原总督察，现为卢浮宫博物馆绘画部主任让－皮埃尔，库赞主编，200余位欧美各国艺术史专家、学者共同编撰的*新版本《西方美术大辞典》，涵盖了从中世纪至当代西方美术的所有元素。收入包括艺术家、画派、团体、画类及专业词汇等2500多个词条。作为经受了时间考验的《西方美术大辞典》，是迄今*富学术价值、*具*性的大型艺术辞书，是艺术家、大专院校学生、图书馆及所有喜爱艺术的公众必备工具书。
内容简介
200余位欧美学者编撰的*新版本《西方美术大辞典》，涵盖了理解西方美术所需要的所有元素：包括画家，同时也包括细分出的素描家、招贴画家以及20世纪使用绘画技巧进行创作的摄影家、装置艺术家。对各个艺术潮流、画派、团体、重要的画类、技法词汇和绘画材料以及在美术史上曾经起到重要作用的机构均有详尽的介绍。所有词条都经过了*新的考证更新，包括对截至2008年的画家卒年进行了*新补充，并收入了近期重要的回顾展和当代艺术家的作品。与原版本相比，本辞典增添了许多新词条，尤其是在当代艺术方面，并使用*新的艺术史资料对历史上的艺术家进行了新的阐释。除了乔托、米开朗基罗、乌切罗、莫奈及塞尚这样的画家以外，也介绍招贴画家卡桑德尔，布景师巴克斯特、挂毯设计师吕尔萨等艺术家及“伦敦团体”这类的艺术家组织。许多青年艺术家，他们的实验性艺术位于绘画的前沿，如理查德，朗或史密森的“大地艺术”；如运用透明材料探索色彩和光线的赫尔穆特，多尔纳；探索绘画与摄影的关系的让一马克，比斯塔芒特；将绘画技法用于装置艺术的杰西卡，斯托克霍德尔。谨以《西方美术大辞典》献给所有喜爱艺术的公众。
作者简介
译者：董强 编者：(法国)法国拉鲁斯出版公司 (法国)米歇尔?拉克洛特(Michele Laclotte) (法国)让-皮埃尔?库赞(Jean-Pierre Cuzin)
米歇尔?拉克洛特，世界著名艺术史专家．曾任法国卢浮宫博物馆绘画部主任（1966-1987），卢浮宫博物馆馆长（1987-1994），法国国家艺术史研究学院创始人。
让-皮埃尔?库赞，曾任法国博物馆总督察，1994年起任卢浮宫博物馆绘画部主任。
阿尔诺-皮埃尔，法国波尔多第三大学艺术史学教授，著述主要涉及20世纪艺术，研究对象包括卡尔德、莱热、库普卡．以及前卫艺术。
译者简介：
董强，北京大学教授、博士生导师，法国“教育骑士”荣誉勋章获得者。著述、译著30余部，涉及文学、哲学、文化史、美术等领域。
序言
这部辞典的宗旨，正如它之前的几个版本，是要在一个必然有所限制的范围内，为从中世纪起到今天的西方美术提供尽可能详尽的信息。大多数词条用于艺术家本身，共有2500条左右。与所有辞典一样，在收入岂术家方面，不论涉及的是古代画家还是20世纪的画家，本辞典也必定带有一部分主观性，会招致人们的批评。而且，我们希望尽可能多地收入当代艺术家，但是，在他们中间，又如何挑选出一些肯定会被后世记住的人呢？
根据每个艺术家的重要程度或者与他们相关的历史资料和批评资料数量的多寡，词条的文字数量也各有吖i同，不论是一直被人推崇的大师，还是新近被批评界挖掘出的重要画家。在辞典中还出现了许多非常重要、却已经失去了身份证明的画家，尤其是许多中世纪和文艺复兴时期的画家，他们的艺术特性往往通过风格学研究而被还原，用一些约定俗成的称呼来代替（如“达姆施塔特的《基督受难》画师”、“1419年的画师”、“伪费利克斯?克雷斯蒂安”、“M．S．画师”等）。然而，随着艺术史研究的新发现，在这些伟大的无名艺术家中，有些人重新找回了他们的确定身份或者极有可能的身份：“描绘活泼孩子的画师”如今被确定原名为斯塔尔尼纳，“弗雷玛尔的画师”的真名是罗伯特?坎平，而“坠入爱河的心的画师”与“艾克斯的《天神报喜》画师”如今都已归于巴特雷米?德?爱克的名下。
很难将绘画艺术仅仅局限于架上画、细密画和壁画，因此，有一部分主要从事雕塑、版画或素描的艺术家也被收入，因为他们不能被排除在绘画艺术之外（如皮拉内西、摩尔或卡洛等人）。到了20世纪，技术上的区分愈加失去了意义。自从有了观念艺术、大地艺术或装置艺术，20世纪60年代以来的绘画领域如何界定？所以，我们决定将绘画的概念尽可能扩展，以便收入当今艺术领域中一些*重要的艺术家。
除了这些关于艺术家个人的词条以外，有重要的篇幅给了具有普遍意义的主题，将艺术家放置到历史与风格的范围之中。经过艺术史定义的西方绘画的重要潮流与倾向都有所提及（国际哥特主义、风格主义、巴洛克、浪漫主义，等等），还有一些艺术大家庭及由其形成的地域性风格派别（西班牙一佛兰德斯画家、安特卫普风格主义，或者“巴黎的阿提喀主义”等），以及具有一定共性的画派或运动（例如立体派、未来主义等），或者一些从19世纪起就纷呈的艺术家团体或协会（从拿撒勒人团体到哥布阿团体，或者材料／表面团体）。有许多重要的词条从总体上讲述西方中世纪一些重要时期的艺术，然而，从哥特式风格以后一些国家或地区的流派的发展情况，限于篇幅，没有讲述。同样，一些大城市（如威尼斯、巴黎、安特卫普）在好几个世纪中的绘画演变过程，也未能加以阐述。相反，由于一位君主的意愿而在一个时期成为艺术创作中心的地点（枫丹白露），或者由于富裕的赞助人的投入而形成的艺术中心（阿维尼翁），或者由于一个地点的自身魅力而形成的艺术家聚集地（巴比松、特尔乌伦），则均有介绍。
主要的画类（风景、静物、肖像，等等）以及图像学主题（东方主义、游乐画）也有相关研究。许多词条定义了绘画技巧和工具、创作过程、画家职业的组织、绘画表现的效果和手段（透视、黄金分割）、绘画的场所和材料（祭坛、画廊、天花板和穹顶）、作品的材质变化和学术研究（博物馆的实验室），以及艺术史的方法（归属），等等。
同样，画家在其他一些重要的技术种类（挂毯、玻璃画、珐琅画）中所起到的作用，以及他们与摄影、电影和戏剧等的关系，也有重要的相关词条。
本辞典中的大部分词条源于1979年出版的《小拉鲁斯绘画词典》，以及其他从这一词典衍生出来，由让菲利普?布勒伊负责补充、完善的词典：《意大利绘画词典》、《法国绘画词典》、《佛兰德斯和荷兰绘画词典》、《西班牙绘画词典》、《德国绘画词典》、《英国绘画词典》，还有《绘画流派词典》、《专业词汇词典》、《19世纪艺术》、《20世纪艺术》。
与1979年的版本相比，本辞典做了一定的筛选，主要是将古代希腊、罗马、东方，以及与艺术史和趣味史有关的词条排除在外，然而，在总体上增添了许多词条，尤其是在20世纪部分，并尽可能对所有文字都进行了更新，不仅增添了一些新的艺术家生平材料（编辑按语：中文版包括对截止2008年的画家卒年进行了*新的考证补充），而且还加入了*新的资料和批评成果。
从本辞典的撰写人员名单中可以看出，200余名法国与国外的专家、学者参与了编写，他们均来自大学、博物馆和艺术批评界。我们尊重了每位专家的个人观点，因此，在许多情况下，透过严谨的客观性，辞典中提供的材料因撰写者的个人视角而得到了丰富。
文摘
插图：
1944年，阿莱钦斯基进入了布鲁塞尔装饰艺术学校，1945年加入“比利时青年绘画”的行列，在卢?科西恩画廊展出了他的纸上作品。次年，他*次到巴黎，一直待到1951年，其间创作了9幅腐蚀铜版画。1949年，他成为“哥布阿团体”中*年轻的成员。哥布阿是一个北方国度艺术家的团体，该名称由三国的首部哥本哈根、布鲁塞尔和阿姆斯特丹的*个字母拼成，1948-1951年间活跃于画坛之上。在雕刻艺术上，他追求精益求精，1952年和海特一起，在“17画室”工作；同年，他与京都的日本画家们通信，1955年在日本拍摄完成了一部电影《日本书法》。大约在195l-1954年问，他用巨大的符号将画布表面填满，作品开始带有随心所欲的抽象性；随后，他画中的形象影射、暗指实人时事。这种风格后来在某种程度上陷于流产，但他素描和着色的天分却得到了双重的发挥（《孩子话》，1961，京都、奥斯陆，索尼亚?赫尼一尼尔斯?翁斯塔德基金会）。阿莱钦斯基水墨画的笔法变幻不定（《任何人》，1966），线条顺畅，时隐时续，花体交织，转曲灵动，明显与远东艺术同气连枝。他观察、吸取了远东艺术的工作方式，作画时身体直立，将画纸水平放置。1965年，他在美国留居了一段时日，跟丁俊雄一起，用丙烯颜料在纸上作画；同时，他又刨立了一种新式画法，即在主题画面的四周空白处加入“评注”，配以黑色或彩色的小图案，与连环画异曲同工。丙烯颜料烘托出流畅多色的点墨，使人联想到石印墨点营造的效果；在石印画方面，阿莱钦斯基也创作过诸多装饰性强、富有表达力的作品（《火山学》，石板组画，1970；《米老鼠》，水墨画，1972），它们同样显示出画家精湛的技艺。如果说画家充满诗意的非现实气质十分接近若恩和佩德森（哥布阿的另外两名丹麦画家），那么，一触即发、尖刻、咄咄逼人的幽默，则成为阿莱钦斯基艺术中标新立异之处。他的画作在形式上处于初生状态，甚至还混沌不清，体现了原始的野性与蓬勃的生机（《梅尔莫特》，1970；《关在窗后》，水墨画，1989）。1984年，他在马特画廊展出了一组“带边的水墨画”，这些画尺寸巨大，中间是一个黑白相间的方形物，四周留下大块涂上多种色彩的边缘空间。
用户评价
对我这种习惯于在阅读时进行大量交叉参考的“阅读强迫症患者”来说，一本好的工具书必须具备极强的“导航”功能。这本辞典在这方面做得非常到位，它的条目间的互相指引构建了一个庞大的知识网络。当你阅读关于“浪漫主义”的词条时，它会提示你去参考“席勒的审美理论”、“歌德的自然观”乃至“英国风景画派”等相关内容，这种密集的内部链接，使得阅读过程不再是被动接受信息，而更像是一场主动的探索之旅。我尝试沿着某个特定主题（比如“透视法的革新”）进行追溯，发现这条线索清晰地串联起了文艺复兴早期到立体主义的整个视觉革命史，这比单独阅读某一本流派史要高效得多。精装本的扎实体量也确保了它能承受高频率的翻阅和标注，这对于一本真正被使用的工具书来说是至关重要的。
评分拿到这套书，最先吸引我的不是内容，而是那种扑面而来的“学术气息”和制作的诚意。装帧设计非常考究，那种深沉的封面色调和精致的烫金字迹，让它在书架上显得格外沉稳大气，一看就知道是需要“供奉”起来的参考书。我尤其欣赏它在细节处理上的严谨性，比如对于那些重要艺术名词的索引编制，做得极为细致，让你在需要快速定位某个艺术家或者特定艺术运动时，能够迅速找到目标，这极大地提升了查阅效率。对于初学者来说，初看艺术史可能会被大量的年份和人名绕晕，但这本书的设计思路显然是将复杂知识结构化、层级化。它不仅仅是一个简单的百科全书，更像是一套结构严谨的知识树，每一条目都是一个节点，彼此之间通过清晰的内部引用关联起来。这种结构上的合理性，使得即便是跨越不同时代和地域的艺术概念交叉对比，也变得相对容易理解和梳理。
评分坦白说，我购买它并不是为了追求最新的学术动态，而是希望拥有一部能够沉淀历史脉络的“定海神针”。面对浩瀚的西方艺术史，我们常常需要一个权威的、统一的参照系来校准自己的理解。《西方美术大辞典》正是扮演了这个角色。它提供的历史叙事是稳健而可靠的，它对那些争议性较大的艺术流派或艺术家给出了相对中立且被广泛接受的评价框架。这种“定性”的能力，在信息爆炸的时代尤为珍贵。对于一个希望构建自己艺术知识体系的读者来说，这本书像是一个坚实的地基，它让你在吸收新的、更前沿的研究成果时，始终能有一个清晰的历史定位感，知道自己现在所处的知识坐标点在哪里，从而避免在纷繁的艺术思潮中迷失方向。
评分说实在的，我对这类“辞典”类书籍的期望值通常不会太高，总觉得它们要么过于侧重普及而流于表面，要么过于晦涩而让人望而却步。但这本《西方美术大辞典》却找到了一个绝佳的平衡点。它在保持专业深度的同时，语言表达上却保持了一种罕见的克制与清晰。我测试性地查阅了一些我个人比较关注的冷门领域，比如17世纪荷兰的“花卉静物画”的兴起及其象征意义，或者更具挑战性的“巴洛克晚期雕塑中的动感表现力”等条目，无不发现其论述是扎实且有根据的。编纂者显然没有满足于仅仅罗列事实，而是试图去解读“为什么”和“如何形成”。例如，在阐述印象派对色彩光线的捕捉时，它会适当地引入当时的光学理论背景，这种跨学科的视角，让艺术的学习不再是孤立的，而是与当时的科学、社会思潮紧密联系在一起，极大地拓宽了读者的认知边界。
评分这本名为《西方美术大辞典》的工具书，对于任何一个想深入了解西方艺术史脉络的人来说，都是一份不可或缺的珍藏。我拿到的是精装版本，手感沉甸甸的，开本适中，方便在书桌上查阅。首先必须称赞的是它在收录广度上的努力。从早期的古典主义萌芽，到印象派的光影革命，再到后现代的解构与反思，几乎每一个重要的流派、关键的艺术流派及其分支，都有详尽的条目介绍。更令人印象深刻的是，它不仅仅罗列了艺术家的生平，更重要的是对他们作品的核心思想、技法创新以及在历史坐标系中的定位进行了深入剖析。比如，对于文艺复兴盛期如拉斐尔的分析，不仅仅停留在《雅典学院》的构图技巧，更挖掘了其背后人文主义思想的微妙转变。对于现代艺术的晦涩难懂之处，辞典也尝试用清晰的语言进行释义，虽然某些前卫艺术的解读依然需要读者自身的艺术感知力辅助，但这种尝试本身就体现了编纂者的良苦用心。对于我这个业余爱好者而言，它就像一张精密绘制的地图，指引我穿越那些看似杂乱无章的艺术风格迷宫。
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