跟巨匠学名画之所以成为名画的奥义（经典套装共2册） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[日] 内田广由纪 著

图书标签:

• 艺术史
• 绘画
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• 文化
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• 艺术普及
• 经典

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115002594

版次：1

商品编码：12042218

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-09-01

用纸：铜版纸

套装数量：2

产品特色

编辑推荐

　　名画为什么会是名画？
　　绘画大师的构图究高明在哪？
　　我该如何学习绘画构图？
　　本书以大师画作为例，用生动的语言讲述解名作的动人之处，让你领悟大师的构图诀窍！

内容简介

　　名画为什么会是名画？大师的作品的高明在哪里？问题的答案都在这本书中。这是一本有趣的绘画构图设计书，带你轻松学习绘画巨匠们的构图技巧。
　　全书分为5部分。首先讲解了名画之所以成为名画的3个条件，之后通过4个章节，以几十幅大师画作为例，分别讲解了名画构图的基本型、画面构图的元素、突出主体的方法和肖像画的构图要诀。每幅画作除了展示大师的构图技巧外，还举出另一种构图方案作为对比。读者通过阅读本书，能直观地感受到构图技巧的效果，深入理解其中的原理，并举一反三，在赏析其他作品时灵活地运用。
　　本书适合绘画爱好者和专业人士阅读使用，也可用作培训机构的授课参考书。

作者简介

　　内田广由纪，是日本知名的艺术教育家，主要研究画面的配色和构图，中文译作有《配色基础原理》等。

目录

① 版面率率 52
版面率低的时候可以表现宁静的效果
② 信息量 56
画面内容丰富的时候可以表现出热闹活跃的气氛
③ 非水平性 58
倾斜的构图可以让画面生动活现
④ 跳跃率 62
低跳跃率表现柔和稳重
⑤ 比例 64
比值高的画面更显时尚美丽
⑥ 疏密对比 66
对比而来充实
⑦ 曲直对比 68
突出曲线的优雅柔和
⑧ 锐钝对比 70
细锐而来的鲜明
⑨ 胖瘦性 72
瘦可以强调出纤细的效果
⑩ 人物的气度 74
气魄低时表现安静的精神性
?群组化 76
构图清晰是基础中的基础
??均衡 78
构图的稳定性也是基础技术
?重点 80
生动、轻快、爽朗
?视线的高低 82
降低水平线后视角会变窄
第3 篇 突出主角 84
绘画是由5 种角色和4 种布景所组成 86
① 中心位置要大而强 88
强调画面中的主角
② 减弱反面角色 90
增强主角在画面中的分量
③ 增色 92
让主角更加清晰明确
④ 扩大空间 96
强化弱势的主角
⑤ 集中视线 100
让视线集中在较小的主角身上
专栏 用视线来表现 102
主角是谁？
专栏 主角的表现特技 104
眼前一亮的构图
专栏 没有主角的3 种构图 106
全景型、均一型、分散型
专栏 用背景深化故事性 108
把想要表达的气氛清晰地传递出来
第4 篇 人体传递出的信息 110
人体表现出的信息“视线” 112
视线是表现情感的关键
① 相思和对决的视线 114
交叉表现出相思
② 诱导的视线 116
接受起始的视线，然后到结束
③ 美人回眸一般的多层视线 118
令人心跳的效果
④ 视线的后方 124
表现对过去的感谢
⑤ 视线的三种型式 128
对立、集中、分散
肢体语言“手脚” 130
手脚的收拢与放开
专栏 绘画追求的并不是画技水平的高低 132
梵高创作制的浮世绘
专栏 “不可思议的情景”在心中回想 134
暗示着表演的开始

艺术的殿堂：一部关于绘画史与鉴赏的深度探秘 这部卷帙浩繁的艺术通史，旨在为读者构建一个清晰、深入的西方绘画发展脉络，并辅以详实的个案分析，使其不仅能够“看”画，更能“懂”画。全书严格遵循时间顺序与艺术流派的演变逻辑，从古典主义的萌芽到现当代艺术的多元探索，力求展现艺术之为人类精神表达的深层意义。 第一卷：从神圣到人性的觉醒——文艺复兴至巴洛克 第一章：黑暗中的微光——中世纪晚期的过渡 本章首先回溯了拜占庭艺术的庄严与宗教色彩，指出其程式化表达如何成为早期艺术的基石。随后，笔锋转向14世纪的意大利，重点剖析了乔托（Giotto）在空间透视和人物情感表达上的革命性突破，探讨“人”开始重新进入艺术视野的社会文化背景——城市商业的兴起与人文主义思潮的酝酿。 第二章：文艺复兴的黎明——早期与盛期（15世纪初至16世纪初） 此部分是全书的基石之一。我们将细致考察佛罗伦萨画派的精湛技艺。马萨乔（Masaccio）的“科学透视”如何彻底改变了二维空间的描绘方式；波提切利（Botticelli）作品中对古典神话的重新演绎，体现了美第奇家族的文化品味与新柏拉图主义的影响。 盛期文艺复兴部分，聚焦于“三杰”： 达·芬奇（Leonardo da Vinci）： 不仅是天才的画家，更是科学的实践者。重点分析其“晕染法”（Sfumato）在营造神秘感和捕捉瞬间表情上的效用，剖析《蒙娜丽莎》的技术与心理深度。 米开朗基罗（Michelangelo）： 论述其雕塑家思维对绘画的影响，尤其在西斯廷天顶画中，如何将神圣叙事转化为宏大的人体史诗，探讨“扭曲”（Figura Serpentinata）的动感美学。 拉斐尔（Raphael）： 研究其如何在古典平衡与和谐中，达成教廷所需的理想化表达，分析《雅典学院》中构图的严谨与群像的个性化塑造。 第三章：北方的细腻与精神性 本章将视线转向阿尔卑斯山以北，考察尼德兰地区对油画媒介的掌握。凡·艾克（Jan van Eyck）的“油画光泽”技术如何实现前所未有的细节描摹，探讨《根特祭坛画》中隐藏的象征体系。随后，引入丢勒（Albrecht Dürer）对透视学和人体解剖的研究，对比意大利文艺复兴的宏大叙事与北方艺术对日常生活的虔诚观察。 第四章：信仰的张力——风格主义的过渡 随着盛期和谐的瓦解，欧洲进入一个充满焦虑的时代。风格主义（Mannerism）应运而生。本章分析帕尔米贾尼诺（Parmigianino）和丁托列托（Tintoretto）如何故意拉伸比例、使用非自然的光线和复杂的空间结构，表达对古典理想的质疑与不安。 第五章：光影的戏剧——巴洛克艺术的辉煌 巴洛克时期是情感表达的极致。卡拉瓦乔（Caravaggio）的“明暗对照法”（Tenebrism）如何通过极端的光影对比，将神圣事件拉入凡尘，创造出强烈的戏剧张力。同时，我们将深入探究欧洲其他中心的成就： 佛兰德斯： 鲁本斯（Rubens）对生命力、肉体与运动的赞颂，其饱满的色彩与动态构图。 西班牙： 委拉斯开兹（Velázquez）对真实光线和心理捕捉的登峰造极，特别对其作品《宫娥》中观察者与被观察者关系的探讨。 荷兰的市民艺术： 伦勃朗（Rembrandt）的内省与光线运用，如何将肖像画提升至对人内心世界的深刻挖掘。 第二卷：启蒙、革命与现代的开端——古典主义至印象派 第六章：理性的光芒与情感的回溯——新古典主义与浪漫主义 18世纪中期，启蒙运动推动了对古希腊罗马秩序的回归。大卫（Jacques-Louis David）以其清晰的线条和道德说教式的题材，成为新古典主义的旗手，探讨艺术在社会变革中的作用。 然而，这种过度理性引发了反弹。浪漫主义（Romanticism）强调直觉、情感、异域风情与对自然的敬畏。戈雅（Goya）对战争残酷性的揭露，德拉克洛瓦（Delacroix）对色彩与激情的运用，以及透纳（J.M.W. Turner）笔下自然伟力的不可抗拒，标志着艺术主体性的进一步转移。 第七章：工业时代的风景——现实主义的诞生 随着社会结构的变化，艺术家的目光转向了工厂、农田和普通工人。库尔贝（Gustave Courbet）高举“反对学院派”的旗帜，主张描绘“他能看见的”真实世界，即使它是粗粝和不美的。米勒（Jean-François Millet）的作品则展现了对劳动人民的同情与尊严。本章探讨现实主义如何挑战了传统艺术金字塔的等级制度。 第八章：色彩与光线的革命——印象派的诞生与发展 印象主义是艺术史上最引人注目的转折点之一。本章详细分析了户外写生（Plein Air）的实践如何改变了对色彩的理解。 莫奈（Claude Monet）： 聚焦于对特定时刻光影的捕捉，其对“瞬间印象”的执着如何使其作品从具象转向对光波的抽象探索。 雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir）与德加（Edgar Degas）： 分别探讨了对现代巴黎生活场景（咖啡馆、剧院、舞会）的描绘，以及德加在借鉴日本浮世绘后对构图的革新。 第九章：印象后的探索——后印象主义的多元路径 印象派对客观光影的迷恋，促使下一代艺术家寻求更深层次的主观表达和结构重建。本章将介绍三位关键人物： 塞尚（Paul Cézanne）： 探讨他如何试图“用圆柱体、球体、圆锥体来处理自然”，为立体主义奠定了解构的基础。 梵高（Vincent van Gogh）： 分析其如何利用强烈的、非自然的面幅（Impasto）和扭曲的线条，将内在情感转化为视觉能量。 高更（Paul Gauguin）： 研究他对“原始性”的追寻，以及“色块”和平涂技法在表达象征意义上的潜力。 第十章：通往现代的桥梁 本章将初步介绍20世纪初的艺术先声，如象征主义的余波，以及野兽派（Fauvism）对色彩的纯粹解放（马蒂斯），为下一阶段的现代艺术爆发做好铺垫。全书在此处戛然而止，留下对“名画奥义”更深层次解读的广阔空间，引导读者在理解了历史脉络与技术演变后，自行进入对20世纪前卫艺术的思辨。 总结： 本书并非单纯的名人传记或技巧手册，而是通过对特定历史语境、哲学思潮和绘画材料的耦合分析，旨在揭示每一幅“名画”是如何在其诞生的时代，以其独特的方式回应了人类对美、真理和存在的永恒追问。读者将学习如何辨识构图的平衡、色彩的张力、以及笔触下隐藏的时代心声。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真的很有心，硬壳精装，拿在手里沉甸甸的，一看就知道是想好好做深度内容的。纸张质量也上乘，印刷的色彩还原度极高，尤其是那些原作的细节部分，那种油画特有的肌理感似乎都能透过纸面感受到。我特别喜欢那种高清放大的局部图，能让我仔细观察大师们是如何处理光影和笔触的。对我这种业余爱好者来说，能以这种高标准的视觉体验去“亲近”这些不朽之作，本身就是一种享受。那种将画作“拆解”开来，从构图、色彩、光线等多个维度去解析的写作方式，非常系统化，不像有些书只是简单地介绍背景故事，这本书更像是提供了一把瑞士军刀，让你能从各个角度去剖析艺术的精髓。尤其是对比章节，把不同时期、不同画派的作品放在一起比较，那种“原来如此”的顿悟感非常强烈，绝对是值得收藏的工具书。

评分☆☆☆☆☆

我原本以为这是一本晦涩难懂的艺术理论书籍，毕竟“奥义”这个词听起来就很有门槛，但实际阅读下来，作者的叙述方式极其平易近人，简直是为“艺术小白”量身定制的入门向导。他没有堆砌那些令人头疼的专业术语，而是巧妙地运用生活化的比喻来解释复杂的艺术原理。比如，他讲构图的平衡时，会联系到建筑学的稳定结构；讲解色彩心理学时，会引用我们日常生活中对不同颜色的直观感受。这种“去术语化”的处理，让那些原本高高在上的名画瞬间变得可亲可爱。我感觉自己不再是仰望者，而是被邀请到画家的工作室里，听一位经验丰富的导师娓娓道来，讲解为什么这一笔要这么下，而不是那样下。读完以后，再去博物馆看原作，那种“看门道”的能力明显提升了一个台阶，不再是走马观花，而是带着目的性地去欣赏了。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏这本书的地方在于它打破了“名画”的神坛光环，让我们看到艺术创作背后的挣扎、实验甚至是不完美。作者没有把所有的大师都描绘成无所不能的天才，而是展示了他们是如何在无数次的失败、自我怀疑和对传统的挑战中，最终才找到了属于自己的独特语言。书中很多关于艺术家早期作品的讨论，与他们后期登峰造极之作的对比，非常发人深省。这让我明白了，成为“名家”并非一蹴而就，而是无数次“试错”和“坚持”的结果。对于我们这些在艺术道路上摸索的人来说，这种真实和人性化的描绘比一味地赞美更加鼓舞人心。它告诉我们，犯错是学习的一部分，而突破既有框架，才是名画诞生的真正“奥义”所在。

评分☆☆☆☆☆

作为一名经常尝试临摹的爱好者，这本书对我技法上的启发是立竿见影的。它并没有提供那种“按部就班”的临摹教程，但它提供了更重要的东西——对“意图”的理解。很多时候，我们临摹只停留在形似，却抓不住神韵，就是因为不理解画家下笔时的动机。这本书通过对笔触力度、颜料厚度（厚涂与薄涂的对比）的细致分析，让我明白了大师们是如何通过物理媒介来表达情绪的。比如，在分析伦勃朗的光影时，作者深入剖析了他如何用环境光和特定光源的对比来引导观者的视线，这种对“视觉心理学”的运用讲解得极其透彻。我现在尝试创作时，会更有意识地去思考：我的观众应该先看到哪里？我需要用多重的笔触来营造这种空间感？这种从“模仿”到“理解”的转变，对提升个人创作水平有着不可替代的价值。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度绝对超出了我的预期，它并非停留在表面的“好在哪儿”，而是深入挖掘了“如何成为名画”背后的哲学思辨和时代背景。作者对历史语境的梳理非常到位，他阐述了特定历史事件如何催生了某种艺术思潮，以及艺术家是如何在那个特定的社会环境中“反叛”或“顺应”潮流的。这种宏大的叙事结构，让每一幅画作都拥有了鲜活的生命力和时代厚重感。我尤其欣赏其中关于“创新性”的探讨，很多被奉为圭臬的技法，作者都追溯到了其开创性的源头，解释了为什么某位画家第一次使用某种手法时，会引起如此巨大的轰动。这不仅仅是一本画册，更像是一本浓缩了西方艺术史发展脉络的思维导图，逻辑严密，环环相扣，读完后对整个艺术史的认知框架都得到了一次彻底的重塑。

评分☆☆☆☆☆

书不错，还没有打开看，学习一下。

评分☆☆☆☆☆

应该是孩子学绘画的入门书，耐心等待孩子发现这本书的时候……

评分☆☆☆☆☆

随手翻看翻看，印刷字迹清晰，塑封完整！

评分☆☆☆☆☆

在双十一活动收了，还是618活动力度大。这本书很有趣，内容丰富，可供学习。学艺术有很多好处，比如培养人的气质和内涵，各地中高考对艺术生也要相应的加分政策。

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

双十一剁手买的，优惠力度挺大的

评分☆☆☆☆☆

可以轻松了解艺术史，内容有趣

评分☆☆☆☆☆

发货快，还不错，慢慢研究学习，超划算

评分☆☆☆☆☆

讲的很通俗有趣，看看就行，不敢仔细看…挺好玩的