具体描述
编辑推荐
适读人群 ：对中国艺术、西方艺术感兴趣的普通读者；艺术史初学者从16世纪到现代，关于以中国和日本为代表的东方艺术，与以西欧和美国为代表的西方艺术之间相互交流影响的历史，苏立文这本《东西方艺术的交会》无疑是一部作品，其材料之详尽，论述之清晰，学识之渊博、观察之敏锐，以及思考之深度，举世无出其右者。如同《中国艺术史》和《20世纪中国艺术与艺术家》一样，苏立文提供给我们的从来都不仅仅是知识本身，更多的是融会贯通的文化视野，以及对艺术演进脉络的整体梳理和把握。
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内容简介
东西方文化的相互影响已经成为公认的、自文艺复兴以来世界历史上有意义的事件。《东西方艺术的交会》一书讲述的便是从16世纪到现代，以中国和日本为代表的东方艺术，与以西欧和美国为代表的西方艺术之间相互交流影响的历史。
中国风为何会风靡18世纪的欧洲宫廷？从幕府时代到明治维新，基督教与兰学如何影响了日本美术的发展？浮世绘如何产生于西方美术的影响，又是如何反作用于举世闻名的印象派的？中国与西方的接触虽然更早，为何受西方艺术影响却没有日本大？日本在东西方文化交流中扮演了怎样的特殊角色？西方艺术如何影响了中国的现代美术革命？……
苏立文教授引导读者穿越这风云变幻、瑰丽多姿的四个多世纪，清晰阐述出近代东西方艺术文化之间，彼此深深吸引而又对立排斥的过程，为我们厘清这一段既熟悉又陌生的纷繁际会。
作者简介
迈克尔·苏立文（Michael Sullivan，1916—2013），牛津大学圣凯瑟琳学院荣誉退休院士，曾在剑桥大学、斯坦福大学等多所高校和研究机构从事教学及研究。荣获过美国国家人文基金会、古根海姆基金会、洛克菲勒基金会等多所机构颁发的多项荣誉和研究基金。
1940年代来到中国，并开始接触中国艺术，结识了庞薰琹、吴作人、丁聪、郁风、关山月、刘开渠等中国现代艺术家，此后一直与几代中国艺术家和诸多艺术机构来往密切。毕生专注于中国艺术的研究和传播，是最早向西方引介中国现代艺术的西方学者之一，并成为这一领域的国际权威。著有《中国艺术史》《20世纪中国艺术与艺术家》《东西方艺术的交会》等多部深具影响力的专著。
赵潇（Rebekah X. Zhao），山东大学历史系博士，1994年起移居英国，长期从事翻译工作。于2010—2012年间在牛津大学进修西方艺术史，得苏立文教授亲自传授。现担任英国雷丁大学国际研究及语言中心中文讲师。
内页插图
精彩书评
关于东西方美术的相互影响，苏立文教授的这本书是迄今为止材料详尽完备，论述清晰准确的著作。
——陈瑞林 清华大学美术学院教授
苏立文教授这部著作同时吸收了东方和西方的人文主义遗产，这是个非常重要而艰巨的任务。
——包华石（Martin J. Powers） 密歇根大学艺术史教授
这部著作集合了渊博的学识、敏锐的观察和深度的思考。
——《经济学人》
本书观点审慎周全并且高度聚焦，能对中国、日本与西方艺术之间复杂的互相影响作出如此清晰易懂的阐述。
——《阿波罗》杂志
目录
第一版致谢
第二版致谢
引言
第一章 日本与西方的初期接触：1550—1850年
基督教百年
18世纪西方美术对于日本的影响
欧洲艺术对日本“南画”的影响
西方对日本彩色木版画的影响
第二章 欧洲美术与中国：1600—1800年
17世纪西方美术对中国的影响
18世纪的西方美术与中国美术
19世纪早期中国南方与西方美术的接触
第三章 欧洲与中国美术：1600—1900年
17—18世纪的欧洲与中国美术
中国和英国园林艺术
19世纪：隔阂的年代
第四章 从1868年明治维新至现代
明治天皇时代的日本美术：投降和反击
明治时代的雕塑艺术
20世纪：日本风格绘画——“日本画”
20世纪：日本的西洋风格绘画
第二次世界大战后的日本美术
现代日本版画
在海外的日本艺术家
第五章 中国的美术革命
1800—1949年的中国美术
1949年以后的中国美术
第二次世界大战以后活跃于国际画坛的中国画家
第六章 欧洲及美国与东方美术：从1850年到现在
日本与印象派画家
日本与后印象主义画派
东方美术、象征主义画派和纳比画派
东方美术与20世纪西方绘画
美国对东方艺术的响应
后记 对东西方美术对话的反思
参考书目
译名对照表
精彩书摘
18 世纪的西方美术与中国美术
1715 年12 月，一位出生在米兰、于热那亚受教育的年轻耶稣会士郎世宁来到北京，清宫廷终于迎来了一位有才能的欧洲画家，他注定要在其后半个多世纪内对清廷的艺术风尚产生重大影响。赴中国途中他在葡萄牙滞留了四年，为里斯本科英布拉（Coimbra ）的耶稣会修道院小教堂绘制了记录圣徒依纳爵· 罗耀拉（St Ignatius Loyola ）生平事迹的壁画。如果当时他期望他在中国的艺术生涯也将主要投入到基督教堂的装饰绘画上，那么事实会给予他残酷的打击。
郎世宁来到北京不久，就被派到修建中的巨大而杂乱无章的圆明园，开始了紧张的工作，他的工作地点是圆明园一角的一间阴暗画室。一个耶稣会士形容这些拥挤不堪、臭气烘烘的工作坊里，“到处是堕落的人众”。郎世宁和另一位刚来到北京的马国贤神父一道，像奴隶一般地制作瓷器上的装饰珐琅。尽管耶稣会士愿意为进一步传教布道的目的而投身去做几乎任何工作，但是 这种状况也太过分了。他们联合抗议要求免除劳役，故意把装饰图案画得很拙劣。皇帝不太情愿地释放了他们，虽然这并非他们所要求的真正的自由。
另外一名法国耶稣会传教士王致诚（Jean-Denis Attiret）于1738 年来华入宫与郎世宁一同工作。他发出强烈的抱怨，说他们总是被迫使用中国绘画材料，从没有时间和精力从事他们希望绘制的基督教祷告画。虽然郎世宁和王致诚在朝中待遇隆厚，但他们并未能免除劳役。1754 年王致诚在承德避暑山庄为皇帝绘制肖像画和功绩纪念性画像，被迫一连几个星期没日没夜地工作，他写信给北京的钱德明神父（Father Amiot）道：“这种荒唐什么时候才能结束？我们离上帝之所如此遥远，到目前为止我们被剥夺了所有的精神食粮，我发现很难说服我自己现在做的这一切都是为了上帝的荣光。”
郎世宁将其余生供职于康熙、雍正和乾隆三位皇帝的宫廷里。他将西方绘画的透视法和阴影描画法，偶尔也有明暗对照法，引入中国宫廷体绘画中，逐渐形成了一种完美的写实主义的中西结合绘画风格，其作品对中西绘画手法运用自如，颇具品位。
1736 年4 月，钱德明神父在给欧洲教会的报告中写道：
我们最亲爱的卡斯蒂里奥奈（即郎世宁）每天忙碌于宫廷的艺术制作中，首先是珐琅绘画，后来是常规的油画或者水彩画，（雍正）皇帝本人也十分倾心于这些艺术。按照宫廷的规矩，他必须将所有的作品献给皇帝。可以说他的作品深得皇帝的喜爱，皇帝曾在不同场合亲切赞扬过艺术家，其赏赐之丰厚超过先皇帝。皇帝还经常派人送给他御膳菜食。皇帝曾一次赏赐他12匹上等丝绸，还有一颗宝石印章，上刻十字架上的基督雕像。最近他得到的一次赏赐是一顶夏季凉帽，这件礼物代表了巨大荣耀。
乾隆皇帝继位后，对郎世宁的器重与他的父亲和祖父一样慷慨，对郎世宁的要求也比较严格和具体。很快郎世宁被任命为位于圆明园东北角、乾隆畅春园（乾隆称为长春园）建筑工程的总设计师。在那里郎世宁设计了一系列洛可可风格的宫殿、楼阁和露台，精巧繁华，深受皇帝喜欢（图2.21）。这些建筑虽然缺乏专业训练和评论家的指导，但充满了这位耶稣会士的自由想象力，他一定也从中获得了无比的乐趣，因为这时正值他事业生涯中可以随心所欲自由发挥才干的鼎盛时期。在畅春园的两座楼阁中间，站立着由蒋友仁神父设计的由机械操作的巨大喷水台，尤令乾隆皇帝引以为豪。
乾隆在这些华丽的宫室内摆满了法国国王路易十四和路易十五赠送的家具、钟表、图画，还有机械玩具。墙上挂有布歇（Boucher ）设计的绣帷图——中国壁挂。据说该壁挂图案是根据郎世宁年轻的耶稣会教友王致诚所画北京紫禁城草稿图设计的，不过此说不太可靠。乾隆能够想象得到这些漂亮的中国风格的艺术壁挂本意是要描绘他自己的宫廷吗？说不定他以为它们表现的是法国凡尔赛宫呢！路易十五于1767 年又赠送给乾隆皇帝一套哥白林双面绣帷壁挂，为此乾隆特地另修了一座楼阁挂置。
正如路易十五偶尔在宫廷内穿着中国服装觉得很有趣一样，乾隆也不时穿穿西洋衣服取乐。他让画师把他自己和他宠爱的香妃画成身穿欧洲盔甲头戴盔帽的模样。现存有一幅妩媚迷人的香妃肖像画（图2.22），她身着欧洲乡村姑娘装扮，一手拿牧羊弯手杖，一手提一篮鲜花。这个人物画像直接取材自布歇作品，可能是郎世宁或他的学生绘制的。
除了制作皇帝肖像画和功德庆典画以及为圆明园制作壁画外，郎世宁还专心绘制皇帝宠物、骏马和吉祥花卉植物卷轴，有时也画山水。台北故宫博物院收藏了他一幅高立轴山水图（图2.23 ，图2.24），除个别细节外，这幅画是对17 世纪著名院体画家王翚画风的精心仿制之作。或许他最成功的融合中西画法的集大成之作是长轴手卷《百骏图》（彩图5）。该图乃1728 年为雍正皇帝绘制，图中因手卷形式所要求的无固定焦点连续透视法当然是中国式的，然而借助连续不断的地平面而达到的景深效果，以及倒影和阴影的使用，则是西方式的。只是这些西式技法让位于画面整体的中国品位，只限在局部范围使用，而且中国绘画里通常的山岗岩石和树木的画法也被西式的写实素描所取代。总的来说，这是一幅相当杰出的中西技法结合的完美之作，画家以巧妙的经营构思，既有西方写实主义的成分足以令皇帝高兴，又从整体上保持了中国传统绘画的格调不致使其困惑。
伦敦私人收藏的一幅大型绢帛画，似乎也属于这类耶稣会士和他们的学生绘制的宫廷肖像画（彩图6）。画面中一位优雅的仕女身穿天鹅绒服装，手捧毛绒暖手笼，坐于一张西洋椅上，平静地看着下面的小丫鬟伸手在炭火炉上烤火；旁边侍立的一个小丫鬟手捧螺钿托盘，上置看起来像荷兰式样的咖啡壶、开口水杯和茶碗；背景是柔和的洛可可风格。图中的众多细节，如球形玻璃花瓶，门框顶上的风景画、家具、托架，尤其是对仕女脸部表情生动细腻的描画，对脸部亮点和阴影的灵巧处理，都显示此画出自一位欧洲画家之手，其很可能有中国助手。
我们不知道这位欧洲画家是谁。画中人物特有的娇媚神态表明该画更接近法国风格，而非意大利风格。王致诚在1743 年11 月的信中写道，他主要是在绢帛上画水彩画，或在玻璃上画油彩画，几乎不画欧洲风格的作品，只有在画“皇后、皇帝的兄弟们、其他有血缘关系的亲王和公主、皇帝的某些信臣和其他藩王”的肖像画时，才用欧洲手法。伦敦私人所藏这幅仕女图不仅强烈夸大仕女人像所占比例，而且对仕女脸部描绘的细致和逼真程度远远超过对两个侍女的描绘，说明这幅画是一幅仕女肖像画，而不仅仅是装饰组合画，虽然我们还不能肯定是否为王致诚所画。
……
前言/序言
用户评价
这部作品的独到之处在于它对“边界”概念的解构与重塑。它似乎总是在探讨那些原本泾渭分明的界限——例如实用与审美、世俗与神圣、过去与现在——是如何在历史的冲刷下变得模糊不清、相互渗透的。作者的写作风格时而如同一位精准的外科医生，剖析社会肌理的每一个细节；时而又像一位浪漫的诗人，用富有张力的意象来描绘那些难以言喻的集体潜意识。我个人最被吸引的是他对“物哀”美学在不同文化语境下的投射研究。他没有将这种情绪视为单一的、西方的或东方的，而是将其视为人类面对时间流逝的普遍反应，只是在不同的文化土壤中，它开出了不同的花朵。这种跨越文化藩篱的洞察力，使得全书的视野极其开阔。阅读完后，我感到自己对“文化差异”的理解不再停留在表面的习俗比较上，而是深入到了对人类共同精神困境的共情层面。这本书无疑是厚重的，但它的重量来自于其思想的密度，而非文字的堆砌，非常值得细细品味。
评分这本书的魅力，在于它有一种近乎神秘的“共振”能力。它不是在讲述一个故事，更像是在搭建一个精神场域，邀请读者进入其中共同完成一次精神上的“朝圣”。作者的行文充满了一种克制的激情，他似乎在努力克制自己不要过度阐释，而是让那些隐秘的文化符号自己说话。我花了很长时间才完全进入状态，一旦进入，那种沉浸感是无与伦比的。书中对某种特定地域环境如何影响群体心理的分析尤为精彩，他将地理特征与社会习俗巧妙地捆绑在一起，展示了环境如何成为塑造人类行为模式的无形之手。这部分内容读起来，让人感觉不是在“阅读知识”，而是在“体验历史”。不同于许多严肃著作的冰冷说教，这本书充满了人性的温度，即便是面对那些宏大的历史转折点，作者也总能捕捉到小人物在时代洪流中的挣扎与坚韧。这让整本书读起来有种既宏伟又亲切的奇特感觉，仿佛一位博学的长者，在炉火边，向你娓娓道来那些关于我们如何成为“我们”的秘密。
评分这部作品，乍看之下，像是对某个特定文化现象的深度挖掘，但我却从中咂摸出了一种更为宏大、更为内在的精神脉络。作者的笔触细腻得近乎苛刻，描绘的场景并非华丽的辞藻堆砌，而是如同老旧的胶片被小心翼翼地展开，每一个像素点都承载着历史的重量。我特别欣赏作者处理时间跨度的方式，它不是线性的推进，更像是一种螺旋上升，让读者在不同的时代切面间游走，却总能找到那个恒定的、关于“美”与“存在”的追问。比如，书中对某一时期手工艺人工作状态的侧写，那种近乎冥想般的专注，与现代社会快节奏下的创作焦虑形成了鲜明的对比。这种对比并非生硬的说教，而是通过细节的堆叠，让读者自己去体会那种物我两忘的境界。阅读过程中，我时常需要停下来，不是因为晦涩难懂，而是因为某些段落触动了我内心深处未曾言说的感触，仿佛作者无意中描摹的只是一个远去的背影，却让我想起了自己年轻时同样义无反顾的某个瞬间。这本书真正厉害的地方在于，它没有提供标准答案，而是提供了一套观察世界的独特透镜，让你开始审视自己周遭的一切，即便是最日常的事物，也可能蕴含着千年的回响。
评分这本书的叙事结构简直是一场精妙的迷宫探险，你以为找到了出口，结果却发现自己回到了起点，但每一次“回到起点”，你对这个“起点”的理解又完全不同了。作者仿佛是一位技艺高超的织工，他将无数看似毫不相关的线索——一段民间传说、一份尘封的信件、一张模糊的照片——编织在一起，形成了一张既错综复杂又严丝合缝的网。我最着迷的是他对“失落”这一主题的处理。他没有沉溺于伤感或怀旧，而是将“失落”描绘成一种必要的留白，一种为未来想象力预留的空间。这种处理方式非常现代，它拒绝了宏大叙事，转而关注那些被主流历史遗忘的边缘声音。例如，书中对某次社会变迁后个体命运的侧写，寥寥数语，却构建了一个完整而令人心碎的世界。读完后，我感觉自己像是刚刚结束了一场漫长的、关于记忆与遗忘的哲学辩论，但所有的理论都融化在了一种无可名状的情绪之中。这本书的阅读体验是主动的，它要求读者不断地参与建构，去填补那些作者故意留下的空白，这使得每一次阅读都成为一种个性化的再创造。
评分说实话，初翻这本书时，我有些被它的密度吓到。它不是那种可以轻松“消磨时间”的读物，它更像是一块需要用耐心和时间去打磨的宝石。作者的语言风格如同古典音乐的复调结构，多层次的意象交织在一起，彼此呼应，却又保持着各自的独立性。他似乎对手头的材料有着绝对的掌控力，即便是最晦涩的典故或最学术化的探讨，也能被他转化为充满画面感的文字。我尤其欣赏其中对于“媒介变迁”的洞察。他没有简单地批判新技术的冲击，而是深入探究了不同信息载体如何塑造了人类的感知系统。比如，书中描述了口述文化向书面文化过渡时期，人们记忆方式的微妙转变，这种细致入微的观察，让人不得不重新思考我们现在所处的数字时代，我们正在“失去”或“获得”着什么。这本书的价值在于，它提供了一种历史的纵深感，让你意识到我们现在所体验的一切，都只是漫长演变链条上的一个瞬间。它迫使你慢下来，去品味每一个词语背后的历史沉淀，而非仅仅关注其表面的意义。
评分买了很多东西 都非常满意 很好的卖家 我会常来的
评分挺好的书 值得好好研究一下
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评分中西方艺术相互碰撞，产生很大有趣的现象，值得一读。
评分巫鸿近年来致力提高国外对中国现代艺术的理解和研究水平，加强国内外艺术家、评论家和策展人之间的交流。策划的大型展览包括：《瞬间：90年代末的中国实验艺术》（1998），《在中国展览实验艺术》（2000），《重新解读：中国实验艺术十年（1990－2000）——首届广州当代艺术三年展》（2002），《过去和未来之间——中国新影像展》（2004），和《“美”的协商》（2005）等，并撰写并编辑有关专著。
评分苏立文的三本书都收了
评分不同文化背景出产不同的艺术，在碰撞之中必然产生种种不同的态度与观点。于西方而言，自1550年始的西风东渐，是以基督教传化教义为核心，艺术交流仅仅是一种媒介、一种手段，它可以起到润物无声的效果。在东方，中、日之间巨大的国情差异导致两国政府、文化人士对西方艺术的态度存在巨大不同。在东进与西出之间，没有哪一种艺术可以完全取代另一种艺术，然而艺术是奇特的，它需要创意、需要灵感，而新鲜的技巧、不同的风格、异域的元素，又总能激起人们新一轮的创作热情，东西方艺术就是在这样彼此排斥、借鉴、学习中实现渐变，但即使是在互联网如此发达的今天，东西方艺术也未完全融合，各自的文化底蕴仍为其艺术奠定了底色。
评分东西方文化的相互影响已经成为公认的、自文艺复兴以来世界历史上最有意义的事件。《东西方艺术的交会》一书讲述的便是从16世纪到现代，以中国和日本为代表的东方艺术，与以西欧和美国为代表的西方艺术之间相互交流影响的历史。中国风为何会风靡18世纪的欧洲宫廷？从幕府时代到明治维新，基督教与兰学如何影响了日本美术的发展？浮世绘如何产生于西方美术的影响，又是如何反作用于举世闻名的印象派的？中国与西方的接触虽然更早，为何受西方艺术影响却没有日本大？日本在东西方文化交流中扮演了怎样的特殊角色？西方艺术如何影响了中国的现代美术革命？……
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