书法鉴赏（第2版）/中国普通高等学校公共艺术课程系列教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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潘善助，杨嘉麟 著

图书标签:

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出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532277803

版次：2

商品编码：11484689

包装：平装

丛书名： 中国普通高等学校公共艺术课程系列教材

开本：16开

出版时间：2014-05-01

用纸：胶版纸

页数：155

正文语种：中文

编辑推荐

　　《书法鉴赏（第2版）/中国普通高等学校公共艺术课程系列教材》特色：
　　·本书体现了教材特色。全书文字表达深入浅出，体例清晰，并附有拓展训练。
　　·本书体现了大学特点。基于大学限定性选修课的教学时数一般为18周，所以全书共十八章，每章独立，章与章之间又相互联系。
　　·本书体现了鉴赏的特性。面对书法作品能辨出真假，分出高下，“比较”的鉴赏。
　　·本书体现了书法特征。鉴赏的客体是书法，是作品。全书共展示书法作品插图近300幅。

内容简介

普通高等学校应将公共艺术课程纳入各专业本科的教学计划之中，专科可参照执行。每个学生在校学习期间，至少要选修1门“艺术限定性选修课程”并且通过考核：或者至少取得2个学分。修满规定学分的学生方可毕业。　　教育部部属学校、“211工程”学校以及省属重点学校应开足开齐上述课程。其他学校应该努力创造条件，通过2到3年的努力尽快予以开设。

作者简介

　　潘善助，男，1963年生于浙江天台。曾任华东政法大学教授，现任上海市书法家协会秘书长、巾国书法家协会鉴定维权委员会委员，教育部高等学校美术学类专业教学指导委员会委员。出版著作、教材、字帖15册，在书法专业核心刊物上发表学术论文40多篇，主持教育部重点课题等四项。教学科研成果获第二届中国书法兰亭奖教育奖，教育部全国艺术教育科学论文二等奖。
　　
　　杨嘉麟，上海电力学院讲师，上海市书法家协会教育委员会副秘书长。书法作晶获全国高校廉政文化作品大赛二等奖、上海市第七届书法篆刻大展优秀奖、首届陆家嘴金融城书画摄影大赛三等奖。科研教学成果获E海市第三届大学生艺术展演高校艺术教育科研论文一等奖，编著出版《智永唐诗字帖》、《大学生书法一楷书》、《书法教学丛书一楷书》、《王铎行书创作必备》等。

内页插图

目录

总序
楮论
一、书法鉴赏的意义
二、影响书法鉴赏的几个因素
三、如何鉴赏书法
拓展训练

第一章 点划的形成——甲骨文与钟鼎文探密
一、毛笔的构造及其性能
二、中国文字的特殊性
三、点划的形成及其基本笔法
四、甲骨文鉴赏
拓展训练

第二章 书法线条的内在特征——漫谈在秦篆到清篆
一、书法线条的内在特征
二、秦代篆书作品鉴赏
三、清代篆书作品鉴赏
拓展训练

第三章 秀过刀锋看笔锋——探索汉的辉煌
一、书写与刻石
二、隶书的基本特征
三、《礼器碑》鉴赏
四、《张迁碑》鉴赏
五、《曹全碑》鉴赏
六、金农隶书鉴赏
拓展训练

第四章 书写材料的历史演变——细窥牍书法
一、书写材料的历史演变
二、简牍书法概况
三、睡虎地秦简鉴赏
四、银雀山汉简《孙膑兵法》鉴赏
五居延汉简《劾驷望长社未央状》鉴赏
六、武威汉简《仪礼简》鉴赏
拓展训练

第五章 书法线条的外在形式特征——欧阳询、诸遂良楷书剖析
一、书法线条的外在形式特征
二、楷书概况
三、欧阳询楷书鉴赏
四、褚遂良楷书鉴赏
拓展训练

第六章 书法的偏旁极其字形——颜真卿、柳公权、赵孟頫楷书鉴赏
第七章 字内空间与字外空间——魏碑书法作品鉴赏
第八章 书法的实用性——小楷书法作品鉴赏
第九章 笔法秘传和父子齐名——品读王羲之、王献之书法
第十章 书法的“面”一研读苏轼与蔡襄书法作品
第十一章 集古字，一日临摹、一日创作——探寻从米芾到王铎的书风
第十二章 地域书风——吴门书派书风解析
第十三章 朝代的书法首领——领略赵孟頫与董其昌的书风
第十四章 行足巨、字距章法的历史演变——窥探从杨凝式到黄道周的书风
第十五章 书法理论与书法实践——孙过庭《书谱》小草的巨作
第十六章 书法家的悟和通——大话怀素和张旭
第十七章 书法的点和线——深窥从黄庭坚到祝允明书风

前言/序言

笔墨丹青：中国传统绘画艺术的审美之旅 内容提要： 本书旨在带领读者深入领略中国传统绘画艺术的博大精深与独特魅力。全书以时间为脉络，以画科为经纬，系统梳理了自史前岩画至近现代绘画发展的恢弘历程。内容涵盖了从早期彩陶纹饰的神秘符号，到汉代帛画、墓室壁画的世俗生活再现；重点剖析了魏晋南北朝时期人物画的自觉与宗教画的兴盛；着墨于唐代工笔重彩的雍容华贵与水墨画的萌芽；详述了五代宋初山水、花鸟画的体系确立与成熟，以及文人画思潮的兴起；深入探讨了元代四家承接文脉与绘画语言的创新；细致解读了明清时期地域流派纷呈、个性解放的艺术图景；并对近现代中国画在转型与探索中的重要成就进行了客观梳理与评价。 本书不仅关注绘画作品的风格演变和技法特点，更强调绘画背后的哲学思想、人文精神与时代背景的相互渗透。通过对重要画家、经典画作的个案分析，揭示中国画“以形写神”、“气韵生动”的审美核心，及其在中国文化传承中的核心地位。 第一章 远古的呼唤与文明的曙光：中国绘画的史前基础与早期形态 本章追溯中国绘画的源头。首先探讨史前岩画与彩陶纹饰，分析这些早期图像符号所蕴含的原始信仰与生活片段，它们是中国艺术最古老、最直接的表达。随后，进入奴隶社会向封建社会过渡时期，重点介绍春秋战国时期的漆画和织锦图案，这些精美的装饰艺术已展现出成熟的造型能力和色彩运用。 秦汉时期是中国绘画从实用走向独立艺术表达的重要阶段。本章详细解析汉代墓室壁画和画像石、画像砖的内容与风格，它们是研究汉代社会风貌、丧葬习俗和神话信仰的珍贵资料。通过对《燕乐升仙图》等代表作的分析，探讨此时期“气势雄伟”的时代精神如何融入绘画。同时，关注早期的人物画理论雏形——如“六法论”的萌芽。 第二章 魏晋风骨与宗教的洗礼：人物画的自觉与成熟 魏晋南北朝是中国思想文化剧烈变革的时期，对绘画艺术产生了深远影响。本章聚焦人物画的“自觉”。在个体生命意识觉醒的背景下，顾恺之等人将绘画提升到哲学和道德的高度，提出了“传神写照”的艺术主张。深入分析顾恺之《洛神赋图》等作品中，线条的力度、人物的神态与衣纹的飘逸感是如何体现“骨法用笔”的精髓。 同时，佛教艺术的传入与本土化是这一时期绘画的另一主线。本章详细考察云冈、敦煌莫高窟的早期壁画，分析印度犍陀罗艺术、中原传统技法与域外风格的融合过程，探讨佛教图像体系的建立及其对后世人物造型与色彩运用的影响。 第三章 盛世气象与水墨初探：唐宋绘画的辉煌 唐代是中国封建社会的鼎盛时期，其绘画艺术也呈现出雍容华贵、气度恢宏的特点。本章首先细致剖析唐代人物画，包括吴道子“吴带当风”的衣纹变化、周昉、韩滉所代表的丰腴健美之风。重点分析了工笔重彩的登峰造极，以及敦煌壁画中晚唐风格的成熟。 更为关键的是，本章探讨了水墨画的起源与发展。在晚唐五代，黄荃、黄筌父子将花鸟画推向新的高峰，但其写实风格仍以色彩为主。而水墨写意的萌芽，标志着中国画内在精神追求的深化。 五代至北宋，山水画的地位空前提高。李思训的青绿山水与荆浩、关仝的北方雄伟山水，勾勒出宏大叙事的格局。进入北宋，范宽的《溪山行旅图》、郭熙的论画理论，确立了山水画的典范。本章深入阐释了宋代院体画对自然细致入微的观察，以及“格物致知”的儒学思想如何体现在绘画的写实性上。 第四章 文人精神的崛起与山水画的变革：宋元之际的艺术转向 南宋时期，在政治与文化中心南移的背景下，绘画审美开始发生微妙的变化。以“院体”对景写生为主流的同时，以梁楷为代表的“减笔”风格，则预示着文人画精神的进一步渗透。 元代是文人画全面占据主导地位的转折点。本章重点分析“元四家”——赵孟頫的复古主张、黄公望的“平淡天真”、倪瓒的“萧疏简远”，以及吴镇的墨戏。探讨他们如何超越对形体的摹仿，转而追求笔墨情趣和个人学养的表达。他们的理论和实践，奠定了后世中国画的审美标准，将“写意”推向极致。 第五章 技法集大成与地域流派的繁盛：明清绘画的多元格局 明代绘画艺术在继承元代文人画传统的基础上，出现了南北画派的对峙与融合。本章详细梳理了“浙派”、“吴门画派”的风格特点。以沈周、文徵明为代表的吴门画派，在笔墨意趣上承袭元人，形成了典雅含蓄的风格。 中晚明时期，绘画艺术更加注重个性表达，以董其昌为代表的“松江派”构建了南北宗论，对后世山水画的理论产生了巨大影响。同时，以徐渭、陈淳为代表的写意花鸟画，极大地解放了笔墨的表现力。 清代，随着商品经济的发展和文化品位的提高，绘画流派纷呈。本章将重点分析“四王”对传统技法的集大成与程式化，以及“四僧”（石涛、八大山人）的叛逆精神和强烈的个人风格。石涛“我自用我法”的理念，是反思传统、追求个性解放的集中体现。本章还将涉及早期岭南画派的萌芽及其对外来技法的影响。 第六章 变革与新生：近现代中国画的转型与探索 进入近现代，面对西风东渐的冲击，中国传统绘画经历了前所未有的阵痛与转型。本章梳理了晚清至民国时期，中国画家在如何“中西融合”方面的探索。 重点分析了以齐白石、张大千、徐悲鸿、潘天寿为代表的艺术大师。齐白石如何将文人画的写意精神与民间艺术的朴拙趣味相结合，达到“拙趣”的顶峰；徐悲鸿如何以西方的写实素描功底改造中国画的造型能力；张大千对敦煌壁画的临摹与“泼墨泼彩”的创新实践；以及潘天寿如何以强烈的体量感和黑白对比，重塑了中国画的视觉张力。 本书旨在通过全面、细致的论述，帮助读者建立起对中国传统绘画艺术的宏观认知和微观鉴赏能力，体会中国画“诗中有画，画中有诗”的独特艺术境界。

评分☆☆☆☆☆

在使用这本书的过程中，我发现它最大的优势在于其强大的辅助学习系统和与时俱进的更新理念。作为第二版，它显然吸收了前一版的反馈和最新的研究成果。例如，在对一些新兴的数字化研究方法在书法分析中的应用方面，它做了一些令人耳目一新的介绍，虽然不是核心内容，但体现了编者与时俱进的学术视野。此外，书中附带的某些学习资源，无论是配套的在线视频链接还是延伸阅读推荐，都经过了精心的筛选，确保了推荐材料的权威性和相关性。对于一个自学者来说，拥有一本能够提供多维度学习支持的书籍是极其宝贵的。这本书就像一位耐心的、知识渊博的老师，不仅传授了知识，更教会了我们如何去探索、如何去欣赏，使得整个学习过程充满了探索的乐趣和成就感，让人期待未来能够看到更多权威的修订和拓展。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书内容编排的逻辑性印象极其深刻，它不像是一些零散的资料汇编，而是构建了一个非常清晰的学习路径。它似乎从最基础的笔法结构和用笔力度分析入手，逐步过渡到对不同书体——篆、隶、楷、行、草——演变脉络的宏观把握，最后才深入到对历代大家风格特征的个案剖析。这种由浅入深、由点到面的结构，极大地降低了初学者的入门门槛。我发现，作者在讲解某些晦涩的理论概念时，往往会结合具体的范例进行多角度的对照分析，而不是仅仅抛出抽象的术语。比如，在论述“枯笔飞白”时，它会引用不同时代作品的局部放大图进行对比，辅以精炼的文字解释，使得原本难以捉摸的“韵味”变得可以被理解和捕捉。这种详尽而有条理的梳理，使得学习过程充满条理感，每读完一个章节，都感觉自己的知识体系又搭建起了一块坚实的基石，而不是碎片化的信息堆砌。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真的很有品味，封面采用了雅致的墨色与淡雅的宣纸纹理，光是拿在手里就能感受到一种沉静的书卷气。我特别喜欢它在版式上的考究，字里行间留白得恰到好处，既保证了阅读的舒适度，又营造出一种传统美学中“计白当黑”的意境。内页纸张的质感也相当出色，即使用普通钢笔书写，墨迹也不会轻易洇开，这对于经常需要随手做笔记或者临摹的读者来说，简直是福音。而且，这本书的开本设计非常人性化，既不像太大的画册那样笨重，又比普通平装书更便于展示细节丰富的书法作品，无论是放在书架上还是随身携带研习，都很合适。整体来看，这本书在视觉传达上就已经完成了对书法艺术的初步熏陶，让人在正式进入内容之前，就已经被那种内敛而厚重的文化气息所吸引，这绝对是许多学术教材所忽视，但对艺术类书籍至关重要的一环。这本书的每一个细节都透露出编者对“美”的执着追求，体现了对阅读体验的尊重。

评分☆☆☆☆☆

书中对经典碑帖的选择和呈现方式，简直是教科书级别的典范。我留意到，它收录的作品覆盖面非常广，既有我们耳熟能详的“二王”或颜柳，也有一些在学院派教学中相对少见的、具有地域或时代特色的精品。更值得称赞的是，对于每一个范例，出版社都投入了巨大的精力进行高质量的影印或制版。我特意拿手边的一些其他资料对比过，这本书的墨色层次感、线条的锐度、以及细微的涨墨效果，都得到了极佳的还原，这对于鉴赏者来说至关重要，因为书法艺术的魅力往往藏在这些微妙的细节里。而且，它在版面布局上非常巧妙，常常是一页正文讲解理论，对应的对开页就是高清的碑帖拓本或摹本，这种即时参考的设置，极大地提升了学习效率，省去了我频繁翻阅其他字帖的麻烦。这种对原作细节的忠实再现，是鉴赏入门的敲门砖。

评分☆☆☆☆☆

这本书的理论深度和广度，远远超出了我对一本“公共艺术课程”教材的预期。它不仅仅停留在“这是什么字、谁写的”的层面，而是深入探讨了书法作为一门艺术门类，与中国传统文化、哲学思想乃至社会历史变迁之间的深刻互动关系。例如，它在分析魏晋风度对书法风格的影响时，引用了大量的当时文人笔记和史料来佐证观点，使得书法不再是孤立的线条符号，而成为了特定时代精神的载体。我特别欣赏它在探讨笔墨精神时所展现出的那种辩证思维，它没有给出绝对的标准答案，而是引导读者去思考“变”与“不变”、“法度”与“个性”之间的张力。这种引导式的、开放性的学术探讨，让我体会到了书法鉴赏的复杂性和无限趣味，它鼓励读者形成自己的独立见解，而不是被动接受既定的结论，这一点对于培养真正的鉴赏眼光至关重要。

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