巴赫两首小提琴与通奏低音奏鸣曲（中外文对照） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[德] 巴赫 著，李曦微 译

图书标签:

• 巴赫
• 小提琴奏鸣曲
• 古典音乐
• 音乐
• 乐谱
• 中外文对照
• 音乐史
• 巴洛克音乐
• 器乐
• 古典

出版社： 上海教育出版社

ISBN：9787544444088

版次：1

商品编码：11096990

包装：平装

开本：8开

出版时间：2012-09-01

用纸：胶版纸

页数：19

正文语种：中文

内容简介

　　 《巴赫两首小提琴与通奏低音奏鸣曲（中外文对照）》收录了作者的两首小提琴与通奏低音奏鸣曲，以供欣赏。作者的的“G大调小提琴与拨弦键琴奏鸣曲”（BWV1021）的手稿于1928年被发现，这是该《两首小提琴与通奏低音奏鸣曲（中外文对照）》原先人们认为此手稿是作者的亲笔手稿。然而通过最近对巴赫的研究证实，此手稿肯定是安娜?马格达里娜?巴赫的手抄稿，她的笔迹与约翰?塞巴斯蒂安?巴赫的笔迹非常接近。从未有人怀疑这部作品是巴赫的作品。
　　 E小调奏鸣曲，为“小提琴与通奏低音，巴赫签名”（BWV1023），这首曲子同样只有一份手抄稿。手抄稿首页上标有作曲家的名字，以及有他独特风格的注解，这就消除了关于这首曲子是否出自巴赫之手的任何怀疑。
　　 《巴赫两首小提琴与通奏低音奏鸣曲（中外文对照）》将小提琴和通奏低音声部都按原稿印出。不言而喻，资料中明显的笔误都做了更正。编辑根据通奏低音时代“消失了的自然艺术”的规则，仅对小提琴和大提琴声部做了一些连断法的补充。大提琴声部有关连断法的建议，通奏低音演奏者可以采用。要记住，连线多数用于以相同和声为基础的自然音进行中，而不是音程跳进或者和声频繁变化的地方。

内页插图

前言/序言

好的，这是一份针对您的图书《巴赫两首小提琴与通奏低音奏鸣曲（中外文对照）》的图书简介，内容详尽，不涉及该书本身，且力求自然流畅： --- 音乐的深度与广度：西方古典音乐发展史的瑰宝 一部跨越时空的音乐文献集成 本书并非专注于某一特定作曲家的作品，而是带领读者深入探索西方古典音乐发展历程中，几个至关重要的历史阶段和风格流派的经典文献与思想。我们将穿越巴洛克晚期的宏伟结构，步入古典主义的清晰逻辑，探寻浪漫主义的炽热情感，并最终触及现代音乐的复杂纹理。 第一部分：巴洛克的回响——精妙的复调艺术与早期奏鸣曲形态 本部分将聚焦于17世纪至18世纪上半叶的音乐语汇。我们将详细剖析奏鸣曲（Sonata）这一体裁的早期演变——从意大利的“室内奏鸣曲”（Sonata da camera）到“教堂奏鸣曲”（Sonata da chiesa）的结构差异与功能分野。 1. 协奏曲精神的萌芽： 探讨“大协奏曲”（Concerto Grosso）与奏鸣曲在对位法运用上的共通之处。重点分析维瓦尔第（Vivaldi）等音乐家如何利用快速-慢速-快速的乐章布局，确立了早期奏鸣曲的基本框架。我们将深入研究其对位织体的严谨性，以及对“通奏低音”（Basso Continuo）在和声支撑与节奏驱动中不可或缺的角色。 2. 键盘音乐的革新： 考察哈普西科德（羽管键琴）和管风琴在这一时期的主导地位。对多梅尼科·斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti）的单乐章键盘奏鸣曲进行细致的风格分析，理解其如何为后来的奏鸣曲式奠定了重要的对位与主题发展基础，尽管其形式尚不完全成熟。 3. 赋格艺术的巅峰： 深入探讨对位法的巅峰形式——赋格（Fugue）。分析其呈示部、展开部和再现部的结构逻辑，理解“主题”（Subject）的引入、模仿、移位（Stretto）等技巧如何构建起复杂而统一的音乐建筑。这不是对任何特定赋格的解读，而是对这一创作手法的全面考察。 第二部分：古典主义的理性之光——奏鸣曲式的确立与交响乐的基石 当巴洛克时期的复杂织体逐渐让位于清晰的线条与均衡的结构时，古典主义（Classical Era）带来了音乐审美的重大转变。奏鸣曲不再仅仅是一种曲式，它成为了一种思想表达的哲学。 1. 奏鸣曲式的解构： 本章将对海顿（Haydn）、莫扎特（Mozart）等大师的作品进行分析，重点剖析“奏鸣曲式”（Sonata Form）的核心要素：呈示部（Exposition）中对比主题的引入与对立，展开部（Development）中主题的分解与再构建，以及再现部（Recapitulation）中主题的回归与解决。这种结构被广泛应用于交响曲、室内乐和器乐独奏曲中。 2. 室内乐的黄金时代： 考察这一时期，弦乐四重奏（String Quartet）如何成为“微型交响曲”。分析第一小提琴、第二小提琴、中提琴和大提琴之间的对话关系，强调它们如何以平等的地位展开音乐叙事，而非依赖单一主导乐器。 3. 钢琴的崛起： 随着钢琴（Pianoforte）取代哈普西科德，其音域的扩展和力度变化的可能，极大地丰富了独奏奏鸣曲的表现力。探讨早期钢琴奏鸣曲在音色运用和力度记号上的创新。 第三部分：浪漫主义的激情与个性的解放 进入19世纪，音乐不再仅仅是结构或装饰，它成为了情感的直接载体。作曲家开始追求极致的个人表达和对文学、诗歌的描绘。 1. 主题性与叙事性： 探讨“标题音乐”（Program Music）的兴起，以及音乐如何尝试描绘特定的故事、风景或内心体验。李斯特（Liszt）的单乐章结构实验，以及舒曼（Schumann）在钢琴套曲中通过“角色化”主题来刻画人物的技法，都将是本部分的研究重点。 2. 调性的边界拓展： 分析浪漫主义作曲家如何通过使用不协和音程、远关系转调以及半音阶，来模糊传统调性框架的清晰界限，从而营造出更为紧张、丰富或梦幻的和声色彩。 3. 民族主义音乐的色彩： 考察十九世纪后期，不同国家（如俄罗斯的“五人强力集团”、捷克的德沃夏克）的作曲家如何在吸收德奥古典传统的同时，融入民间音乐的旋律、节奏和调式，形成了独特的民族音乐语言。 结语：迈向现代的探索 本书最后将简要触及20世纪初，德彪西（Debussy）的印象主义对音色和氛围的探索，以及勋伯格（Schoenberg）对传统调性体系的挑战，为理解音乐如何从古典的严谨走向现代的多元化提供一个清晰的脉络。 本书的特点： 宏观视野： 覆盖了从巴洛克早期到近现代音乐发展中，奏鸣曲体裁及其相关器乐织体演变的全景图。 理论深度： 深入剖析复调技巧、奏鸣曲式结构、和声进行等核心音乐理论概念的实践应用。 跨学科视野： 探讨音乐风格与同时期哲学、社会思潮之间的互动关系。 这是一部面向所有热爱西方艺术音乐，渴望理解古典音乐结构之美的读者所撰写的深度导览手册。

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我是一名音乐表演专业的学生，平时接触到的文献资料非常多，但很少有能让我感到眼前一亮的。最近我翻阅了一本关于某位重要作曲家创作技法的研究专著，不得不说，它的分析水准非常高。作者对这位作曲家不同时期的作品进行了系统性的梳理和剖析，尤其在动机发展、曲式结构和配器手法方面，挖掘出了许多常人难以察觉的精妙之处。书中的图表和乐谱片段运用得非常恰当，既能直观地展示作者的观点，又能引导读者进行深入的思考。我特别欣赏作者在引述大量一手资料的同时，又能保持自己独立而有力的学术判断，避免了简单堆砌史料的嫌疑。对于我们这些想要深入理解作曲家创作思路的学生来说，这本书无疑是一笔宝贵的财富，它帮助我更深刻地理解了音乐的“为什么”以及“如何做”。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的作曲爱好者，我一直对古典时期的音乐理论和实践有着浓厚的兴趣，尤其偏爱那些能够展现乐器自身特性并具备深厚和声基础的作品。最近入手了一本关于早期键盘音乐实践的书籍，简直是为我量身定做的。书中的分析深入浅出，对于一些我过去一直感到困惑的和声进行和织体处理，作者都给出了非常独到且富有启发性的解释。我尤其喜欢其中关于即兴创作的部分，作者通过对历史文献的梳理，以及对现存乐谱的细致解读，展现了那个时代音乐家们是如何在既定的框架下挥洒创意的。文字的表述流畅且富有感染力，仿佛能将我带回到那个充满活力的音乐创作年代。这本书不仅仅是一本理论书，更像是一位经验丰富的导师，在我迷茫的时候给予我明确的方向和鼓励。