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Burton W Peretti & 著

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出版社： University of Illinois...

ISBN：9780252064210

商品编码：1099306432

包装：平装

外文名称：The Creation of Jazz- ...

出版时间：1994-08-01

页数：304

正文语种：英语

图书基本信息

The Creation of Jazz: Music, Race, and Culture in Urban America
作者： Burton W. Peretti;
ISBN13： 9780252064210
类型： 平装(简装书)
语种： 英语（English）
出版日期： 1994-08-01
出版社： University of Illinois Press
页数： 304
重量（克）： 439
尺寸： 22.7584 x 14.9352 x 2.3622 cm

商品简介

Explains how jazz was shaped by urbanization, the 'great migration' of southern blacks northward, and the 'jazz image' - dress code, jargon, and use of drugs. This book places jazz in its rich social context.

《蓝调的回响：美国音乐的起源与变迁》 一部深入探究美国音乐文化根基的史诗 本书旨在为读者提供一幅关于美国音乐如何从贫瘠的土壤中萌发、成长，并最终演变为世界主流文化现象的宏大画卷。我们不会聚焦于某一种特定的音乐流派，而是将目光投向那些共同塑造了美国声景的、更为古老而深远的文化脉络。 第一部分：跨越大西洋的旋律——非洲节奏与欧洲和声的初次碰撞 在殖民时代的大背景下，不同文化背景的音乐元素如同两条河流，在美洲大陆的边缘地带开始汇合。本部分着重剖析了西非音乐传统如何被强行带入新大陆，以及这些传统如何在逆境中被保留、重塑。 非洲音乐的核心在于其复杂的节奏结构、口头传承的叙事方式以及音乐与日常生活的深度融合。我们将详细考察非洲鼓点、呼应（call-and-response）模式在奴隶劳动歌曲和宗教集会中的具体应用。这些音乐形式并非简单的娱乐，而是抵抗、记忆与身份认同的载体。 与此同时，欧洲古典音乐、宗教赞美诗以及民间叙事歌曲也构成了另一股重要的源流。我们探讨了圣歌（hymns）的严谨结构如何与非洲即兴创作的自由精神发生张力与融合。重点分析了爱尔兰、苏格兰等移民带来的民间器乐传统，如小提琴（fiddle）的运用，这些元素在南方广阔的乡村中找到了新的生命力。 特别关注了早期美洲宗教复兴运动（Great Awakenings）时期，音乐在信仰传播中的作用。教会的音乐实践，特别是卫理公会和浸信会，在某种程度上为后来的集体音乐体验奠定了基础，尽管其内容与形式与世俗音乐存在巨大差异。 第二部分：泥土与灵魂的低语——早期美国民间音乐的生态 当我们进入19世纪，美国音乐的地理和社会分化愈发明显。本部分深入研究了那些在没有印刷乐谱、没有正式教育的条件下自发形成的音乐形式。 乡村生活的歌谣与叙事： 探讨了民间叙事歌谣（Ballads）如何记录社会事件、英雄传说以及普通人的喜怒哀乐。这些歌谣继承了欧洲传统，但主题和语言迅速美国化，反映了拓荒、战争和家庭变迁的现实。我们分析了早期民谣中对手风琴、班卓琴（Banjo）等关键乐器的依赖性，并追溯了班卓琴在不同族裔群体间的传播轨迹。 “黑人”音乐的早期形态： 聚焦于奴隶制末期至重建时期（Reconstruction Era）的音乐实践。本章详述了“田间喊歌”（Field Hollers）和“劳动歌”（Work Songs）的音乐特征，它们如何利用音乐来调节劳动节奏、减轻痛苦，并暗中传递信息。同时，我们将解析早期“悲伤的歌谣”（Sorrow Songs）的结构，这些音乐常常披着宗教的外衣，却饱含对自由的渴望。这些音乐的即兴性和情感的直接表达，构成了美国音乐中“真诚性”（authenticity）观念的最初起点。 流浪艺人与巡回演出： 介绍了19世纪中叶，随着交通的发展，音乐家开始走出社区，进行区域性巡演的现象。马戏团、歌舞杂耍（Minstrel Shows）的兴起，尽管其本质充满了种族歧视和刻板印象，却客观上成为了音乐风格跨区域传播的重要媒介。我们批判性地审视了这些演出如何将某些音乐元素（如滑稽的节奏和夸张的肢体语言）商业化，并将其带给更广泛的白人观众，从而为后来的流行音乐市场埋下了伏笔。 第三部分：工业化与都市的喧嚣——从行进乐队到新的声音 19世纪末，城市化进程加速，技术进步（如黑胶唱片和普及的乐器制造）彻底改变了音乐的生产和消费方式。 军乐团的荣耀与行进节奏： 详细描述了美国“镀金时代”行进乐队（Marching Bands）的鼎盛时期。这些乐队的音乐以清晰的结构、强烈的进行感和清晰的音色为特征，成为了城市庆典、政治集会和假日游行的标配。这种对结构化、公开演奏的需求，极大地影响了后来的器乐编排艺术。 新的组合与乐器的融合： 探讨了铜管乐器（如长号、萨克斯风）在城市音乐场景中的地位提升。爵士乐队的前身，通常由退役的军乐手组成，他们将古典乐的严格编排与非洲节奏的律动结合起来，创造出一种介于严肃音乐和民间娱乐之间的过渡形态。 南方移民与“山地”音乐的兴起： 观察了阿巴拉契亚山脉地区音乐传统的独特发展路径。这些音乐保留了早期欧洲苏格兰-爱尔兰音乐的显著特征，但在与当地非裔美国人音乐的互动中，也吸收了班卓琴的演奏技巧和某些蓝调式的和声进行。我们分析了录音技术如何“发现”并固化了这一区域的音乐风格，并将其推向国家市场，尽管其根源远比商业推广所描绘的更为复杂和混杂。 第四部分：文化的分岔路口——音乐与身份政治的交织 本部分将视角转向20世纪初，音乐如何越来越成为不同社会群体界定自身身份的有力工具。 进步主义时代的审美观： 分析了在此期间，知识分子和社会改革者对“粗俗”民间音乐的担忧，以及他们对音乐教育和“高雅文化”传播的努力。这种对音乐的道德评判，反映了社会对快速变化的文化景观的不安。 南方“民间”音乐的商业化： 考察了唱片公司如何系统性地划分和推广音乐类型。本章将讨论“Hillbilly”音乐和“Race Records”的划分标签是如何在商业上创造了两个平行的市场，以及这种划分如何影响了音乐家自身的创作方向和公众对他们身份的认知。尽管标签本身具有局限性，但它们确实反映了当时社会结构下的文化隔离状态。 结论：持续的对话 《蓝调的回响》最终呈现的是一个动态的、不断自我修正的音乐生态系统。美国音乐的真正力量不在于其最终的流派划分，而在于它作为文化熔炉的持续作用——不断吸收、转化并反哺创造者的生活经验。本书旨在揭示隐藏在那些被我们熟知的声音之下的，是跨越种族、阶级和地理界限的、艰辛而充满活力的文化对话。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实令人眼前一亮，封面选用的那种略带磨砂质感的深蓝色调，搭配上烫金的字体，透露出一种古典而又不失现代感的庄重。翻开内页，纸张的厚度和色泽都非常考究，长时间阅读下来眼睛也不容易疲劳，这在如今很多追求快速生产的出版物中实属难得。装帧的这种用心，似乎也在暗示着内容本身的厚重与价值。虽然我还没完全深入到核心章节，但从目录的排布和章节标题的措辞来看，作者在梳理脉络上花费了巨大的精力，从时间和地域的划分到议题的递进，都展现出极强的逻辑性和系统性。我尤其欣赏它在版式设计上做出的留白处理，不多余的图表和密集的文字堆砌，使得每一段论述都有足够的呼吸空间，让读者能够更好地消化吸收那些复杂而精妙的论点。这不仅仅是一本关于历史的书，它更像是一件精心制作的工艺品，从拿到手的那一刻起，就让人对接下来的阅读体验充满了期待，感觉自己正在接触一个严肃且值得尊敬的研究成果。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我是在一个完全不了解该领域背景知识的情况下开始阅读的，这对我来说绝对是一次挑战，但也是一次深入学习的绝佳机会。作者的处理方式非常高明，他似乎深谙“如何引导一个门外汉”的艺术。开篇并没有直接抛出晦涩难懂的学术术语或复杂的历史时间线，而是选择了一种非常口语化、充满现场感的叙事手法，仿佛作者本人就是那位坐在老式录音棚角落里的观察者。这种叙事策略极大地降低了阅读的门槛，使得那些关于早期音乐形态演变、乐器配置变迁的描述变得鲜活起来，而不是枯燥的文献摘录。更让我印象深刻的是，他擅长在关键节点插入一些旁征博引的轶事或个人回忆，这些“花边”内容非但没有冲淡主题，反而像精准的注脚一样，为冰冷的史实增添了人性的温度和细节的真实性。这种写作风格，在我看来，是学术严谨性与大众可读性之间一次非常成功的平衡点。

评分☆☆☆☆☆

从宏观的角度来看，这本书对社会文化背景的考察深入到了骨髓，远超出了我对一般音乐史书籍的预期。它不仅仅记录了“什么音乐是如何产生的”，更深刻地探讨了“在那个特定的历史时期，这种音乐为什么必须以那种形式诞生”。书中对于特定社群的生存状态、经济压力以及政治气候如何潜移默化地塑造了音乐的结构和表达方式的论述，令人拍案叫绝。我特别留意到作者在讨论某些音乐流派的兴起时，巧妙地将经济大萧条时期的社会流动性与乐手们的即兴创作需求联系起来，这种跨学科的分析视角，使得整本书的格局瞬间被打开了。读完关于特定时期城市化进程对音乐传播影响的章节后，我重新审视了当下我们所处的文化环境，发现许多我们习以为常的文化现象，其根源都可以追溯到这些被精心梳理的历史脉络中去。这本书提供的不仅仅是知识，更是一种透视社会变迁的“新视角”。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的学术深度是毋庸置疑的，但阅读体验中也存在一些需要读者付出精力的部分。对于那些习惯于线性阅读和轻松消遣的读者来说，这本书的某些章节可能会显得有些吃力。作者在进行理论构建时，对某些概念的界定非常精确，逻辑链条长且环环相扣，要求读者必须保持高度的专注力，稍有走神就可能跟不上思路的跳跃。我记得有一段关于早期录音技术对音乐家表演模式影响的分析，涉及到了声学原理和商业策略的交织，我不得不停下来，反复研读了至少三遍才真正领会其精髓。这并非是说作者的表达晦涩，而是他选择了对主题的复杂性进行最忠实的呈现。因此，我推荐这本书给那些真正渴望钻研主题、愿意投入时间进行深度思考的严肃读者，它绝对不是那种可以在通勤路上随便翻阅的轻松读物，它要求你坐下来，备好笔和笔记本，进行一场智力上的“搏斗”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，我认为不仅在于其详尽的历史记录，更在于它对“文化遗产的传承与重塑”这一母题所展现出的独特洞察力。作者在收尾部分对当代音乐现象的讨论，并没有简单地做“结论性”的总结，而是以一种开放式的姿态，探讨了历史的幽灵如何在现代的音乐创作中以新的形态游走。我被作者对不同代际音乐家如何“对话”历史的分析所吸引，他成功地描绘出了一条清晰的线索，展示了“根源”是如何被不断地重新诠释和挪用的。这种对历史动态性的把握，使得这本书充满了生命力，避免了成为一本僵硬的“博物馆陈列品”。它促使我们思考，我们现在所听到的、所享受的音乐，究竟是“创造”的终点，还是另一场漫长演化中的又一个短暂的、却又至关重要的“中转站”。总而言之，这是一部能让你对所听的每一段旋律产生更深层次敬意的作品。