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Mark Rothko & Christop... 著

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出版社： Yale University Press

ISBN：9780300115857

商品编码：1103933520

包装：平装

外文名称：The Artist's Reality- ...

出版时间：2006-03-23

页数：136

正文语种：英语

图书基本信息

The Artist's Reality: Philosophies of Art
作者： Mark Rothko;Christopher Rothko;Kate Prizel Rothko;
ISBN13： 9780300115857
类型： 平装(简装书)
语种： 英语（English）
出版日期： 2006-03-23
出版社： Yale University Press
页数： 136
重量（克）： 358
尺寸： 22.86 x 16.3576 x 1.143 cm

商品简介

This recently discovered manuscript by the celebrated artist Mark Rothko offers a landmark discussion of his views on topics ranging from the Renaissance to contemporary art, criticism, and the role of art and artists in society.

艺术的本质与创作者的内在世界：一部深入探索艺术哲学与创作实践的论著 导言：穿越现象的迷雾，直抵艺术的源头 本书旨在为当代读者，无论是艺术理论家、学院派学者，还是活跃于创作一线的美术家、设计师，提供一个审视艺术本质的全新视角。我们不满足于对艺术作品表象的描述或风格的分类，而是致力于剖开那些构筑艺术体验和创作过程的深层哲学支架。本书将引导读者深入探究“何为真实”在艺术语境下的变异，并考察创作者个体意识与外部世界交互作用时所产生的形而上学张力。 第一部分：现象学还原与艺术本体论的重构 本部分首先从现象学的角度出发，对艺术的“在场性”进行细致的解构。我们批判性地考察了十八、十九世纪以来，艺术作品如何从对外部世界的模仿转向对主体经验的捕捉。 第一章：感知与世界的交织——从具象到意象的过渡 艺术的起点永远是感知，但艺术的价值在于它如何超越纯粹的感官输入。本章详细分析了康德式“知性范畴”如何在审美判断中被挪用和重塑。我们探讨了艺术中的“遮蔽”与“揭示”机制：艺术作品并非简单地呈现世界，而是通过特定的媒介和形式，筛选、提炼并重新组织我们的感知经验。例如，抽象表现主义并非对“无”的描绘，而是对作画行为本身（即行动的在场）的哲学记录。我们还将考察“材质性”（Materiality）在构建艺术本体中的关键作用，论证媒介的物理属性如何承载意义的重量。 第二章：时间性、空间性与艺术的“延展性” 传统艺术理论往往将作品视为一个静止的实体。然而，艺术的体验却是高度时间化的。本章深入讨论了海德格尔的“存在之思”如何映射到艺术作品的结构中。一幅画的完成并非终点，而是观者激活其意义的起点。我们区分了“作品时间”（作品自身的结构时间，如笔触的干涸顺序）与“接受时间”（观者的凝视和思考过程）。在空间层面，我们考察了装置艺术和环境艺术如何打破了画框的束缚，将“场域”（Field）本身转化为作品的一部分，从而挑战了艺术品的固定边界。 第二部分：创作者的内在驱动力与哲学立场 艺术的深度，最终根植于创作者的生存状态与世界观。本部分聚焦于艺术家如何通过创作来确立和表达他们的哲学立场。 第三章：模仿的终结与“生成”的必要性 本章追溯了柏拉图式的“模仿”理论在现代艺术中的瓦解过程。我们认为，二十世纪的艺术革命，本质上是一场关于“创造”而非“再现”的哲学宣言。我们引入了德勒兹（Deleuze）的“生成”（Becoming）概念，论证了成功的艺术作品总是处于一种未完成、持续生成的状态，它邀请观者共同完成意义的建构。艺术家不再是模仿者，而是“意义的炼金术士”，他们将经验的原材料转化为全新的存在形式。 第四章：主体间性与艺术的伦理维度 艺术创作并非孤独的冥想，而是艺术家与其文化、历史、以及潜在的“他者”之间复杂互动的产物。本章探讨了艺术作品中蕴含的伦理责任。当艺术家选择主题、形式和观看角度时，他们无形中建构了一种权力关系。我们分析了身份政治在当代艺术中的复杂影响，论证了艺术如何成为抵抗或强化既有社会结构的工具。关键在于，艺术家如何处理其创作的“意图”与作品“产生后果”之间的鸿沟。 第三部分：媒介的边界与未来的形而上学 随着技术的发展，艺术的定义不断被拓宽。本部分将目光投向新兴媒介和艺术在后现代语境下的持续演化。 第五章：数字景观中的实在与幻象 虚拟现实（VR）、增强现实（AR）以及人工智能（AI）生成的内容，对我们关于“真实艺术品”的传统认知提出了根本性的挑战。本章讨论了数字媒介如何模糊了原作（Original）与复制（Copy）之间的界限。我们探讨了算法创作在多大程度上可以被称为“艺术”，并思考了这种新型创作范式对人类创造力的重新定义。这里的核心问题是：当媒介本身成为一个不断变动的、非物质的场域时，艺术的“在场性”是否被消解，还是以一种新的、流动的形式得以延续？ 第六章：沉默的语言——艺术与不可言说之境 尽管艺术试图表达深刻的洞察，但其最终的力量往往存在于其无法被完全言说的部分。本章聚焦于艺术中的“沉默”、“空白”和“否定性”。借鉴维特根斯坦后期哲学，我们考察了艺术如何通过展示其自身的局限性，来暗示超越语言框架的真理。艺术的高级形式，往往是那些迫使观者回归自身经验，并在作品的边缘进行哲学反思的媒介。 结论：艺术作为持续的哲学探问 《艺术的本质与创作者的内在世界》最终得出结论：艺术从来不是一个封闭的知识体系，而是一种持续的、实践性的哲学探问。它通过物质形式、时间结构和主体经验的交织，不断地重塑我们对“存在”、“真实”和“自我”的理解。本书提供的，不是一个固定不变的答案，而是一套严谨的工具箱，用以持续地、批判性地参与到这场永无止境的艺术对话之中。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是一场思维的盛宴，它以一种极其精妙的方式探讨了艺术的本质，那种深刻的洞察力让人拍案叫绝。我尤其欣赏作者在论述“真实”与“再现”之间的微妙张力时所展现出的哲学功底。他并没有简单地将艺术视为对现实的模仿，而是将其置于一个更广阔的本体论框架下进行审视。书中穿插的那些对古典大师作品的细致分析，简直就像是为我们打开了一扇通往创作者内心世界的秘密通道。例如，他对卡拉瓦乔光影哲学的解读，不再是流于表面的技法赞美，而是深入挖掘了那种戏剧性光线背后所蕴含的存在主义焦虑。这种将纯粹的艺术批评与严谨的哲学思辨无缝衔接的能力，是当代艺术评论界极其稀缺的品质。读完后，我感觉自己对身边所有被视为“理所当然”的艺术品都产生了一种全新的、更具批判性的敬畏感。它迫使我重新定义“观看”这个动作的意义，不再是被动接收，而是主动参与到意义的构建过程中。这本书的结构布局也极为考究，从对艺术的形而上学追问，逐步过渡到对具体艺术实践的哲学指导，逻辑链条清晰有力，令人信服。

评分☆☆☆☆☆

初读这本书时，我着实被其中那股沛然莫之能御的批判精神所吸引。作者似乎对当代艺术界中那些陈词滥调和空洞的理论抱有一种近乎本能的反感，并毫不留情地用犀利的笔触将其一一解构。他的语言风格时而如同一把锋利的手术刀，精准地切开那些包裹着流行概念的肥皂泡；时而又像是一位沉静的导师，引导我们回归到艺术创作最本源的冲动和动机。我特别喜欢他对“原创性”这一概念的颠覆性论述。在信息爆炸的时代，我们习惯于将“新颖”等同于“优秀”，但作者却巧妙地论证了，真正的艺术力量往往蕴含在对永恒主题的深度挖掘和对媒介限制的坚韧对抗之中。书中对数字时代图像泛滥的警惕，也显得尤为及时和必要，他没有停留在简单的技术批判，而是深入探讨了技术如何重塑我们对“在场感”和“物质性”的感知。这本书读起来并不轻松，需要投入相当的专注力，但每当你觉得思维即将跟不上时，作者总会抛出一个极具启发性的案例或类比，让你茅塞顿开，继续前行。

评分☆☆☆☆☆

这是一部真正意义上的“智识冒险”，它以一种近乎挑衅的姿态挑战了我们习以为常的艺术史叙事。作者构建的理论框架极其宏大，仿佛站在历史的穹顶俯瞰整个艺术演变的长河。我感受最深的是他对“劳动”与“创造”关系的探讨，他将艺术家的实践视为一种特殊的、高度凝练的物质性劳动，拒绝将创作浪漫化为灵光乍现的瞬间。这种对实践本体的回归，为那些在工作室里苦苦挣扎的创作者提供了强有力的理论支撑，让他们意识到自己的汗水与思考同样具有哲学价值。书中对不同文化背景下艺术观念的对比分析，也拓宽了我的视野，让我意识到我们习惯于用西方中心主义的透镜来衡量一切美学标准是多么的局限。这种跨文化的张力处理得非常微妙，没有陷入简单的文化相对主义，而是试图从中寻找普适性的审美法则。整本书的节奏感把握得极佳，它不是一本枯燥的教科书，而更像是一场高水平的辩论赛，始终保持着一种积极的智力张力，让你忍不住想拿起笔来记录那些突然冒出的想法。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的最大震撼，在于它彻底瓦解了我对“美”的肤浅理解。作者没有给出任何简单的、可以被套用的美学公式，反而将“美”的追寻过程描述为一种永无止境的、与不确定性共舞的实践。他将艺术家的困境——如何在无限的可能性中做出唯一的、不可逆转的选择——提升到了哲学选择的高度。阅读过程中，我反复思考“风格”的形成问题，作者的论点非常有说服力，认为风格不是外在的标签，而是艺术家在不断自我否定和修正中内化出来的必然结果。他引用的案例极其丰富，从文艺复兴的精湛手工艺到二战后激进的抽象表现主义，都能被纳入他那张精密编织的理论网络中。这本书的语言风格可以说是古典与现代的完美结合，它使用了大量精确且富有历史感的词汇，但行文的逻辑推进却充满了现代的敏锐和速度感。对于任何一个严肃的艺术史研究者或从业者来说，这本书都是一份不可或缺的“精神装备”，它能让你在面对新事物时，拥有更坚实、更深入的判断基石。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我产生了一种强烈的冲动，想立刻回到我最喜欢的博物馆，重新审视那些我以为自己已经“看透”的作品。作者通过对“意图”与“接受”之间鸿沟的细腻描摹，成功地将艺术品的意义从作者的控制中解放出来，使其成为一个开放的、流动的场域。他对于“沉默”在艺术表达中的作用的讨论尤其精妙，指出那些未被言说、未被描绘的部分，往往承载着最深沉的哲学重量。这种对“缺席之美”的肯定，与当代社会急于填满所有空白的倾向形成了鲜明对比。这本书的结构就像一个螺旋上升的楼梯，每一章都似乎在重复前一章的主题，但每一次都在更高的层面揭示出更复杂的内涵。它要求读者具备一定的哲学背景，但即便是对哲学不甚熟悉的读者，也能被其中对人类创造性冲动的深刻同理心所打动。总而言之，这是一部能够改变你未来“看世界”方式的著作，它不仅仅关乎艺术，更关乎我们如何在一个充满噪音的时代，去聆听那些真正重要的、来自心灵深处的低语。