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张海鸥 著

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• 诗词
• 写作
• 教程
• 古诗词
• 诗歌
• 文学
• 创作
• 技巧
• 入门
• 学习

出版社： 中山大学出版社

ISBN：9787306038463

版次：1

商品编码：10639282

包装：平装

出版时间：2011-04-01

用纸：胶版纸

内容简介

《诗词写作教程》分为诗体与创作、词体与创作上下二编。具体内容包括：诗体的流变与稳固、古体诗的体裁和写作、格律诗的体裁和作法、词法概说等。

目录

上编 诗体与创作
第一章 诗体的流变与稳固
第一节 字数与音节
第二节 字音与声律
第三节 格调与诵读
第二章 古体诗的体裁和写作
第一节 概说
一、古体诗的概念
二、古体诗的体裁
第二节 四言古诗讲解
一、诗经邶风谷风
二、（晋）陆士龙与郑曼季赠答诗
三、停云和陶四首（清陈衍虞）
附：停云并序（《陶渊明集》卷一）
本节练习
第三节 五言古诗讲解
一、北方有佳人（漠李延年）
……
下编 词体与创作
附录

精彩书摘

第二节 字音与声律
沈约对于声律的探求极为精深。后人评价说，南北朝的人文文化大抵不足取，而“惟此学独有千古”。即诗歌声律之学，是这个时期的中国留给后世最有价值的东西。沈约的理论一般被归结为四个字：“四声八病”。
先说“四声”。这是汉语的特色，自当为汉语所固有；但其被发现，则不得不有待于他种语言的对照。恰好此时“五胡乱华”，操着各种语言的人奔驰在中原大地，加上因佛教的传播而为僧人们努力研习的梵文及西域各国语言，中国人可以接触的语言已相当丰富。反过来，当然也会有许多异族人需要学习汉语。在此情形下，四声的问题肯定会被关注。不过当时的汉语发音与今天的普通话有很大差别，而接近于现在南方的方言。今天普通话的四声是阴平、阳平、上声、去声，当时所谓四声则是平声、上声、去声、入声。就声音而论，估计平声有点像现在的阴平，即按一定的音高可以持续延长的，而上声、去声则有或升高或降低的变化，人声只有很短促的发音，一发就收。这三种声调都不能按一定的音高持续延长，所以被归纳为仄声，仄就是不平之意。就字数来说，大概平声字和仄声字数量相当，故后来诗歌的声律只讲平仄，对上、去、人三声的区分不太严格。
再说“八病”。上面所引沈约的话中有“一筒之内，音韵尽殊；两句之中，轻重悉异”的说法，意谓诗句中的平声字和仄声字要交错使用，方为动听。如果使用不当，就不好听。“八病”就是八种难听的效果（详见本书第三章第三节），写诗时要求避免。不过，据说沈约自己的诗歌也不能完全避免这八种毛病，所以现代人对这个理论颇有指责。其实，古人对待它的态度比我们要巧妙得多。沈约的说法是针对所有诗歌而言的，此后的诗人则允许一部分诗歌基本上不必顾忌“八病”，谓之古诗；而另外专创一种“近体”，就是五、七言的律诗和绝句，严格讲究声律，讲究的方式却不是消极地回避“八病”，而是更为积极地制定平仄交替和用韵的规则，供人遵守。对于沈约的理论来说，这是既有扬弃，又有发展，体现了较高的智慧。
近体诗声律规则的完全形成，大概要到唐代，但形成之后，唐人也并不完全遵守。其完全被遵守，自宋人始。有关这些规则的详细讲述，见于后面的章节。这里要说明的是，按照汉字的字音来制定平仄交替的规则，原本基于一个事实：即在发音方法上，平是可以按一定的音高持续延长的声音，仄是发声过程中有高低变化或者不能延长的声音，将这两种质地不同的声音交替布置，整首诗便具有动听的音乐效果。但是，我们知道汉字的发音有历史变化，即便声调仍存在，同一种声调的发音方式也有今古区别，比如现代普通话的阳平字，大抵是从前的平声字，但现代阳平一调的发音方式，便不是按一定音高平稳地延长。
……

前言/序言

古韵新声：诗词创作的诗意旅程 在浩瀚的书海中，我们不经意间翻开一本泛黄的古籍，又或是在某个灵感乍现的午后，一首婉转的诗句悄然闯入心扉。诗词，作为中华民族璀璨文化中最耀眼的一颗明珠，承载着千年的情感、哲思与审美，它以精炼的语言、深远的意境，触动着我们内心最柔软的部分。然而，在这个快节奏的时代，诗词创作似乎逐渐远离大众，成为少数人的雅趣。 《古韵新声：诗词创作的诗意旅程》正是为此而生。这本书并非一本枯燥乏味的理论教材，也不是一套程式化的填鸭式教学。它是一场邀请您一同探索诗词世界、发掘内心诗意的旅程，一次跨越时空、与古圣先贤对话的奇妙体验。我们相信，诗意并非遥不可及，它就蕴藏在我们对生活的热爱、对自然的感知、对情感的细腻体味之中。而《古韵新声》将为您点亮那扇通往诗意创作的大门，引导您用独一无二的视角，将生命的感悟凝练成隽永的诗篇。 第一章：诗心的唤醒——为何我们要写诗？ 在开始任何创作之前，理解创作的“为什么”至关重要。很多人觉得写诗是件“文绉绉”的事情，是古代读书人的专属。但真的是这样吗？ 诗词是情感的出口： 我们生活在这个世界上，每天都会经历喜怒哀乐，都会有难以言表的感受。有些情绪过于复杂，无法用简单的语言表达，这时，诗词的韵律、意象和象征便能成为我们最贴切的倾诉对象。它可以是面对壮丽山河的豪情万丈，可以是怀念故人的深切思念，也可以是春风拂柳般的淡淡忧伤。写诗，就是给自己一个表达的出口，让情感得以释放和升华。 诗词是对生活的凝视： 我们常说“生活不止眼前的苟且，还有诗和远方”。诗词便是那“诗和远方”的具象化。它鼓励我们放慢脚步，仔细观察身边的一草一木，体味生活中的点滴美好。从一片落叶的颜色，到一滴露珠的光泽，从孩童的笑脸，到老者的皱纹，都可以成为诗歌的灵感源泉。写诗，是对生活保持一颗敏锐之心，发现那些被忽略的美丽与意义。 诗词是文化的传承： 诗词是中国文化的重要载体。从《诗经》的质朴，到汉乐府的写实，再到唐诗的辉煌，宋词的婉约，元曲的豪放……每一首诗，每一阙词，都蕴含着一个时代的风貌，一种民族的精神。通过创作，我们不仅是在学习一种艺术形式，更是在与祖先的智慧和情感进行连接，将这份宝贵的文化遗产继续传承下去。 诗词是自我的修炼： 创作一首诗，需要我们调动所有的感官，运用所有的智慧。我们需要观察，需要思考，需要寻找最恰当的词语，需要把握最适宜的节奏。这个过程本身就是一种对心性的磨砺，一种对语言的锤炼，一种对自我的认知和提升。它能够培养我们的专注力、想象力、逻辑思维和审美能力。 《古韵新声》将从这些层面出发，引导读者重新认识诗词的价值，激发内在的创作冲动，让写诗不再是一件遥不可及的“任务”，而是一种发自内心的渴望。 第二章：诗意的种子——如何捕捉灵感？ 灵感，是诗歌创作的火花，是不可或缺的“灵魂”。然而，很多人觉得灵感是可遇不可求的。其实不然。《古韵新声》认为，灵感并非凭空出现，它就潜藏在我们生活的点点滴滴之中，等待着我们去发现和捕捉。 “心”的触动： 这是最直接的灵感来源。当你的内心被某种情感深深触动时，无论是喜悦、悲伤、愤怒、感激，还是爱恋，都能成为创作的起点。例如，看到一对老夫妻相濡以沫，你可能会想到“执子之手，与子偕老”；听到一首熟悉的旋律，你会勾起一段尘封的记忆。关键在于，要允许自己的情感流动，并愿意去记录和表达。 “眼”的观察： 细致入微的观察是发现诗意的基础。留心天空的颜色变化，观察花草树木的生长姿态，注意身边人物的表情神态，甚至观察一块石头的纹理。大自然是最慷慨的灵感库，生活中微小的细节也可能蕴含着深刻的寓意。例如，看到风吹动树叶，你可以联想到生命的无常；看到雨滴落在窗户上，你可以体会到一种孤独或清净。 “耳”的聆听： 声音同样是诗意的来源。大自然的声响，如风声、雨声、鸟鸣、虫吟；城市的喧嚣，如车马的声音、孩童的嬉闹；甚至是一些细微的声音，如书页翻动的沙沙声、炉火的噼啪声。这些声音能够营造氛围，唤起联想，为诗歌增添听觉的维度。 “闻”的嗅觉： 气味也能唤起强烈的感官体验和情感联想。雨后泥土的芬芳，初夏栀子花的清香，冬日炉火的烟火气，母亲做的饭菜的家常味……这些气味能够瞬间将我们带入某种情境，引发深刻的记忆和情感。 “思”的联想： 诗歌创作离不开联想。当一个意象出现时，它会触发我们大脑中与之相关的其他信息。这种联想可以是将事物进行类比，可以是将抽象的概念具象化，也可以是将看似无关的事物联系起来。例如，想到“月光”，可以联想到“思念”、“孤独”、“团圆”、“离别”等。 “读”的启迪： 阅读古今中外的优秀诗篇，是学习和获取灵感的重要途径。当我们沉浸在别人的诗歌中时，不仅能学习其技巧，更能受到其思想和情感的启发，从而产生新的创作火花。 《古韵新声》将通过一系列生动有趣的案例和练习，教导读者如何打开感官，如何运用联想，如何从日常生活中汲取诗意的养分，让灵感如同泉涌，源源不断。 第三章：诗语的魔力——如何驾驭语言？ 诗歌的精髓在于语言。同样的意境，不同的表达方式，其效果天差地别。诗歌的语言讲究凝练、精准、生动、形象，并且富有音乐性。 字词的选择： 诗歌的每一个字都至关重要。我们需要学习如何选择最能表达情感、最能描绘意境的词语。这包括动词的选择，它能赋予画面以生命；形容词的选择，它能丰富色彩和质感；名词的选择，它能带来具体的意象。同时，也要避免陈词滥调，力求语言的新鲜感和独创性。 意象的构建： 意象是诗歌的灵魂，是诗人用来表达情感和思想的载体。一个好的意象能够引发读者丰富的联想，传递出深层含义。例如，“落叶”可以象征秋天的萧瑟，也可以象征生命的凋零。“鸿雁”可以象征远方，也可以象征思念。我们将学习如何创造独特而有力的意象，让诗歌充满画面感和感染力。 修辞的运用： 比喻、拟人、夸张、排比、对仗等修辞手法，是诗歌语言的“利器”，它们能增强诗歌的表现力，使语言更加生动形象。例如，用“杨柳”比喻少女的腰肢，用“明月”寄托思念，用“春风”描绘温暖。我们将深入浅出地讲解各种修辞手法的运用技巧，并提供范例。 节奏与韵律： 诗歌是讲究音乐性的艺术。“平仄”是中国古典诗词重要的声律特征，它能使诗歌读起来朗朗上口，富有韵律美。我们也会探讨现代诗歌的节奏感，如何通过断句、标点、词语的排列来营造独特的音乐效果。节奏与韵律的协调，能够极大地提升诗歌的艺术感染力。 留白与象征： 诗歌的魅力，有时在于“言有尽而意无穷”。诗人并非需要将所有情感和想法都直白地倾诉出来，而是可以通过“留白”让读者自行体会，通过“象征”引发更深层次的思考。这种“犹抱琵琶半遮面”的美感，是诗歌艺术的精妙之处。 《古韵新声》将通过剖析大量经典诗篇的语言运用，引导读者掌握选择词语、构建意象、运用修辞、把握节奏的技巧，让读者能够用最恰当、最富有表现力的语言，表达内心的情感与思想。 第四章：诗形的演变——古体与今风 诗歌并非一成不变，它随着时代的发展而不断演变，形成了丰富多样的艺术形式。了解这些形式，有助于我们更好地理解诗歌，并找到适合自己的创作路径。 古典诗词的魅力： 我们将简要回顾从《诗经》到唐诗宋词的经典流派和主要特点，如《诗经》的赋比兴，汉乐府的叙事性，唐诗的雄浑与婉约，宋词的细腻与豪放。了解古典诗词的格律、韵脚、对仗等基本规则，并非为了束缚创作，而是为了理解其背后蕴含的严谨与精巧，从中汲取养分，并为后来的创新打下基础。 现代诗的自由与创新： 现代诗打破了古典诗词的许多束缚，更加注重自由的形式、真实的抒情和个性化的表达。我们将探讨现代诗的“自由体”，如何运用散文的语言、打破固定的格律，但又不失其诗意和节奏感。这种自由并非漫无边际，而是在形式上的解放，以便更好地承载现代人的情感与思想。 新古典主义的回响： 在现代诗歌潮流中，也涌现出一些作者，试图将古典诗词的意境、韵律与现代人的情感、思维相结合，形成一种“新古典主义”的风格。我们将分析这种融合的可能与挑战，为那些既热爱古典又拥抱现代的读者提供新的思路。 《古韵新声》不会强制读者选择某种特定的诗歌形式，而是鼓励读者在了解各种形式的基础上，根据自己的特质和表达需求，找到最适合自己的创作“衣裳”。无论是严谨的格律诗，还是自由奔放的现代诗，都能在本书的引导下找到创作的乐趣。 第五章：诗意的实践——从模仿到创造 理论的学习最终是为了实践。创作的道路，往往是从模仿开始，最终走向创造。 临摹与借鉴： 学习他人的优秀作品，是积累经验、提升技巧的有效途径。我们将提供一些经典诗篇的赏析，并引导读者进行“临摹”练习，例如，模仿某位诗人的风格，模仿某首诗的结构，模仿某个意象的表达。这个过程并非抄袭，而是通过模仿来理解其精髓，从中学习和吸收。 主题的拓展： 找到一个创作主题，可以使创作更有方向性。无论是描写一个季节，怀念一个人，抒发一种情怀，还是记录一个生活片段，都可以成为创作的切入点。我们将提供一些主题引导，帮助读者打开思路。 反复修改与打磨： 真正的诗歌往往是经过反复修改和打磨而成的。初稿往往只是一个雏形，需要我们不断地推敲词句，调整结构，优化意境。我们将分享一些修改的技巧和心得，帮助读者提升作品的艺术水准。 分享与交流： 将自己的作品分享给他人，听取反馈，是进步的催化剂。我们鼓励读者在安全、友好的环境中进行交流，互相学习，共同进步。 《古韵新声》将贯穿大量的实践练习和互动环节，引导读者从模仿开始，逐步培养自己的创作风格，最终能够自信地创作出属于自己的诗篇。 结语：与诗同行，品味人生 《古韵新声：诗词创作的诗意旅程》不是一本终点，而是一个起点。它希望点燃您心中的诗意火花，教会您捕捉和表达，让您在文字的世界里找到属于自己的声音。写诗，不仅仅是一种文学创作，更是一种生活态度，一种与世界对话的方式，一种与自我心灵沟通的桥梁。 愿您在这趟旅程中，发现隐藏在平凡生活中的诗意，体验用文字点亮心灵的奇妙感受，最终，在诗词的海洋中，找到属于自己的那片星辰大海。愿您的笔尖流淌出最真挚的情感，最深刻的思考，最动人的旋律。让我们一起，与诗同行，品味丰富多彩的人生。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的装帧设计实在让人眼前一亮，封面采用了素雅的米白色调，搭配着仿古的烫金字体，透着一股沉静而典雅的书卷气。内页的纸张质感也十分考究，触感细腻，油墨印刷清晰，即便是长时间阅读也不会感到刺眼。更值得称赞的是排版布局，留白得当，字里行间疏密有致，阅读起来非常舒适。很多诗词学习资料往往在视觉体验上有所欠缺，不是排版过于拥挤就是字体选择让人不适，但这本书在这方面做到了极高的水准。它仿佛不仅仅是一本知识的载体，更像是一件精心打磨的艺术品，让人在拿起它的那一刻，就对即将进入的文学世界充满了敬意与期待。我个人非常看重书籍的实体感受，好的载体能极大地提升学习的愉悦度和专注力，这一点，这本书无疑是做到了极致的。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏作者在引入基础知识时所采取的那种循序渐进的讲解方式，简直是为零基础的初学者量身定做的。它没有一开始就堆砌那些晦涩难懂的格律术语，而是从最基本的“意境”和“情感表达”入手，用非常生活化、易于理解的语言来阐释诗歌的灵魂所在。举例来说，当谈及如何捕捉自然界的瞬间美感时，书中引用的例子并非都是那些高不可攀的唐诗宋词，而是穿插了一些现代人更容易共鸣的片段，甚至是几句信手拈来的生活场景描述，然后逐步引导读者去体会如何将这种感受凝练成诗句。这种由表及里、由感性到理性的过渡非常自然，让人感觉学习作诗不是一种枯燥的技艺训练，而是一种更高层次的审美觉醒。我感觉自己不像是在上课，更像是在跟一位非常有耐心的前辈在山水间漫步，听他娓娓道来胸中丘壑的营造之法。

评分☆☆☆☆☆

从技法层面的剖析来看，这本书的处理方式显得尤为深刻和系统化。它对各种诗体，无论是近体诗的平仄对仗，还是古体诗的自由奔放，都有着极其细致的拆解。我尤其赞赏其中关于“炼字”和“意象组合”的章节。作者不仅列举了大量“妙手偶得之”的经典词汇替换案例，还深入探讨了不同意象在不同文化语境下的象征意义。比如，同样是“月”，在不同的诗句中如何承载离愁、乡思或是哲思。更重要的是，它强调了“结构布局”的重要性，教导读者如何像建筑师一样规划一首诗的起承转合，如何通过句子的长短变化来控制节奏和情绪的跌宕起伏。这种对结构美学的强调，极大地提升了我对诗歌艺术性的认知，让我明白好的诗歌绝非信手拈来，而是深思熟虑后的精妙安排。

评分☆☆☆☆☆

如果说有什么让我感到略有遗憾的，那可能就是它在探讨晚期文人诗风或某些小众诗体时的篇幅相对有限。我理解受限于篇幅和主流教学的需要，这本书必然要聚焦于最经典、最核心的创作范式，但这对于那些已经掌握了基础，渴望深入探索不同流派风格的进阶学习者来说，可能会稍显不足。比如，对于晚唐的某些晦涩风格，或者宋词中格律的细微变化，书中只是点到为止，并未展开深入的推敲和大量的范例分析。当然，瑕不掩瑜，作为一本打地基的教程，它的深度和广度已经远远超出了同类产品。它成功地为我构建了一个坚实而清晰的诗词世界观，后续的探索自然就可以带着这个强大的工具箱去征服那些更复杂的领域了。总而言之，这是一部能够真正引领你入门并爱上诗词创作的优秀指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的特点，我认为是它将理论学习与创作实践的结合做得天衣无缝，几乎没有空洞的说教。每一章理论讲解结束后，都会紧跟着一系列针对性的“模仿练习”和“主题创作任务”。这些练习的设计非常巧妙，它们不像一般的习题那样机械化，而是鼓励读者去观察和体验生活。比如，要求你去记录一次傍晚时分的城市景象，并尝试用五言绝句的形式捕捉其中最让你动容的一瞬。这种即时反馈的练习机制，迫使我必须立刻将学到的规则应用到实际的感知中去，大大缩短了从“知道”到“做到”的距离。老实说，很多教程理论读完后束之高阁，就是因为缺乏有效的转化路径，但这本书却像一个高明的教练，总是在关键时刻推你一把，让你不得不亲自下场去尝试，这对培养真正的创作手感至关重要。

评分☆☆☆☆☆

四平八稳的作品，套路正统

评分☆☆☆☆☆

正版书，在家乡书店买不到，刚刚好在就京东看到了，就直接下单了。书印刷质量还不错。

评分☆☆☆☆☆

活动中收的，现在没活动就不出手

评分☆☆☆☆☆

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非常值得一看，给力

评分☆☆☆☆☆

向来羡慕他人能写诗填词，其实除了天分之外，有些技巧性的东西还是可以通过学习联系掌握好的，这本书就可以作为初学诗词的人的教科书。

评分☆☆☆☆☆

适合当做工具书来使用

评分☆☆☆☆☆

本书还未读完，基础性知识讲得比较全面，适合初学诗词写作者阅读和做工具书用，不大适合深造者学习。书中对例诗词所做的“作法提示”是本书的一大亮点，可使学写诗词和学习鉴赏者受到启发。本书使用的是繁体字，不识繁体字者阅读要吃力些。

评分☆☆☆☆☆

碑帖临习，就我的经验，可分为三个层次：“眼到”、“手到”、“心到”。其中后两个层次是当前认识比较模糊的地方；如果对此没有清醒的认识，势必影响到以后的创作水平。 先来谈谈“眼到”这一层次即是唐代孙过庭所谓的“察之者尚精”。对法帖中字的用笔、结构、章法要详察细审，既要在静态上把握笔画形态，又要在动态上理解点画间的呼应关系。南宋姜夔在《续书谱》中说：“字有藏锋出锋，粲然盈楮，顾其首尾相应，上下相接为佳。后学之士，随所记忆，图写其形，未能涵容，皆支离而不相贯穿。”在结构上既要看到线条本身在空间中的安排，又要对空白的分布予以重视。清笪重光《书筏》说：“黑之量度为分，白之虚净为布。”即是指出要懂得空间分布之理。而在整体章法上，要注意原法帖的字间行距，欹正关系，润燥疏密等因素。古人讲求章法要“变而贯”，“如织锦之法，花地相间须要得宜。”在这一阶段主要解决的是观察能力的提高，要能看出法帖的微妙之处。许多临习者只得粗枝大叶，整体看去，似乎与原帖相去不远，但在细微处则失之甚多，这和抄书并无区别。前人妙处往往就在一笔一画，甚至一个小动作之中，就如同美人之美亦常在一颦一嗔之间一样。所以王僧虔说：“纤微向背，毫发死生。”姜夔说：“夫临摹之际，毫发失真则神情顿异，所贵详谨。”这时的眼睛要像放大镜，能够将常人注意不到的细节放大。能否做到“眼到”决定了能否“手到”，因此临习者不能盲目机械地照临，应多读帖，多观察。 “手到” 这一境界是在临帖过程中最具基础性的环节。孙过庭说：“心不厌精，手不厌熟”，所谓“手到”不仅是指临得形似，而且要神似，要做到形势相似，下笔自然要缓慢但要写出神气来，则非熟练迅速（相对而言）不可。而二者又是一对矛盾。务必精熟，才能迟速有度。所以古人说：“迟以取妍，速以取劲。先必能速，然空能迟。若素不能速而专事，则无神气；若专事速，又多失势。”在拳学中，“手到”是极关键的，在双方对搏时，一旦得机，须身快手到，才能中敌，不然战机即失。这说明了技术准确性的重要性。事实上，“手到”的境界对于一个学书法的人来说，可谓是难途了。在众多临习者中，真正能做到这一点的，并不太多。主要原因有二：一是在临习之初，未能做到“眼到”的境界；二是心态浮躁，临摹功夫尚未下到。这和习太极拳技击一样，如果连拳架都不能达以精熟准确，何谈实战？当前许多临习者对于“拟之者贵似”这一句格言的认识相当模糊，一个“似”字其中所包含的意义远非想象的那样简单。关于“心到”的境界，理应算达到了临帖的最终要求。但反观当代不少书法创作者在提及他们的临帖经历时都说临过多少多少帖目，某帖目临过多少遍，甚至过百遍。但其所创作的作品中，都难以看到他们从中吸收了多少精髓。最常见的两种情况，一种是有的书写者提到自己曾临《兰亭序》等“二王”帖多年，但在其作品中并无半点“二王”的神韵。如果从创造动机上根本就不想吸收“二王”的营养，那当然另当别论；但既然花了时间去临“二王”，为何连捕风捉影的意思都没有呢？另一种情况是虽然在创作中体现了所学的某些形式因素，但流于程式化，缺乏变通，更无论神韵二字。以上疑问使得笔者开始想到关于临帖的“心到”问题。“手到”虽然标志着临帖已到精熟准确之境，但事实上，仍然处于技术层面，未能真正捕捉到原帖作者心灵深处的生命律动。所谓“形神兼似”也还不过是在笔墨外在形式上的深刻理解，虽然做到这一步已经很难得，但要想对创作起到精神层面的深刻影响，则必须“心到”——去触动前人在挥毫时撩拨性灵的心弦。就像六祖惠能之于达摩，直通心性，而后可言悟道。王僧虔在《笔意赞》中说：“书之妙道，神采为上，形质次之，兼之者方可绍于古人……必使心忘于笔，手忘于书，心乎达情，书不妄想，是谓求之不得，考之即彰。”创作的最高境界是“心忘于笔，手忘于书，心手达情”，那么临摹的最高境界也当如此。要想达到这一点，则须要更多地在精神层次上去体会探求。具体到《兰亭序》则不能仅仅追求其形式上的逼肖，而应在充分了解魏晋社会文化大背景及王羲之本人思想个性的基础上，熟读《兰亭》内容，把此文中的思想感情移植到自己的心灵深处，深味那魏晋时代士人独有的心灵“药酒”，试图让这酒的余味渗入你的历史悠思当中去。当你仿佛已听到王羲之等人对人生的咏叹时，或许你将不再处处拘泥于《兰亭》帖某笔某画的固定形态，而达到心手双畅的高境界。唐张怀瓘在《书断》序中说：“若乃思贤哲于千载，览陈迹于缣简，谋猷在觌，作事粲然，言察深衷，使百代无隐，斯可尚也。及夫身处一方，会情万里，标拔志气，黼藻性灵，披封睹迹，欣如会面，又可乐也。