文化服饰大全服饰造型讲座1服饰造型基础 王明珠 东华大学出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 东华大学出版社

ISBN：9787810388207

商品编码：30065655506

丛书名： 服饰造型基础

产品展示

基本信息

图书名称：	文化服饰大全服饰造型讲座1服饰造型基础
作 者：	王明珠
定价：	38.00
ISBN号：	9787810388207
出版社：	东华大学出版社
开本：	16
装帧：	平装
出版日期：	2005-1-1
印刷日期：	2005-1-1

编辑推荐

内容介绍

时装产业越来越广泛地深入人们的生活。作为时装产业的一部分，成衣产业涉及的范围也很广。对于从事这一产业的人们来说，掌握服装制作的相关知识是必需的。 《服饰造型讲座》共分五册，由《服饰造型的基础》以及服装种类为区分标准的《裙子·裤子》、《女衬衫·连衣裙》、《套装·背心》、《大衣·披风》组成。 其中《服装造型基础》一书主要是对服装设计与制作相关的基础专业知识与技术进行了系统的总结。书中采用了大量的图例与摄影图片对服装的历史、形态、种类、穿着、款式和材料等专业知识，以及影响服装造型的人体构造、人体测量、原型理论和制图、原型与体型的区配、样板制作以及作图、缝制、整烫等工具的使用方法，布料处理和缝制方法等专业技术进行了详细浅显易懂的介绍。可以说，能否做出美观、大方且穿着舒适的报装在很大程度上将取决于我们能否运用专业知识与技术来制作出正确的基础样板。

作者介绍

目录

前言 章 服装造型概论 1.1 服装的造型 1.关于服装 2.服饰造型 3.服装的变迁 1.2 服装的分类 1.品种与分类 2.根据穿着用途分类 3.正式礼服的分类 1.3 服装制作的工艺过程 1.度身定制服装的工艺过程 2.成衣生产的工艺过程 3.款式确定的程序 第二章 服装制作工具 1.测量工具 2.作图工具 3.做记号工具 4.裁剪工具 5.缝制工具 6.整烫工具 7.人台 8.其它 第三章 服装制作的人体测量 3.1 磁于服装制的人体 1.人体的部位和体表区分 2.人体构造型 3.人体的比例 4.人体运动和服装的关系 3.2 服装制作的人体测量 1.测量时的姿势 2.测量时的着装 3.测量方法 4.测量仪器和测量方法 5.参考尺寸 第四章 样板制作基础 1.关于平面作图和立体裁剪 2.关于原型 3.平面作图基础 4.原型的作图方法 5.体型和原型 6.样板制作 第五章 服装面料和辅料 1.服装面料和款式 2.辅料 第六章 裁剪·缝制和基础 1.面料用量的估算 2.缩水、整理布纹 3.面料的正反面鉴别方法 4.裁剪 5.做记事 6.缝线、缝针的选择 7.基础缝合 参考资料

在线试读部分章节

服饰造型的艺术与科学：当代时尚趋势与个体风格的深度解析 本书聚焦于服饰造型的底层逻辑、历史演变及其在现代社会中的实践应用，旨在为读者提供一套系统化、富有洞察力的造型理论框架与实践指导。 第一章：服饰的符号学意义与文化语境 本章深入探讨服饰作为一种非语言交流媒介的核心功能。我们首先剖析服饰在不同历史阶段、不同文化背景下所承载的社会阶层、职业身份、宗教信仰乃至政治立场等复杂信息。服饰不仅仅是遮蔽身体的材料组合，更是个体与社会进行对话的“宣言”。 历史的镜像： 回溯从古代宫廷服饰到工业革命后大众时尚兴起的历程，解析每一次服饰变革背后的社会经济动因。重点分析了如紧身胸衣、燕尾服等经典单品如何精确反映了特定时期的道德观念与权力结构。 符号的编码与解码： 运用符号学原理，拆解颜色、面料、剪裁、配饰等元素是如何被社会约定俗成地赋予特定意义的。例如，黑色在西方文化中代表的庄重与现代时尚中的叛逆，其意义的张力与转换机制。 全球化与本土化的张力： 探讨全球时尚潮流（如快时尚的兴起）对区域性传统服饰文化带来的冲击与融合。分析“文化挪用”（Cultural Appropriation）与“文化借鉴”（Cultural Appreciation）之间的界限，以及当代设计师如何在尊重文化差异的基础上进行创新。 第二章：人体形态学与视觉平衡的构建 有效的服饰造型必须建立在对人体结构深刻理解的基础上。本章侧重于解构人体形态的生理特征，并教授如何运用视觉错觉原理，通过服饰有效优化身形比例。 人体测量学基础与分类： 系统介绍不同的人体骨架结构（如倒三角、梨形、沙漏形等）及其在着装上面临的挑战与机遇。强调理解个体差异的重要性，摒弃一刀切的“标准身材”理论。 黄金比例与视觉分割： 详细讲解如何通过腰线、领口、裤线、裙长等关键“分割点”的设定，人为地调整身体的视觉长度与宽度，以达到最和谐的比例。引入斐波那契数列在服饰布局中的潜在应用。 面部轮廓与领口设计： 探讨不同面部形状（如圆形、方形、长形）与颈部长度对V领、圆领、方领、高领选择的影响，确保上半身的视觉焦点集中且协调。 面料的物理特性与形态塑造： 分析不同面料（如羊毛的挺括感、真丝的垂坠感、麻的粗犷感）如何影响整体轮廓的塑造。理解面料的克重、悬垂性、光泽度对“体积感”的控制作用。 第三章：色彩理论在造型中的高级运用 色彩是服饰造型中最具情感冲击力的元素。本章从科学和美学的双重角度，系统阐述色彩的搭配原则和心理效应。 色轮的再认识： 深入讲解三原色、三间色、以及冷暖色调的划分。不仅停留在基础的互补色、邻近色搭配，更侧重于解析“三色原则”（Triadic Harmony）和“同色系渐变”（Monochromatic Gradient）在高级造型中的微妙处理。 色彩的情绪传达与心理暗示： 分析特定颜色（如权威的深蓝、活力的橙色、神秘的紫色）对观察者心理产生的即时反应。指导读者如何根据场合（如商务谈判、创意展示、休闲聚会）选择能够支持其沟通意图的色彩组合。 肤色、发色与瞳色的整合分析（Color Analysis）： 摒弃笼统的四季分类法，强调个体色彩“冷暖倾向”、“明度对比”的精确测量。教授如何通过“试色法”确定最能提亮气色、使五官更立体的个人专属色彩盘。 印花与图案的处理技巧： 讨论大面积印花、条纹、格纹等图案元素在视觉上对形体的影响。讲解如何利用图案的方向性（如垂直条纹的拉长效果）和密度来引导视线。 第四章：风格的解构与个人品牌塑造 本章的核心在于指导读者超越盲目跟风，建立一套可持续、有辨识度的个人风格体系，实现“风格即名片”的目标。 风格流派的演变与识别： 梳理从“优雅经典”（Classic）、“浪漫复古”（Romantic）、“前卫极简”（Minimalist）到“波西米亚”（Bohemian）等主流风格的核心构成元素（关键单品、面料偏好、配饰倾向）。 造型的三要素平衡法： 强调“结构感、质感、故事性”三者在造型中的相互作用。一个成功的造型，需要清晰的结构（剪裁）、优良的质感（面料），并透露出穿着者的生活态度（故事性）。 衣橱的战略性管理： 介绍“胶囊衣橱”的进阶应用，不再是简单的单品数量精简，而是基于个人风格定位进行的功能性构建。重点讨论“投资单品”与“趋势单品”的比例分配。 配饰的叙事作用： 配饰被视为造型的点睛之笔和风格的放大器。分析珠宝、皮具、眼镜、丝巾等如何通过材质、年代感或设计独特性，为整体造型注入深度和个性化叙事。 第五章：动态造型与场合适应性穿搭 服饰造型并非静态的展示，它必须适应身体的运动和特定环境的要求。本章关注造型在真实生活场景中的功能性与美学统一。 动态剪裁的考量： 分析运动对服装的影响。例如，西装在坐姿和行走时肩部和肘部的压力点，以及如何选择具有“活动空间”的剪裁，确保造型不因肢体动作而变形或产生不适。 光线与环境对造型的影响： 探讨不同光源（自然光、室内暖光、舞台冷光）如何改变面料的光泽和色彩的饱和度。指导读者在不同照明条件下预判造型效果。 跨场合造型的弹性设计： 教授“日间到夜间”的快速转换技巧。通过关键配饰或外搭的替换，实现一套基础着装在不同社交层级之间的平稳过渡。 服装的维护与持久性： 强调“造型”的完整性包含对服饰的爱护。涵盖专业面料的洗涤、熨烫、储存技巧，确保服饰长期保持其初始的造型效果与质感。 本书旨在通过以上五个维度的系统探讨，帮助读者建立起一套独立、审慎、充满创造性的服饰造型思维体系，使着装成为一种主动的、富有策略性的自我表达方式。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书在图例的编排上显得有些保守和程式化。我注意到，虽然它强调“造型”，但所展示的范例大多是教科书式的、相对标准的、甚至是略显过时的搭配组合。我本期望能看到一些融合了当代设计思维的、更具实验性和前瞻性的造型探讨，或是将非主流文化元素巧妙融入当代服饰语言的案例分析。例如，如何看待街头文化对传统服饰廓形的影响，或者未来科技面料将如何重塑人体的视觉边界？这些激动人心的议题在书中几乎没有涉猎。阅读体验上，图文的结合显得有些生硬，很多文字描述如果能配上更具启发性的、经过提炼的视觉信息，或者哪怕是不同历史时期优秀设计师的造型解析，效果都会大大提升，而不是现在这种偏重理论推导的枯燥模式。

评分☆☆☆☆☆

读完前几章，我最大的感受是，作者似乎将服装造型的理解限定在了“如何通过现有材料和既定规则去‘完成’一个造型”，而不是“如何用造型去表达一种超越性的审美或时代精神”。我本以为会看到对中西方不同时代服饰美学体系的深度比较，比如文艺复兴时期服装对人体线条的强调与中国传统服饰对人体轮廓的“隐藏”之间的哲学差异。但书中更多的是对基础比例、结构分解、以及如何使用制版工具的细致描述，这对于一个刚入门的设计学生或许是宝典，但对于一个有着一定服装史知识储备的读者来说，其提供的知识密度并不算高，很多基础概念的阐述略显冗长，像是将教科书上的定义做了细致的拆解和重组，缺乏那种令人眼前一亮的洞见或新颖的分析角度，让人感觉阅读过程有些平铺直叙，难以激起更深层次的思考火花。

评分☆☆☆☆☆

这本书的视角似乎完全聚焦于“造型”这一技术层面，仿佛服饰脱离了它所依附的社会土壤和人类活动，成为了一组可以随意组合的几何元素。我一直在寻找那些关于服饰在特定礼仪场合中的功能性演变，或者不同阶层群体如何通过服饰的微小差异来标榜身份、进行社会区隔的精彩论述。例如，明代官员补子的图案所蕴含的等级制度是如何精确落实到日常穿着中的？书中并未深入探讨这些社会学或人类学的维度。反倒是对于如何平衡服装的“动感”与“静态美”这种偏向视觉艺术的讨论，被赋予了过多的篇幅，这使得全书的整体基调显得略微偏离了文化研究的范畴，更像是为舞台设计或T台走秀提供技术指导手册，而非一部全面的文化服饰解析。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的书籍，初翻时便让人感受到一股沉甸甸的专业气息，装帧设计典雅而不失现代感，封面的排版和选用的字体都透露出一种严谨的学术态度。我原本期待能从中找到一些关于古代服饰演变的历史脉络，或者深入剖析不同地域文化如何通过服饰进行符号化的解读。然而，实际阅读下来，感觉它更像是一本面向专业设计院校学生的基础教材，对于我们这些纯粹的文化爱好者来说，内容的侧重点显得有些偏向技术操作和理论框架的构建，而不是对服饰背后深层文化意义的探讨。书中对于色彩搭配、面料肌理的理论讲解占据了相当大的篇幅，这些内容虽然扎实，但对于我希望了解“为什么唐代的贵族要穿那样剪裁的服装”这类历史文化问题，提供的解释相对比较抽象和模式化，缺乏生动的案例支撑，让人总觉得意犹未尽，仿佛在宏伟的理论殿堂中迷失了具体的艺术细节。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙述方式让人感觉有些疏离，作者似乎在以一种非常客观甚至略带疏离的姿态，向读者传授“如何做造型”的规则，但缺少了一种感染力，一种能够将读者拉入服饰世界深处的叙事魔力。我希望阅读一本能让我感受到服饰的“温度”——它承载了多少汗水、多少秘密、多少时代的悲欢离合。这本书提供的知识点是“正确的”，但缺乏“活的”气息。它是一份严谨的蓝图，但不是一曲动人的乐章。对于那些渴望了解服饰与历史、与哲学、与人类情感深度交织的读者来说，这本书的指导性太强，而思想的启发性相对不足，如同在精美的图纸上看到了完美的结构，却闻不到材料本身散发出的历史芬芳。