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上海音乐学院视唱练耳教研组... 编

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店铺： 火把图书专营店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787805530369

商品编码：29497647338

开本：16

出版时间：2014-01-01

基本信息

• 商品名称：单声部视唱教程(上修订版)
• 作者：编者:上海音乐学院视唱练耳教研组
• 定价：50
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787805530369

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2014-01-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：3
• 印次：70
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：210

内容提要

上海音乐学院视唱练耳教研组编的《单声部视唱 教程（上修订版）》是根据调性和节奏两条线的循序 渐进和在某一阶段突出重点、集中解决某一个问题这 两项原则编排的。如教程中第一章主要是解决基本节 拍节奏感的问题，调性就只是无升降的。第二章主要 是解决调性问题（三升三降之内），节拍节奏就只是 复习第一章学过的，没有新课题。第三章是进一步加 强节拍节奏问题，调性则仍是复习三升三降各调。这 样的编排既突出了每章新课题的重点，又复习巩固了 旧课题，教学实践中效果较好。
    

目录

序言
教学法建议
第一章 识谱与基本节拍节奏的训练
（一）二拍子
（二）四拍子及休止符
（三）三拍子
（四）附点节奏及十六分音符的组合
（五）简易的切分节奏
（六）弱起节奏
第二章 调式调性的训练
（一）a小调
（二）一个升号各调式
（三）一个降号各调式
（四）两个升号各调式
（五）两个降号各调式
（六）三个升号各调式
（七）三个降号各调式
第三章 较复杂的节拍节奏
（一）六拍子、九拍子、十二拍子
（二）三连音
（三）切分节奏
（四）混合拍子及变拍子
第四章 雅乐、燕乐及特种自然大、小调式
附录
音乐术语
指挥图式

好的，这是一份关于不包含《单声部视唱教程（上修订版）》内容的图书简介，力求详尽且自然流畅： --- 《旋律的织锦：西方音乐传统中的和声与对位艺术》 导言：探索音乐的内在骨架与情感张力 在浩瀚的音乐海洋中，旋律无疑是最直观、最能触动人心的元素。然而，单凭优美的旋律，音乐的深度与广度便难以完全展现。一部真正具有建筑美感的音乐作品，其背后必然有严谨的和声逻辑和精妙的对位布局作为支撑。本书《旋律的织锦：西方音乐传统中的和声与对位艺术》，正是旨在为学习者揭示隐藏在悦耳音符背后的“骨架”与“肌理”，带领读者深入理解和声进行如何构建情绪的起伏，以及对位法如何编织出复调音乐的宏伟结构。 本书的撰写，完全避开了基础的单线条旋律训练与视唱练习范畴，将焦点完全集中于多声部音乐的构建原理上。我们不涉及任何单一声部的识谱或基础音准训练，而是将重点放在如何理解和运用不同声部之间的互动关系，以及这些关系如何共同塑造出音乐的整体表情与风格。 第一部分：和声的逻辑与色彩——从功能到情感的跨越 本部分是全书的基础，它摒弃了单纯的记谱法训练，转而探讨和声在音乐语汇中的实际功能和情感投射。我们关注的不是“如何唱出”C大调的主属和弦，而是“为何”在特定的音乐语境中，使用属七和弦能产生亟待解决的紧张感，以及如何通过和弦的转位和延伸来丰富乐句的色彩。 第一章：功能和声的语境化理解 本章深入剖析了传统调性体系中，主和弦（Tonic）、属和弦（Dominant）和下属和弦（Subdominant）的“角色”扮演。我们不讨论如何辨认这些和弦在五线谱上的位置，而是探讨它们在不同音乐时期（如巴洛克、古典主义）中，所承载的结构性功能和情感指向。例如，分析巴赫赋格中解决段落的属和弦如何服务于整体的结构平衡，而非仅仅是一个发音练习。 第二章：和声色彩的扩展与渗透 在掌握了基础的三和弦与七和弦后，本章聚焦于如何通过非功能性和弦来深化和声的纹理。我们将详细讨论变音和弦（Chromatic Harmony）的应用，包括那不勒斯六和弦、减七和弦的特定功能及其在浪漫主义音乐中用以制造戏剧性冲突的作用。我们还会分析调式（Modal Interchange）如何被引入调性框架，以实现瞬间的情感色彩转变，这远超出了基础视唱练习中常见的自然大/小调范畴。 第三章：和声的连接与进行中的叙事性 和声的“进行”（Progression）是音乐叙事的核心。本章着重于分析复杂的和弦连接规律，如增六和弦（Augmented Sixth Chords）的内外部解决路径，以及如何利用和弦的延长（Suspensions and Pedal Points）来延迟解决，从而在听觉上构建出期盼与张力。这里的分析将侧重于乐谱实例中，作曲家如何利用这些技巧来推动段落的发展，而非简单地给出练习题要求学生完成特定转接。 第二部分：对位法的精妙构建——织就复调的华章 如果说和声是音乐的横向连接，那么对位（Counterpoint）则是纵向上的精妙编织。本部分完全脱离了单一旋律的练习，转而进入到多声部作品的内部结构解析。 第四章：严格对位的基础原则与结构分析 本章着眼于帕莱斯特里那风格的对位法，但其核心目标是理解声音如何独立存在又相互依存。我们将详细解析一、二、三、四、五种“种”（species）的内在逻辑，但重点在于分析这些“种”如何在成熟的复调作品中被灵活运用，而非单纯的练习学生模仿写作。例如，分析莫扎特晚期作品中，如何利用严格对位手法来塑造复杂的情感层次。 第五章：赋格曲的结构艺术：主题的变形与布局 赋格曲（Fugue）是复调音乐的巅峰体现。本章将系统拆解赋格曲的各个要素：主题（Subject）、对题（Countersubject）、呈示部（Exposition）的入进顺序与关系。我们重点探讨扩展（Augmentation）、缩短（Diminution）、反向（Inversion）等主题变形手段，如何服务于赋格整体的逻辑发展。阅读本章，读者将能从结构层面理解巴赫《平均律键盘曲集》中作品的宏伟蓝图，而不是仅仅关注某一个声部的旋律线。 第六章：模仿与自由对位的融合 在更晚期的音乐中，对位法往往与和声功能交织在一起，形成自由对位。本章探讨如何将对位技巧融入到浪漫主义和声背景中，以增加织体的密度和复杂性。我们会对比分析奏鸣曲式中呈示部后的发展段落，那里通常充满着声部间的模仿与冲突，用以表达内在的心理斗争。这部分内容完全侧重于分析已有的复杂作品，以供学习者理解成熟作曲家如何“使用”对位。 第三部分：风格的演变与现代的呼唤 最后一部分，本书将视角拉伸至更广阔的音乐历史维度，探讨和声与对位技法在不同时代风格中的具体体现与演变。 第七章：巴洛克与古典主义的声部处理差异 通过对比分析巴赫的协奏曲与海顿的弦乐四重奏，本章将清晰勾勒出织体（Texture）如何从巴洛克的“交织式”（Interwoven）向古典主义的“主导旋律与伴奏”（Melody and Accompaniment）转变。这涉及对不同时代中，低音声部（Basso Continuo）的实际作用和古典时期清晰的层次划分的深入理解。 第八章：二十世纪音乐中的声部关系重构 面对调性瓦解的时代，作曲家们如何处理多声部关系？本章将简要介绍十二音体系（Twelve-Tone Technique）中“序列”的运用如何取代传统和声的解决机制，以及在自由无调性音乐中，声部如何通过音色和节奏来界定彼此的独立性，而非依赖于传统音高关系。 结语 本书《旋律的织锦》旨在提供一个高阶的视角，用于剖析复杂音乐作品的内在构造。它为那些已经熟练掌握基础旋律与音阶的音乐学习者、作曲初学者以及深入研究古典音乐的历史爱好者，提供了一条通往和声的深层逻辑与对位艺术精妙实践的桥梁。读者将通过本书，学会“听见”声音背后的结构意图，从而更深刻地欣赏与创作具有内在逻辑的音乐。 ---

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《单声部视唱教程(上修订版)》，着实让我眼前一亮。作为一名音乐爱好者，尽管算不上科班出身，但对乐理知识一直抱有浓厚的兴趣。之前尝试过一些网络上的免费教程，虽然也能学到一些皮毛，但总感觉不成体系，缺乏深度。这本书的内容就像是一本精心打磨的地图，清晰地指引着我从零开始，一步步探索单声部视唱的奥秘。 从封面设计就能看出其严谨和专业性，没有花哨的装饰，而是直接切入主题。翻开书页，扑面而来的是那种熟悉的、但又更加精炼的乐谱符号和理论解释。作者在讲解基础乐理概念时，用了非常形象的比喻，比如把音程比作人与人之间的距离，把调性比作一个“家”，这大大降低了理解的门槛。我尤其喜欢其中关于节奏的练习，将复杂的拍号拆解成易于掌握的单元，并通过反复的示范和练习，让节奏感不再是抽象的概念，而是可以亲手实现的“节拍舞”。 书中对视唱练习的编排也十分巧妙，从最简单的唱名开始，逐步引入音阶、琶音，再到小片段的旋律。每一步都循序渐进，难度梯度设计得非常合理，不会让人产生挫败感，反而会因为一次次的成功而获得成就感。我还注意到，书中收录了一些经典的旋律片段，这些耳熟能详的曲子经过视唱的训练，仿佛有了新的生命。在练习的过程中，我不仅提高了音准和节奏的准确性，更培养了一种对音乐内在结构的感知能力。 让我惊喜的是，这本书并没有止步于纯粹的技巧训练，而是融入了一些关于音乐表现力的思考。虽然是单声部视唱，但作者引导我们去体会旋律的情感起伏，思考乐句的呼吸。这一点对于我这种业余爱好者来说，非常宝贵。它让我明白，视唱不仅仅是“唱对音”，更是对音乐内涵的初步理解和表达。书中的一些小提示，例如“注意长音的持续感”、“在乐句末尾稍作停顿”等，都充满了实践指导意义。 总的来说，《单声部视唱教程(上修订版)》是一本非常值得推荐的音乐学习书籍。它的内容详实，编排科学，讲解清晰，并且兼顾了理论与实践，技巧与表现力。即使没有老师的指导，也能从中受益匪浅。我已经迫不及待地想翻到下一页，继续我的视唱之旅了。这本书无疑为我打开了一扇通往更深层次音乐理解的大门，让我看到了音乐的无限可能。

评分☆☆☆☆☆

手捧这本《单声部视唱教程(上修订版)》，我仿佛看到了音乐世界的另一扇窗户被推开。作为一个长久以来对音乐有着深厚情感，却苦于缺乏系统指导的学习者，我一直渴望能够找到一本能够真正帮助我入门的教材。这本书的出现，无疑满足了我的这份期待。它的内容设计周全，逻辑清晰，从最基础的乐理知识到具体的视唱技巧，层层递进，环环相扣，让我在学习的过程中，既能感受到挑战，又能体会到进步的喜悦。 从书的整体结构来看，作者对单声部视唱的学习过程有着深刻的理解。他没有急于求成，而是先从最基础的音高、节奏概念入手，用非常易懂的语言和生动的例子进行阐释。我尤其欣赏书中关于“拍子”的讲解，它不仅仅是告诉我们“一拍有多少拍”，而是通过不同的节奏型组合，让我们真切地感受到不同节奏带来的动感和变化。这种将抽象概念转化为具体练习的方法，大大降低了学习的难度。 在视唱练习的部分，作者可谓是用心良苦。他所编排的练习曲，从简单的音阶、琶音，到包含各种音程关系的旋律，再到实际乐曲片段的改编，都非常具有代表性。我在练习的过程中，能够清晰地感受到自己的音准和节奏感在不断提升。而且，书中还提供了一些实用的练习建议，比如如何“听辨”音程，如何“内化”节奏，这些都为我提供了宝贵的学习方法。 最让我印象深刻的是，这本书并没有将视唱仅仅视为一项枯燥的技能训练。作者在书中多次强调，视唱是理解音乐、表达音乐的重要手段。通过对乐句的分析、对旋律线条的感知，我开始意识到，即使是单声部，也能够传达出丰富的情感和思想。这种将技巧与艺术性相结合的教学理念，让我对音乐的学习有了更深层次的认识。 总而言之，《单声部视唱教程(上修订版)》是一本不可多得的音乐学习指南。它不仅为初学者提供了坚实的理论基础和系统的实践指导，更重要的是，它能够激发我们对音乐更深层次的探索欲望。这本书的价值，在于它能够帮助我们从“听”到“唱”，再到“理解”，最终达到“表达”的境界。我非常庆幸能够拥有这本书，它将是我音乐学习道路上重要的里程碑。

评分☆☆☆☆☆

《单声部视唱教程(上修订版)》这本书，对我而言，简直是一场及时雨。一直以来，我对音乐的世界充满向往，但常常因为缺乏系统性的学习方法，而感到力不从心。这本教程以一种极其友好且专业的姿态，向我展示了单声部视唱的魅力与奥秘。它不仅仅是一本教材，更像是一位耐心细致的音乐向导，带领我一步步深入探索。 翻开书的首页，我就被其严谨的编排和清晰的逻辑所吸引。作者在开篇就对乐谱的基本要素进行了详尽的介绍，从五线谱到音符时值，再到各种记号的含义，都讲解得清晰明了，让人一目了然。这种循序渐进的教学方式，对于完全没有基础的初学者来说，简直是福音。它避免了直接面对复杂概念时的迷茫感，让学习过程变得更加顺畅和有条理。 接着，书中对于音准和节奏的训练，更是精心设计。我特别喜欢其中关于“音程”的练习，作者通过将不同音程比作不同的“跨度”，形象地帮助我理解了它们之间的关系。每一次的练习，都是在不断巩固我对音高的感知能力。而节奏的训练，则通过各种不同的节奏型组合，让我感受到了音乐的律动感，不再是死板的拍子，而是富有生命力的脉搏。 更让我惊喜的是，本书在对乐曲片段的编排上也十分用心。它不像一些教材那样，只是简单地罗列练习曲，而是选择了一些具有代表性的旋律，让我在练习的同时，也能感受到音乐的美感。通过对这些旋律的视唱，我不仅提升了演唱的准确性，更重要的是，我开始能够理解旋律的走向和情感的表达。这种将技巧与艺术性相结合的训练方式，让我觉得学习不再是枯燥的任务，而是一种充满乐趣的体验。 总而言之，《单声部视唱教程(上修订版)》是一本真正意义上能够帮助读者扎实掌握单声部视唱技能的优秀教材。它的内容全面，讲解深入浅出，练习设计科学合理，并且兼具了艺术性和实践性。这本书不仅为我打下了坚实的音乐基础，更点燃了我对音乐学习的热情。我深信，通过这本书的学习，我一定能在音乐的道路上走得更远。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《单声部视唱教程(上修订版)》，我内心深处涌现出一种久违的学习热情。作为一个在音乐道路上摸索多年的学习者，我一直觉得视唱练耳是基础中的基础，但又常常因为不得其法而感到枯燥乏味。然而，这本书的内容却彻底颠覆了我的认知。它以一种非常体系化、逻辑严密的方式，将单声部视唱的各个环节娓娓道来，让人在不知不觉中沉浸其中，乐在其中。 首先，这本书在基础乐理知识的梳理上做得非常到位。它不仅仅是简单地罗列名词概念，而是通过丰富的图示和生动的讲解，将抽象的音乐理论具象化。例如，对于音程的讲解，作者引入了“音高距离”的类比，将原本可能令人困惑的“大二度”、“小三度”等概念变得直观易懂。同时，书中对不同调式的特点以及它们如何影响旋律走向的阐述，也为后续的视唱练习打下了坚实的基础。 接下来的视唱练习部分，更是让我赞叹不已。作者设计的练习曲目，循序渐进，难度层层递进，从最基础的唱名练习，到复杂的节奏型组合，再到包含转调和变化音的旋律片段，每一个阶段的训练都恰到好处地衔接。我发现，通过这些练习，我的听觉辨别能力和音准稳定性有了显著的提高。而且，书中提供了不少有助于提高练习效率的小技巧，比如如何通过“默唱”来预判音高，以及如何利用身体的律动来感受节奏。 更让我惊喜的是，这本书在处理音乐情感方面也给予了足够的关注。虽然是单声部，但作者在练习曲的编排中，巧妙地融入了不同情绪的表达。通过对乐句的划分、对休止符的运用，以及对力度和表情记号的强调，让我意识到，即使是单一的旋律线，也能蕴含丰富的情感。这不仅仅是机械的音准和节奏练习，更是对音乐“灵魂”的一次探索。 总而言之，《单声部视唱教程(上修订版)》是一本集科学性、系统性、实用性和艺术性于一体的佳作。它不仅能够帮助我扎实地掌握单声部视唱的基本功，更能引导我深入理解音乐的内在魅力。这本书为我指明了正确的学习方向，让我对未来的音乐学习充满了信心和期待。它就像一位循循善诱的老师，耐心而又专业地陪伴我走在音乐的道路上。

评分☆☆☆☆☆

拿起这本《单声部视唱教程(上修订版)》，我仿佛置身于一个充满音乐智慧的殿堂。作为一名对音乐艺术有着强烈好奇心，却又长期缺乏专业指导的学习者，我一直都在寻找能够系统地引导我入门的教材。这本书的出现，无疑是解了我多年的燃眉之急。它以一种非常深入浅出的方式，为我揭示了单声部视唱的奥秘，让我在探索音乐世界的过程中，找到了坚实的起点。 从这本书的整体设计来看，作者显然是一位对音乐教育有着深刻理解的行家。它不仅仅是简单地罗列视唱练习，而是将乐理知识、视唱技巧以及音乐感知力融为一体。首先，书中对基础乐理的讲解，清晰到位，没有生硬的术语堆砌，而是用大量生动的例子，将抽象的音乐概念变得通俗易懂。我尤其喜欢关于“节奏”的讲解，它不仅仅是告诉我们如何数拍子，而是让我们去感受不同节奏组合所带来的变化和生命力。 在视唱练习的部分，更是让我赞叹不已。作者设计的练习曲，由浅入深，环环相扣，从最基础的音高辨别，到复杂音程的演唱，再到多变的节奏组合，每一步都充满了挑战，但又都在可控的范围内。我发现，通过这些练习，我的音准和节奏感得到了极大的提升，那种“唱错音”的尴尬感，也随着练习的深入而逐渐消失。 更让我感到欣喜的是，这本书并没有仅仅停留在技巧层面。它引导我思考旋律的线条感、乐句的呼吸感，以及不同音高和节奏组合所能传递的情感。这让我意识到，即使是单声部，也能够拥有丰富的表现力。这种将技术训练与音乐审美相结合的教学理念，对我来说是非常宝贵的。它让我明白，音乐的学习，不仅是掌握技巧，更是培养一种对音乐的感悟能力。 总而言之，《单声部视唱教程(上修订版)》是一本非常优秀的音乐学习书籍。它的内容丰富，讲解清晰，练习科学，并且能够激发学习者的内在潜能。这本书不仅为我提供了扎实的视唱技能训练，更重要的是，它点燃了我对音乐艺术更深层次的探索热情。我坚信，在它的指引下，我的音乐学习之路会更加光明和精彩。