正版 中国历代画论大观（共7册）先秦至五代明代画论宋代画论元代画论清代画论中国绘画理论 江苏凤凰美术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 天津古籍出版社官方旗舰店

出版社： 江苏凤凰美术出版社

ISBN：9787534489402

商品编码：27664358814

中国历代画论大观：鉴古知今，洞悉丹青之妙 这部《中国历代画论大观》（共7册），是一部系统梳理、集结中国绘画理论精粹的鸿篇巨著，涵盖了从先秦至清代的漫长历史时期，全面展现了中国绘画思想的发展脉络与核心理念。它不仅是艺术史研究者案头的必备工具书，更是每一位热爱中国传统绘画，渴望深入理解其精神内核的读者不可错过的珍贵财富。 一、 溯源与奠基：先秦至两汉的绘画曙光 本书的开篇，将我们带回到中国绘画理论的黎明时期。先秦时期，尽管绘画的物质载体和技法尚处萌芽，但其背后已孕育着对“意”与“象”的初步认知。《周礼》等典籍中关于“工画”、“图画”的记载，虽然简略，却已触及了绘画作为一种记录、表达和教化功能的早期认识。两汉时期，随着社会经济的发展和思想文化的繁荣，绘画艺术逐渐兴盛，理论探讨也开始显现。 “象”的自觉与“意”的萌发： 早期画论虽然不似后世那般系统，但已开始关注如何“象”形，即如何准确地描摹客观事物。同时，对超越单纯形似的“意”的追求，也隐约可见。例如，对人物画的“传神”的强调，已暗示了画家对精神内涵的重视。 绘画的功用与社会价值： 汉代画像石、画像砖等实物，以及相关的文字记载，都表明绘画在当时承担着记录历史、宣扬教化、祭祀祈福等多重社会功用。画论也开始探讨绘画如何服务于社会，体现其价值。 初步的审美意识： 尽管没有形成独立的审美范畴，但对“巧”、“工”的评价，以及对某些作品“善”的赞誉，已流露出初步的审美取向。 二、 辉煌与体系：魏晋南北朝的理论高峰 魏晋南北朝是中国艺术史上的一个辉煌时期，也是中国画论发展史上一个极其重要的转折点。在政治动荡、思想活跃的大背景下，玄学、佛教的传入，深刻影响了人们的艺术观念，也催生了大量具有深远影响的画论著作。 顾恺之与“以形写神”： 顾恺之被誉为“中国画圣”，其画论理论，尤其是“以形写神”的提出，是中国绘画理论史上的一个里程碑。他深刻阐释了形与神的关系，认为形是神的基础，但神是形的高级追求。他的“得时失意”论，更是对画家观察体悟过程的精辟总结。 曹不兴、宗炳的贡献： 曹不兴对人物画的贡献，宗炳对山水画的开创性论述，以及“山水为宗，远近二法”的提出，都为后世山水画的发展奠定了理论基础。宗炳的“六法”说，虽然具体内容在后世有不同解释，但其强调的气韵、骨法、应物、随类、经营、传移等原则，至今仍是中国画创作的重要指导。 佛教艺术的理论影响： 佛教的传入，带来了新的题材和表现手法，也催生了对佛像绘制的专门理论。对“神似”的追求，对“庄严”的强调，都体现了宗教信仰对艺术创作的深刻影响。 绘画的本体意识： 这一时期，画论开始更加关注绘画本身的艺术规律和审美特征，摆脱了单纯的功能性束缚，绘画作为一门独立艺术的意识逐渐增强。 三、 繁荣与创新：隋唐五代的画坛气象 隋唐五代是中国封建社会的鼎盛时期，绘画艺术空前繁荣，画论也随之更加丰富和系统。这一时期的画论，既继承了魏晋的优秀传统，又在新的时代背景下不断创新。 阎立本与“六法”的深化： 阎立本作为唐代杰出的画家，其画论继承和发展了谢赫的“六法”。他对人物画的精妙刻画，对历史故事的生动演绎，都体现了对“六法”的实践和理解。 吴道子与“笔法”的强调： “画圣”吴道子以其奔放的线条和富有力量的笔法著称，他的艺术实践推动了对“笔法”的重视。虽然他的画论著作不多，但其艺术风格对后世画论产生了巨大影响，强调了线条的生命力和表现力。 山水画的进一步发展与理论： 展子虔、李思训、李昭道的山水画创作，以及对“青绿山水”的探索，都促使了山水画理论的进一步发展。对山水画的“气势”、“意境”的追求，开始成为重要的理论关注点。 张彦远与《历代名画记》： 张彦远的《历代名画记》是中国绘画史上的第一部绘画史著，也是一部重要的画论著作。他梳理了历代名家的绘画风格和成就，对绘画的起源、发展、鉴赏进行了深入探讨，对后世影响深远。 四、 转型与成熟：宋代的画论体系 宋代是中国绘画理论体系最为成熟和辉煌的时期之一。理学思想的兴起，文人画的抬头，以及商品经济的发展，共同促成了宋代画论的博大精深。 “意境”与“理”的融合： 宋代画论高度重视“意境”的营造。画家们追求通过画面表达主观情思，将自然景象与内心感受融为一体。理学思想的渗透，使得画论更加注重对事物内在“理”的把握，追求画外之意，言外之味。 郭熙与“山水之理”： 郭熙的《林泉高致》是宋代山水画理论的代表作。他提出了“君子居山水之间”、“神与物游”等观点，强调了山水画的哲学意蕴和审美情趣。他对“远近”的观察方法，“三远”的理论，以及对“论山水”的详细阐述，至今仍是学习山水画的重要指南。 苏轼与文人画理论： 文人画在宋代兴起，苏轼是其重要的理论家。他提出“论画以形似，徒近乎俗；论书以点画，难知乎神”，强调绘画的“意”和“神”，反对纯粹的技巧模仿，提倡“胸有成竹”的创作理念。 米芾父子与“墨戏”： 米芾父子对山水画的贡献，尤其是对“墨戏”的探索，以及对“云山”、“点皴”的运用，也推动了画论的发展。 绘画的“四科”与“九品”： 宋代画院对画家进行品评，将绘画分为“山水”、“人物”、“花鸟”、“杂画”四科，并以“九品”进行评定，反映了当时对绘画分类和评价的系统性思考。 五、 继承与拓展：元代的画坛风貌 元代虽然是蒙古族统治时期，但中国绘画艺术在继承宋代传统的基础上，又有了新的发展和拓展，画论也呈现出新的特点。 文人画的进一步发展： 元代文人画达到一个新的高峰，赵孟頫作为一代宗师，其画论强调“尚意”、“尚古”，提倡“复古”，反对南宋院体画的柔弱。他的“用笔如作书”的观点，将书法与绘画紧密结合，对后世影响巨大。 “士人画”的理论自觉： 元代画家多为文人出身，他们将绘画视为寄托情志、抒发个人情怀的媒介。画论更加关注画家的品格、学养和情感表达，强调“诗、书、画、印”的结合。 对水墨画的深入探索： 王蒙、倪瓒等画家在水墨山水画方面取得了卓越成就，他们的创作实践也促进了对水墨表现力的理论思考，如对“皴法”的进一步运用和创新。 “元四家”的理论影响： 黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇等“元四家”的绘画理念和艺术实践，都对后世画论产生了深刻影响，他们对山水画的笔墨表现、经营位置、意境营造等方面的论述，为后人所借鉴。 六、 变革与融合：明代的画坛变迁 明代绘画呈现出更加多元化的面貌，画论也更加活跃和复杂。 “院体”与“文人画”的并存与论争： 明代既有延续宋元传统的宫廷画院，也有蓬勃发展的文人画。关于“院体”与“文人画”的优劣之争，以及对绘画风格的评价，成为画论的重要内容。 董其昌的画学理论： 董其昌是明代最重要的画论家之一，他的“南北宗论”、“以书入画”、“读万卷书，行万里路”等理论，对后世影响尤为深远。他强调绘画的文人气质和笔墨趣味，对“写意画”的发展起到了重要的推动作用。 “神韵说”的继续发展： 明代画论继续强调“神韵”，认为绘画的最高境界在于传达出超越形迹的精神气质。 对绘画技法的关注： 随着绘画材料和技法的不断发展，明代画论也对具体的笔墨、设色、构图等方面进行了更细致的探讨。 七、 传承与创新：清代的画论格局 清代画坛呈现出更为复杂和多样的局面，画论也更加丰富和多元。 “正统派”与“扬州八怪”的风格差异与理论探讨： 清代画坛既有继承传统的“正统派”，如“四王”，他们强调笔墨的法度与师承；也有风格独特的“扬州八怪”，如郑燮、金农等，他们强调个性解放和写意精神。两种风格的并存，带来了丰富的画论讨论。 对绘画史料的整理与研究： 清代学者对绘画史料的整理和研究更加深入，出现了如《石渠宝笈》、《佩文斋书画谱》等重要的绘画文献，为画论研究提供了坚实的基础。 “以神写形”、“以意造境”的延续： 清代画论在继承前代优秀传统的基础上，继续强调“神韵”和“意境”的表达，并更加注重对画家个人情感和思想的抒发。 西方绘画技法的影响与吸收： 随着中西方文化交流的深入，西方绘画的一些技法和理论开始对中国画产生影响，一些画家尝试将写实技法与传统笔墨相结合，引发了新的画论思考。 结语 《中国历代画论大观》（共7册）以其宏大的视野、详实的史料和精辟的论述，为我们提供了一个全面认识中国绘画理论演进的宝贵平台。从先秦对“象”与“意”的初步探索，到魏晋的“以形写神”，再到宋代的“意境”融合，元代的“尚意”发展，明代的“南北宗”争论，直至清代的多元探索，这部巨著犹如一条贯穿古今的艺术长河，带领我们溯流而上，感受中国绘画思想的博大精深。 这部画论大观，不仅仅是理论的汇编，更是中国文人对艺术孜孜不求的探索、对美的极致追求的体现。它教导我们如何“观物”，如何“悟道”，如何在笔墨之间传递情感，如何在山水之中寄托情怀。通过研读这部巨著，我们可以更深刻地理解中国绘画的独特魅力，洞悉丹青之妙，从而更好地传承和发展中华优秀传统文化。它将引领我们进入一个更广阔的艺术世界，让我们在鉴古知今中，获得艺术的启迪与滋养。

评分☆☆☆☆☆

我是一名对中国古典美学非常着迷的读者，一直觉得中国画不仅仅是视觉上的享受，更是一种精神层面的交流。在品读古诗词的时候，我经常会联想到那些意境悠远的中国画，但总觉得缺少一个桥梁能够将诗歌中的情感和绘画中的表现力有机地结合起来。我希望这套《中国历代画论大观》能够帮助我理解，古人是如何将“诗”与“画”融为一体的，他们是如何用笔墨来“写诗”，又如何用画面来“言志”。我期待它能带我领略中国画家们是如何看待“意”与“象”的关系，是如何在追求“形似”的基础上，更侧重于表达“神韵”和“意境”的。如果它能够深入浅出地讲解这些理论，让我不仅能欣赏到画作的美，更能体会到其中蕴含的中国传统哲学和人生智慧，那将是极大的满足。

评分☆☆☆☆☆

这套书实在是太厚重了，我一开始拿到的时候，光是搬动就费了点劲，7大册，沉甸甸的。拿到手后，我迫不及待地翻开了第一册，想象着自己能够穿越回那个遥远的时代，亲眼看到那些丹青妙笔是如何在纸上、绢上、墙上绽放的。我一直对中国古代的绘画艺术充满了好奇，但总觉得市面上零散的画册，虽然精美，却缺少了一份系统性的梳理和深度的解读。特别是那些关于绘画理论的书籍，很多时候晦涩难懂，要么太过学术化，要么又过于浅白。我期待的是能够读懂古人是如何看待“神韵”、“意境”、“气韵生动”这些抽象概念的，他们是如何从技法、材料、审美乃至哲学层面来构建自己的绘画体系的。这套书的书名《中国历代画论大观》实在是太吸引人了，光是“大观”两个字就充满了气势，让我觉得它一定能够满足我对中国绘画理论的深度探索。我希望通过阅读它，能够对中国绘画史有一个更宏观、更清晰的认识，不仅仅是欣赏作品本身，更能理解作品背后的思想和精神。

评分☆☆☆☆☆

我一直对中国传统文化中的“道”有着一种莫名的亲近感，总觉得它渗透在生活的方方面面，当然也包括艺术。在学习西方绘画的过程中，我发现了很多关于透视、解剖、光影的严谨理论，这些都很有科学性，也很能帮助我理解如何“写实”。但是，我总觉得中国画在“写意”上有着独特的魅力，那种寥寥数笔却能勾勒出无限意境的神奇之处，是西方绘画很难完全捕捉到的。我一直在寻找能够解释这种“写意”之道的书籍，希望能从理论层面去理解古人是如何做到“以形写神”的，又是如何在画面中融入情感与哲思的。我希望这套书能够带我走进古代画家的内心世界，了解他们的创作理念，感受他们对自然、对人生的独特感悟。如果它能帮我理清那些关于“笔墨”、“皴法”、“设色”的深层含义，甚至能够解读出不同时代、不同流派画家们在理论上的异同和发展脉络，那将是对我最大的帮助。

评分☆☆☆☆☆

对于我这样一个美术史的初学者来说，选择一套能够系统性地学习中国古代绘画理论的书籍至关重要。我之前看了一些零散的画论文章，感觉像是碎片化的信息，很难形成一个连贯的认识。我最希望的是这套书能够提供一个清晰的时间线索，让我能够了解不同朝代画论的发展演变，比如从先秦时期那个充满哲学思辨的萌芽，到魏晋南北朝对“神似”的追求，再到宋代对“理”与“意”的深刻探索，以及明清时期在继承与创新中的各种理论纷争。我需要的是一本能够“领入门”的书，它能够用相对易懂的语言，为我构建起中国绘画理论的骨架，让我知道从何处着手，如何深入。如果它能够帮助我理解不同画论家们是如何阐述“格”与“法”的关系，以及他们对“师造化”和“师古人”的理解差异，那我感觉我的学习之路就能更加顺畅了。

评分☆☆☆☆☆

最近因为工作原因，我接触到了一些关于古代书画鉴定和收藏的资料，发现里面经常会引用一些古代画论的说法，但很多时候我一头雾水，不太能理解其中的精髓。比如，有时候看到一些画作被评价为“笔力雄健”、“构图巧妙”，或者“意境深远”，我能大致理解字面意思，但就是无法体会到那种专业人士所说的“神来之笔”或者“画外之音”。我希望能通过阅读这套书，能够建立起一个关于中国绘画理论的知识框架，学会如何从更专业的角度去审视和欣赏一幅画。我特别想知道，在古代，绘画不仅仅是一种技艺，更是一种修养和人生态度的体现，它和诗歌、书法、哲学之间有着怎样的联系。如果这套书能够帮我理解这些，让我能够更自信地去欣赏和讨论中国画，那将是一件非常令人兴奋的事情。