中国历代画论大观:第二编:一 二:宋代画论 俞剑华 9787558009648 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

俞剑华 著

图书标签:

• 中国画论
• 宋代画论
• 俞剑华
• 艺术史
• 美术史
• 绘画理论
• 中国美术
• 文化艺术
• 学术著作
• 艺术评论

店铺： 睿智启图书专营店

出版社： 江苏凤凰美术出版社

ISBN：9787558009648

商品编码：26142758779

包装：平装

出版时间：2016-09-01

图书基本信息
图书名称	中国历代画论大观:第二编:一 二:宋代画论	作者	俞剑华
定价	98.00元	出版社	江苏凤凰美术出版社
ISBN	9787558009648	出版日期	2016-09-01
字数		页码
版次	1	装帧	平装
开本	16开	商品重量	0.4Kg

内容简介

《中国历代画论大观》俞剑华手稿共12卷，辑录从先秦至清代，有关画理、画法、画诗、画品、画谱、画鉴等论述，包括历代画史画论专著、别集、笔记等浩瀚典籍乃至传世书画墨迹。编撰上考证时代，订其真伪，评其优劣，述其源流；内容上依时为序，以类划分，严谨点读、整理，详加校雠。本书编辑体例中包含每篇画论正文，以及作者传略、按语、校雠、版本说明、著录情况、《四库提要》和《书画书录解题》摘录的相关内容、含意未伸或见者错误则另加“研究”辅以说明。

作者简介

俞剑华，中国绘画史论家、中国画家、美术教育家，对我国美术事业做出了重大贡献。曾历任上海新华艺大、上海美专、东南联大、暨南大学教授，上海学院院长，华东艺专、南京艺术学院教授，中央美术学院民族美术研究所研究员，中国美协会员，华东美协、江苏省文联、美协江苏分会理事。俞剑华先生毕生奉献于中国美术史和中国画论研究，成就卓著，著作等身。出版有近千万字的美术史论方面的著作。主要有《中国绘画史》、《*图案法》、《中国画论类编》、《中国壁画》、《中国山水画的南北宗论》、《顾恺之研究资料》、《石涛画语录注解》、《宣和画谱注解》、《历代名画记注解》、《图画见闻志注解》等。他的著作在外都有广泛的影响。其《中国古代画论类编》在浩如烟海的古代画论中，披沙淘金，分类整理，删订增补，校勘错讹，成为一部完整而可靠的研究古代画论工具书，自1950年代出版以来，半世纪行销不衰。其另《石涛画语录注解》也具有很高的学术价值，1977年由滕光一翻译成日文出版，英国伦敦大学瓦特宋教授也将它翻译成英文，在伦敦出版。其《中国绘画史》已成为世界上一些国家研究中国美术的重要资料。

目录

编辑推荐

《中国历代画论大观》是俞剑华先生多年来的手稿，从20世纪30年始，作者就着手进行中国古代文献的整理工作，一直到逝世前，不断扩充和收集文献资料，并坚持增补和校订，集腋成裘，汇成大观。堪称为继清康熙年间官纂大型书画史论总汇《佩文斋书画谱》后又一部中国绘画理论巨帙。共12卷，辑录从先秦至清代，有关画理、画法、画诗、画品、画谱、画鉴等论述，包括历代画史画论专著、别集、笔记等浩瀚典籍乃至传世书画墨迹。*值得一提是，作者对于中国古代绘画理论体系的建构、辑录筛选的原则以及在画论研究上的创见贯穿全书。编撰上考证时代，订其真伪，评其优劣，述其源流；内容上依时为序，以类划分，严谨点读，详加校雠。全书体现了作者在中国古代艺术理论、中国古代美学、中国古代艺术文献上的研究和缜密思考，具有开山之深意。

文摘

序言

《中国画论史：宋代篇》 概述 本书深入探究中国画论史的璀璨篇章——宋代画论。宋代是中国绘画艺术发展的重要时期，其画论不仅承载了丰富的艺术思想，更对后世中国绘画的发展产生了深远影响。本书旨在为读者提供一个全面、深入的宋代画论研究视角，梳理其思想脉络，剖析其核心命题，并考察其在历史发展中的地位与价值。 时代背景与画论的兴起 宋代（960-1279年）是中国历史上一个经济、文化高度繁荣的时代。政治上，宋朝文官制度的确立，为知识分子的活跃提供了空间；经济上，商品经济的发展和市民阶层的壮大，为艺术的普及和发展提供了物质基础。在这样的时代背景下，绘画艺术取得了前所未有的发展，山水画、花鸟画、人物画等各类题材皆有杰出成就。与此同时，与绘画艺术繁荣相伴生的，是对绘画本体、创作方法、审美标准等问题的深刻思考，画论应运而生，并逐渐走向成熟。 宋代的画论，与当时哲学、文学、书法等领域的思想思潮相互激荡，形成了一套独具特色的理论体系。士大夫阶层在这一时期扮演了重要的角色，他们不仅是杰出的艺术家，更是富有思想的理论家，将个人的艺术体验与儒、道、释等哲学思想相结合，赋予了中国画论以深刻的文化内涵。 核心命题与理论体系 宋代画论的核心命题广泛而深刻，涉及绘画创作的方方面面。其中，以下几个方面尤为突出： “形似”与“神似”之争： 这是宋代画论中一个贯穿始终的命题。自唐代以来，“以形写神”的观念就已经存在，但在宋代，这一命题得到了更为系统和深入的探讨。张彦远在《历代名画记》中提出的“写意”与“有形”之辩，在宋代得到了进一步发展。苏轼的“论画以形似，见与俗人”和“君子可以寓意于物”，表达了他对绘画超越单纯模仿的肯定，强调了绘画的精神内涵和士大夫的道德情操。黄庭坚也提出了“画不如草书，草书不如虫篆，虫篆不如古印，古印不如三坟五典”，虽然看似贬低绘画，实则强调的是笔墨线条的内在精神力量，以及书法中蕴含的古朴、遒劲之美，与绘画的“神”相通。这种对“神似”的强调，标志着中国画论从单纯的技法层面上升到精神、意境的层面。 “意”与“境”的追求： “意”在中国画论中具有多重含义，既指画家的创作意图、胸中丘壑，也指画作所传达的内在情韵。米芾在《画史》中强调“画，犹书也，所以叙也”，将绘画视为一种叙事和表达的方式，绘画的“意”便是其叙事和表达的核心。而“境”则指画面所营造的整体氛围和意境，是“意”在视觉上的呈现。“气韵生动”作为中国画的最高审美原则，其“气韵”便是“意”与“境”的统一。“意境”的追求，使得宋代绘画摆脱了简单的写实，走向了抒情写意，追求“画中有诗，诗中有画”的艺术效果。 “笔墨”观念的发展： “笔墨”是中国画的物质基础和精神载体。宋代对“笔墨”的研究和阐述更加精细。文同在《墨竹图》中强调“墨非草书，犹纸非古拓”，将笔墨与书法、篆刻等艺术形式进行对比，突出笔墨自身的独立价值和审美属性。米芾的“论笔法”更是对笔墨技法的具体分析，他区分了“刷”与“擦”，对点、线、面的运用提出了独到的见解。苏轼则将笔墨的运用与画家的性情、学养联系起来，认为“书画妙处，全在神解”，笔墨的运用是画家内在精神的体现。 “胸中丘壑”与“外师造化”的辩证关系： “胸中丘壑”是指画家在创作前，必须在心中构思好画面的内容、结构和意境，这是画家内在的审美判断和艺术修养的体现。苏轼在《书黄子容画》中说：“诗人必有所‘得’，然后能作；书画亦然，胸中有‘得’，然后笔下有‘致’。”而“外师造化”则是指画家必须深入生活，师法自然，观察万物，从现实世界中汲取创作的源泉。这句话出自张彦远，但在宋代得到了进一步的强调和发展。宋代山水画家的实践，如范宽、郭熙等，都体现了他们对自然山水的深刻体悟。两者并非相互排斥，而是相辅相成，只有将“胸中丘壑”的理想境界与“外师造化”的现实观察相结合，才能创作出既有思想深度又有艺术感染力的作品。 山水画理论的成熟： 宋代是中国山水画的黄金时期，画论家们对山水画的创作进行了系统性的阐述。郭熙在《林泉高致》中，对山水画的构图、皴法、用墨、意境等进行了详尽的论述，被誉为“山水画的百科全书”。他提出的“三远”（高远、深远、平远）理论，为后世山水画的创作提供了重要的指导。同时，他也强调了“山水之情”，认为山水画不仅仅是对自然景物的描绘，更是画家情感的寄托和心灵的表达。 花鸟画与人物画理论的进一步发展： 除了山水画，宋代在花鸟画和人物画领域也有重要的理论贡献。花鸟画方面，宋徽宗的《芙蓉锦鸡图》虽为绘画作品，但其背后蕴含的对自然生趣的捕捉和对色彩运用的精湛，反映了当时画坛对花鸟画写实与写意相结合的追求。对鸟雀的描绘，不仅注重其形态，更强调其神态，表现其内在的生命力。人物画方面，虽然宋代政治重心在文官，但人物画并未衰落，对人物的刻画更加注重内在的情感和性格的表达。 代表性画论家及其贡献 宋代涌现出众多杰出的画论家，他们的思想共同构成了宋代画论的辉煌图景： 苏轼（1037-1101）： 作为一代文宗，苏轼的画论具有深刻的哲学和文学意蕴。他提出的“论画以形似，见与俗人”强调了绘画超越表象、追求精神内涵的重要性。他提倡“文人画”，主张绘画应体现士大夫的道德情操和人生理想，将绘画与文学、书法融为一体，强调“胸中丘壑”的养成。 米芾（1051-1107）： 米芾是宋代杰出的书画家和鉴赏家，他的画论以其精到的观察和深刻的洞察力著称。他在《画史》和《宝绘录》等著作中，对历代名画进行了评论，提出了许多关于笔墨、构图、审美取向的独到见解。他对“笔法”的精细划分，以及对“古质”的推崇，对后世产生了重要影响。 郭熙（约11世纪）： 郭熙是北宋晚期杰出的山水画家，其画论《林泉高致》是中国山水画理论的经典之作。他系统地阐述了山水画的创作原则，提出了“三远”理论，以及对“山水之情”的重视，为后世山水画的发展奠定了坚实的基础。 文同（1018-1079）： 文同以其墨竹画闻名，他的画论也与墨竹的创作紧密结合。他强调墨竹的“风”与“韵”，主张通过笔墨的巧妙运用，表现竹子刚劲挺拔的品格和内在的生命力。 其他重要画论家： 此外，宋代还有许多重要的画论家，如李公麟（以“白描”著称）、董逌（《广川画跋》）、张择端（《清明上河图》的作者，其画作本身即是理论的实践）等，他们的论述共同丰富了宋代画论的内容。 历史地位与影响 宋代画论在中国画论史上的地位至关重要。它不仅标志着中国画论从经验化、感性化走向理论化、体系化，更确立了中国画“以形写神”、“寄情于物”、“写意抒情”等核心审美原则。宋代画论的思想，如对“神似”的追求，对“意境”的重视，对“笔墨”的精研，对“胸中丘壑”的强调，深刻地影响了元、明、清乃至近现代的中国绘画发展。诸多后世画论，如元代杜牧的“画学”概念，明代沈宗骞的《原因论画》，清代石涛的《画语录》等，都或多或少地受到了宋代画论思想的启迪和影响。 研究价值与本书展望 对宋代画论的研究，不仅有助于我们深入理解宋代绘画艺术的成就，更能帮助我们把握中国绘画艺术的独特精神气质和审美追求。本书的编撰，旨在通过对宋代画论文献的梳理、分析和解读，为读者呈现一个清晰、系统、富有深度的宋代画论图景。通过深入探究其核心命题、理论体系、代表人物及其贡献，我们不仅能认识到宋代画论的学术价值，更能从中汲取宝贵的艺术智慧，为当下中国画的创作和研究提供有益的启示。本书期待能成为研究者和艺术爱好者探索宋代画论艺术世界的重要指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书的厚重感扑面而来，单看目录和作者，就知其分量。我一直觉得，宋代是中国文化的一个高峰，无论是文学、哲学还是艺术，都达到了令人惊叹的高度。而绘画，作为视觉艺术的代表，其画论的深度和广度，自然也非同一般。这本书的第二编，直指宋代画论，我迫不及待地想知道，它会为我揭示哪些 hitherto unknown 的知识。我猜想，书中会详细介绍当时著名的画派及其代表人物的创作理念，比如北宋山水画的宏大叙事，南宋山水画的抒情写意。我尤其好奇，书中是否会对一些核心画论概念进行辨析，比如“意存笔先”的含义，“格法”的演变，以及“师承”与“创新”之间的关系。我想象着，在阅读过程中，我能够清晰地感受到宋代画家们是如何在继承前人经验的基础上，不断突破和创新的，他们是如何在笔墨间挥洒出时代的精神和民族的文化自信。

评分☆☆☆☆☆

中国历代画论大观，单看名字就觉得是一部鸿篇巨制，充满学术深度。我最近刚好接触了一些绘画相关的资料，了解到宋代在中国绘画史上有着举足轻重的地位，其画论更是集大成者，对后世影响深远。这本书的第二编专门聚焦于宋代画论，光是这个编排就让我充满了期待。我设想，其中定然收录了当时重要的画家、理论家们的论述，比如对于“气韵生动”的解读，对于“意境”的探讨，对于笔墨技法的精辟分析等等。我特别好奇，他们是如何在那个时代，用文字来描绘和指导绘画创作的，他们的理论体系是如何形成的，又有哪些独到的见解是后人所忽略或者传承发扬的。我想，这本书不只是简单地罗列文献，更应该包含了对这些画论的梳理、分析和评价，甚至可能还会探讨这些画论的时代背景、哲学思想渊源，以及它们在历史长河中的流变。这对于想要深入了解中国绘画史，尤其是宋代绘画艺术的精髓的读者来说，无疑是一份宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编纂，一定倾注了作者巨大的心血。我一直对中国传统艺术有着浓厚的兴趣，尤其是宋代，那个时期涌现了无数的艺术瑰宝，也留下了许多宝贵的理论财富。这本书的第二编，专门讲解宋代画论，这正是我一直想要深入了解的领域。我设想，书中会详细阐释当时画家们对于“意境”的追求，如何通过笔墨的组合来传达一种超然物外的精神境界。我特别期待书中能够解析一些当时非常重要的画论，比如关于“笔墨趣味”的探讨，以及如何理解“文人画”的内涵。我想象着，我可以通过阅读这本书，了解宋代画家是如何将个人情感、哲学思想融入到绘画创作中，从而赋予作品以独特的生命力。对于我而言，这本书不仅仅是一本关于绘画理论的书，更是一扇通往宋代文人心灵世界的窗口，让我能够更深刻地理解那个时代的艺术精神和人文情怀。

评分☆☆☆☆☆

这本书的作者俞剑华，在艺术史研究领域声名卓著，他所编撰的“中国历代画论大观”系列，本身就代表着一种严谨的学术态度和深厚的积累。我关注到第二编专门讲解宋代画论，这让我联想到宋代那种文人雅致、追求意境的艺术风尚。我猜想，书中一定会深入浅出地剖析宋代画论的核心概念，例如“皴法”的演变与象征意义，“写意”与“写实”的辩证关系，以及“山水”、“花鸟”、“人物”等不同画科的理论特征。我想象着，翻开这本书，就像走进一个古代绘画的智慧殿堂，与那些伟大的灵魂对话。或许，书中还会涉及一些鲜为人知的宋代画论家及其作品，填补我们在常规认知上的空白。我尤其期待书中对于“师造化”这一中国传统绘画理论的独特阐释，以及它在宋代是如何被具体实践和理论化的。对于我这样一个绘画爱好者而言，理解这些画论，就像是掌握了理解宋画背后精神的钥匙，能够让我从“看热闹”提升到“看门道”的层面，欣赏作品时更能体味其深层意蕴。

评分☆☆☆☆☆

我一直对宋代的美学思想情有独钟，那种内敛、含蓄、追求“韵味”的风格，深深地吸引着我。而绘画作为当时重要的艺术形式，其画论自然是理解这种美学思想的关键。这本书的第二编，专门聚焦宋代画论，我心头涌起无限的探究欲。我设想，书中一定收录了那些影响深远的经典画论，比如关于“神似”与“形似”的辩论，关于“笔墨”作为绘画灵魂的强调，以及对于自然景物观察入微的描述。我想象着，我可以在书中看到，宋代的文人画家们是如何将哲学、诗歌、书法等多种艺术形式融会贯通，形成一套独特的绘画理论体系。或许，书中还会涉及到当时文人士大夫阶层与宫廷画院之间的互动，以及这些因素如何共同塑造了宋代画论的特点。对于我来说，阅读这本书，不仅仅是为了了解绘画技法，更是为了探寻一种古老的东方智慧，一种对自然、对生命、对美的深刻理解。