全新正版包邮 菲伯尔钢琴基础教程（第5级）共2本-技巧和演奏&课程和乐理/钢琴入 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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刘琉 译

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店铺： 华夏共赢图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787110257616

商品编码：22775721040

品牌：艾帛利（Abooly）

开本：16开

出版时间：2015-08-01

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乐理与演奏的瑰丽殿堂：钢琴学习的进阶之路 本书旨在为已经掌握基础钢琴演奏技巧，并渴望在乐理知识和演奏表现力上迈向更高层次的学习者提供一份详尽、深入的指引。它并非对初学者的简单复述，而是聚焦于中高级阶段学习者在面对复杂曲目、深入理解音乐结构时所必需的知识储备与实践策略。 第一部分：深化理解——系统化的音乐理论建构 本册内容将彻底超越对音阶、和弦基础结构的机械记忆，转而构建一个系统、严谨的音乐理论框架，为演奏者提供一把解读作曲家意图的钥匙。 一、和声学的进阶应用与色彩探究 功能和声的细致剖析： 我们将深入探讨二级属和弦（Secondary Dominants）的实际运用，分析其如何为乐曲增添色彩和推动终止式的方向感。随后，对减七和弦（Diminished Seventh Chords）进行功能性的多向解析，揭示其在转调、制造紧张感中的核心作用。 色彩和声的引入： 引入九和弦、十一和弦、十三和弦的结构及其在浪漫主义及印象派音乐中的具体听感分析。重点讲解增三和弦（Augmented Triads）在特定语境下的模糊功能性，及其如何营造不确定或梦幻的氛围。 调式与非功能性和声的初探： 系统介绍大调、小调体系之外的教会调式（Modal Scales），如多利亚、弗里吉亚等，及其在巴洛克晚期和现代音乐中的色彩贡献。讨论平行和声进行（Parallelism），理解其如何打破传统功能和声的束缚。 二、对位法与织体分析的实践 巴赫的遗产——严格对位法基础： 详细解析两部、三部对位（Two- and Three-Voice Counterpoint）的写作规则，特别是关于旋律线独立性、节奏对比以及如何处理不协和音的严格要求。这不仅是理论学习，更是训练听觉分辨和指法独立性的关键步骤。 织体分析的维度： 学习如何区分和描述不同的音乐织体类型——单音音乐（Monophony）、主调音乐（Homophony）、复调音乐（Polyphony）及混合织体。分析不同时期作曲家如何利用织体变化来塑造乐章的戏剧性，例如从赋格到奏鸣曲式的发展。 三、曲式结构的宏观把握 奏鸣曲式的深度剖析： 超越“呈示部-展开部-再现部”的简单划分。重点解析呈示部中呈示呈示部主题与副部主题的关系、转调策略；展开部中对动机的分解、冲突的建立与解决；以及再现部中对再现主题的改写与尾声（Coda）的功能。 变奏曲式的多样性： 系统梳理基于旋律、基于和声、基于低音的变奏技巧。解析如巴赫的《哥德堡变奏曲》中内在逻辑的严密性，以及布拉姆斯的变奏曲中主题的“潜藏”艺术。 其他重要曲式： 深入探讨回旋曲式（Rondo）、组曲（Suite）各乐章的特点及其在不同历史时期的演变。 --- 第二部分：精湛技艺——钢琴演奏的精细打磨 本部分内容聚焦于钢琴家如何将深厚的理论知识转化为优雅、富有感染力的演奏实践，着重解决技术瓶颈与艺术表达的融合问题。 一、技术训练的个性化与高效化 指法与触键的物理学： 探讨不同音色需求下的具体触键方式。例如，“重量转移”（Weight Transfer）在颗粒性音群（Staccato/Marcato）和连贯的长乐句（Legato）中的精确应用。分析手臂、手腕、手指三者在发力链中的最佳配合点。 音阶与琶音的“音乐化”练习： 摒弃机械的重复。教授如何使用不同的节奏型（Rhythmic Variations）来练习音阶和琶音，从而在高速中保持清晰的轮廓和平均的力度。探讨非均匀速度练习（渐快渐慢）对速度稳定性的训练价值。 八度与和弦的力度控制： 专门针对八度段落的爆发力与耐力训练。讲解如何利用肘部的枢动来处理持续的八度演奏，避免僵硬。对于跨越式的和弦，训练如何保证最大声部与最小声部的同步到达。 二、踏板艺术的精微控制 “呼吸”的踏板运用： 踏板不应只是延长声音的工具，更是塑造空间感和音色“色彩”的画笔。分析半踏（Half-pedal）在制造朦胧感和透明度中的微妙作用。 连贯性与分离度的平衡： 教授在快速换踏（Quick Pedal Changes）时如何精确感知音响的混响时间，确保旋律线条的清晰度，避免“泥泞”的音响。案例分析德彪西作品中对踏板的创新性要求。 三、演奏诠释与风格把握 巴洛克时期的触键与装饰音： 探讨巴洛克音乐对“清晰度”的绝对要求。如何正确处理连奏记号（Slurs）在巴赫作品中的“分离”含义。系统学习颤音（Trill）、回音（Appoggiatura）等装饰音的起音位置与速度规范，以及其在不同作曲家（如库朗、巴赫）之间的风格差异。 古典主义的清晰与平衡： 学习如何处理海顿、莫扎特作品中对结构和声部的清晰划分。特别关注力度记号（Dynamics）的阶梯性变化，而非突兀的强弱对比。 浪漫主义的情感深度： 如何在肖邦、李斯特的炫技作品中，保持旋律的“歌唱性”（Cantabile）。探讨速度的弹性（Rubato）的合理边界——旋律线可以自由，而伴奏（低音或内声部）应保持相对稳定。 二十世纪音乐的挑战： 介绍不规则节奏型（如五拍子、七拍子）的内部划分逻辑，以及对非传统音色（如敲击琴体、指定击弦）的演奏实践。 结语 本书提供的是一张通往独立思考和高阶表现力的路线图。学习者应将理论分析视为演奏的内功心法，将技术训练视为将音乐理念具象化的有效途径。通过对这些复杂主题的深入钻研，学习者将不再是被动地“弹奏”乐谱，而是主动地“阐释”与“再创造”音乐。

评分☆☆☆☆☆

这套教材最让我惊喜的地方在于它对“音乐感”的培养达到了近乎苛刻的程度。很多钢琴教材会把技巧和音乐性割裂开来，但在这套书里，每一个技术练习的背后似乎都隐藏着一个音乐的情感目标。例如，在练习一些需要快速换把位的片段时，教材会明确指出在这个技术难点后应该如何处理乐句的呼吸感，仿佛在提醒演奏者，技术是为了更好地表达情感服务的，而不是反过来。而且，它在乐理部分的讲解中，大量引入了对音色和踏板运用的讨论，这是很多初级和中级教材常常忽略的“高级感”的来源。书里对于踏板的指示不是简单的“延音”，而是详细区分了不同程度的延音和半踏板的使用场景，配上具体的听觉描述，让我这个以前总是不敢乱用踏板的新手，学会了如何用踏板来“润饰”和“连接”声音。这种注重细节、直达灵魂的教学方法，让我感觉自己获得的不仅仅是一套练习曲集，而是一整套完整的、立体的钢琴艺术思维体系，这是无价的。

评分☆☆☆☆☆

这套书的排版和设计真是没得挑，尤其是对于初学者来说，简直是福音。那些五线谱的印刷质量高得惊人，每一个音符都清晰可见，没有一点模糊不清的地方。光是看着这些漂亮的乐谱，就能让人心情愉悦，更别提那些辅助的插图和图表，简直是教科书级别的示范。我尤其喜欢它在介绍基本乐理知识时的那种循序渐进的方式，不是那种干巴巴的理论堆砌，而是用非常形象的比喻和生动的例子来解释复杂的概念，比如讲解音程和和弦时，就像在听一位经验丰富的老教授娓娓道来，让人茅塞顿开。至于练习曲的编排，更是巧妙地将技巧的训练融入到音乐性的表达中，而不是单纯的机械重复。光是那本“技巧和演奏”的分册，里面关于手指独立性和触键力度的细致指导，简直是把我以前练习中那些模糊的动作都给纠正过来了。说实话，对于一个已经接触钢琴一段时间但总感觉有些瓶颈的自学者来说，这套教材简直是及时雨，它不仅夯实了基础，更重要的是，它点亮了我对音乐更深层次理解的渴望。

评分☆☆☆☆☆

说实话，对于我这种自学成瘾的“老顽固”来说，能找到一本真正能“带着走”的教材非常难得。这套菲伯尔的教材，无论是从装帧的耐用性到纸张的抗反光处理，都体现了出版方对学习者长期使用的关怀。我经常需要带着书去不同的地方练习，书本的边缘磨损度明显低于我以前用的那些教材，而且那些曲谱页面对光线的处理很到位，即使在灯光不佳的练习室，也能看得清清楚楚，这极大地减少了阅读疲劳。更值得一提的是，它在课程的最后部分加入了一些关于即兴伴奏和基础和声学的入门内容，这对于我这种不仅仅满足于演奏古典曲目，还想尝试自己编配或即兴发挥的人来说，简直是意外之喜。它没有把这些内容写得过于高深，而是用一种非常鼓励探索的口吻来引导，让我开始敢于在琴键上进行一些自己的“小实验”，这让钢琴学习的乐趣提升了一个层次，从纯粹的模仿者，开始向着一个更具创造性的学习者转变。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对教材的实用性有较高要求的学习者，我对这套书的“可操作性”给予高度评价。很多教材在理论上很完美，但实际操作起来却让人无从下手，但这套书完全没有这个问题。它的进度安排得极其科学合理，每一个阶段引入的新概念或新技巧，都会有充足的铺垫和巩固练习。我特别欣赏它在不同练习曲之间设置的“过渡性小品”，这些小品看似简单，实则是在悄无声息地将前一个技巧难度平滑地过渡到下一个，避免了生硬的跳跃感。拿那些关于琶音和音阶的练习来说吧，它提供的指法建议非常具体且符合人体工学，我已经很久没有因为长时间练习而感到手部僵硬了。此外，它的“演奏”部分，不光讲“怎么弹快”，更着重于“怎么弹得有层次感”，比如如何通过触键的细微差别来表现旋律的强弱对比，这对于提升演奏表现力至关重要。我感觉我不再是机械地用手指敲击琴键，而是开始学习如何用音乐的呼吸去塑造乐句的线条。

评分☆☆☆☆☆

我必须得说，这套教材在音乐审美和文化内涵的植入方面做得非常到位，这在很多纯粹以应试为导向的教材中是很少见的。它不仅仅是教你如何“弹奏”音符，更重要的是引导你如何“理解”音乐的灵魂。比如，在涉及到某些特定时期的曲目时，它会穿插一些关于那个时代作曲家生活背景和创作意图的简短介绍，这极大地丰富了我的学习体验。我感觉自己不再是孤立地在练习指法，而是在与历史上的音乐大师进行对话。特别是那本“课程和乐理”的分册，它对音乐史和曲式结构的讲解，不是那种枯燥的年代划分，而是将它们与我们正在学习的具体练习曲目紧密结合起来，让你能立刻将理论应用到实践中去感受。我记得有一段关于奏鸣曲式的小节，在其他教材里我看了无数遍都云里雾里，但在这本书里，通过对比几首不同练习曲的结构，我一下子就明白了主部、再现部和呈示部的逻辑关系。这种将知识点“场景化”的处理方式，极大地提高了我的学习兴趣和记忆深度，让钢琴学习从一项任务变成了一种探索之旅。