思い通りに描ける日本画上達のコツ pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： メイツ出版

ISBN：9784780416817

商品编码：19872975

内容简介

※この商品は固定レイアウトで作成されており、タブレットなど大きいディスプレイを備えた端末で読むことに適しています。また、文字列のハイライトや検索、辞書の参照、引用などの機能が使用できません。 道具や筆の選び方、筆の基本的な使い方からぼかし、たらし込み、ため塗りなどの技法、デッサンから菜食までの工程、様々なモチーフの描き方まで、上達のためのポイントをわかりやすくご紹介します。

笔尖下的国风之魂：探索日本画的意境与传承 日本画，作为一种独具东方韵味的艺术形式，承载着古老的哲学思想、细腻的情感表达以及对自然的深刻敬畏。它并非仅仅是对景物的描摹，更是一种将内心感受与外在世界融汇贯通的独特方式。本书将带您踏上一段深度探索日本画艺术的旅程，从其核心理念到实践技巧，层层剥茧，揭示隐藏在其笔墨之间的美学奥秘，让您能够更深切地理解并尝试创造出属于自己的日本画作品。 一、溯源与脉络：日本画的文化基因 要真正理解日本画，我们必须将其置于其深厚的文化土壤中进行审视。日本画并非凭空出现，它深受中国传统绘画的影响，同时又融合了日本本土的审美情趣和宗教信仰，逐渐形成了独树一帜的风格。 汉画的烙印与变奏： 从奈良时代起，大量的佛教绘画和唐代绘画作品传入日本，深刻地影响了日本绘画的早期发展。狩野派、土佐派等早期画派，在技法和题材上都带有明显的汉画痕迹。然而，日本画家并没有照搬照抄，而是结合本土的价值观和对自然的细腻观察，对汉画的元素进行了创新和再创作，逐渐形成了具有日本特色的绘画语言。例如，对色彩的运用更加大胆鲜活，对线条的勾勒更显柔美灵动，以及对自然景物的描绘更加贴近生活，充满了生命力。 物哀与幽玄的东方哲学： 日本画的独特之处在于其对“物哀”（Mono no aware）和“幽玄”（Yūgen）等概念的深刻体现。 物哀： 这是一种对事物短暂易逝、转瞬即逝的美的深刻体悟，常体现在对季节变化、花开花落、生命轮回的描绘中。日本画家擅长通过细腻的笔触捕捉这些转瞬即逝的瞬间，引发观者内心深处的情感共鸣。一幅描绘落樱的画作，不仅仅是展示了樱花的形态，更是通过其飘落的姿态，唤起了人们对生命无常的感叹，以及对美好事物消逝的淡淡忧伤。 幽玄： 指一种深邃、含蓄、难以言喻的神秘之美。它不是直接的展示，而是通过留白、隐约的轮廓、朦胧的光影来营造一种意境，引导观者去想象和体味。这种“不言自明”的艺术处理方式，赋予了日本画一种深沉的内涵和悠远的余味，让观者在静默中感受到无限的可能。 自然崇拜与四季的变奏： 日本是一个四面环海、自然风光极其丰富的岛国，这种独特的地理环境孕育了日本人对自然的崇拜和热爱。日本画中对自然的描绘，往往充满了敬畏和细腻的观察。四季的更迭，山川湖海，花鸟鱼虫，都被赋予了生命和灵性。画家们不仅捕捉自然形态，更试图传达自然内在的精神，将人与自然融为一体，体现出天人合一的东方哲学思想。 二、日本画的独特语言：媒材、技法与色彩 日本画之所以能够呈现出如此独特的视觉效果，离不开其独特的媒材、精湛的技法以及对色彩的创新运用。 天然矿物颜料与和纸（岩絵具与和紙）： 与西方油画使用化学颜料不同，日本画主要使用天然矿物颜料，即“岩絵具”（Iwae-guts）。这些颜料色彩鲜艳、质感独特，能够呈现出温润而富有层次感的视觉效果。它们由研磨过的天然矿石（如孔雀石、朱砂、青金石等）制成，质地细腻，光泽独特，为日本画的色彩表现力奠定了基础。 色彩的层次与光泽： 岩絵具的颗粒大小不同，能够产生不同的色彩表现。细颗粒的颜料描绘出细腻的肌理，而粗颗粒的颜料则能够产生特殊的闪光效果，尤其是在描绘天空、水面或花瓣时，能够营造出一种流动感和生命力。 对光线的敏感： 日本画的颜料对光线非常敏感，在不同的光线下会呈现出不同的色彩和光泽，这也使得作品在室内外或不同时间观看时，都能带来丰富的视觉体验。 和纸（Washi）： 日本画的载体通常是手工制作的“和纸”，这种纸张具有独特的韧性和吸墨性，能够很好地承载岩絵具的色彩，并与颜料产生奇妙的化学反应，使画面呈现出一种温润而富有生命力的质感。根据不同的画面需求，画家可以选择不同厚度、不同纹理的和纸。 晕染与渐变： 日本画中对色彩的晕染和渐变处理是其一大特色。画家们通过控制水分和颜料的浓度，以及使用特殊的晕染工具，能够创造出柔和、自然的色彩过渡。 水墨晕染的传承： 继承了水墨画的晕染技法，日本画在设色作品中也常常运用晕染来表现物体的体积感、空间感以及光影的变化。 平涂与厚涂的对比： 在一些细腻的描绘中，也会运用平涂的方式来表现光滑的表面，而在需要突出质感和体积感的地方，则会采用厚涂技法。 墨的运用与水墨精神（墨）： 尽管日本画以色彩闻名，但墨的运用在日本画中同样占据着举足轻重的地位。墨不仅可以作为独立的绘画媒材，也可以与色彩结合，产生丰富的表现力。 线描的精妙： 日本画中的线条，无论是勾勒轮廓，还是表现细节，都极其讲究。线条的粗细、刚柔、曲直，都能够传达出不同的情感和意境。 墨的层次感： 通过对墨色浓淡、干湿的巧妙运用，画家能够营造出丰富的层次感和空间感，表现出物体的质感和氛围。墨的晕染可以表现出云雾缭绕、水墨淋漓的效果，赋予画面深远的意境。 写意与写实的融合： 日本画在墨的运用上，既有严谨的写实功底，也强调写意的精神。画家们通过寥寥几笔，就能勾勒出事物的神韵，而非拘泥于形似。 三、意境的营造：留白、构图与象征 日本画的魅力，很大程度上在于其对“意境”的极致追求。意境的营造，并非仅仅依靠画面元素的堆砌，而是通过对构图、留白、象征等元素的巧妙运用，引发观者的想象，触动其内心深处的情感。 留白的艺术（間）： “间”（Ma）是日本美学中一个极其重要的概念，它指的是画面中的空白部分，以及画面与观者之间的距离和时间。在日本画中，留白并非是“没有画”，而是“画中有景”。 呼吸的空间： 恰到好处的留白，为画面提供了呼吸的空间，避免了画面的拥挤和沉闷，使观者能够从中感受到宁静、空灵和无限的遐想。 引导视线与强调主体： 留白可以有效地引导观者的视线，将焦点集中在画面主体上，并突出主体的重要性和精神内涵。 暗示与象征： 留白常常带有象征意义，可以暗示季节、时间和空间，也可以传达出某种情感或哲学思想，如空寂、永恒等。 构图的哲学： 日本画的构图往往不对称，追求一种动态的平衡和节奏感。 斜线构图与动态平衡： 运用斜线构图，能够打破画面的呆板，增加画面的动感和张力。即使画面主体不在中心，通过与其他元素的巧妙搭配，也能形成一种视觉上的平衡。 倾斜与错位： 有时，日本画的构图会采用倾斜或错位的方式，这并非失误，而是为了打破常规，增加画面的趣味性和艺术感染力，引发观者对空间的重新思考。 “高远”、“深远”、“平远”的意境： 继承了中国山水画的构图理论，日本画在描绘自然时，也讲究“高远”（仰视）、“深远”（俯视）和“平远”（平视）的构图方式，以创造出不同的空间感和意境。 象征与寓意： 日本画中常常运用各种象征物来传达特定的寓意和情感。 松竹梅的吉祥： 松、竹、梅是中国传统文化中的“岁寒三友”，在日本画中也常常出现，象征着坚韧、长寿和吉祥。 鹤与龟的长寿： 鹤和龟因其长寿而被视为吉祥的象征，常出现在描绘祝寿或喜庆场景的作品中。 樱花的短暂与生命： 樱花在日本文化中具有特殊的地位，它象征着短暂而灿烂的生命，以及对当下美好的珍惜。 龙与虎的神性： 龙和虎作为神兽，常出现在具有宗教色彩或表现强大力量的作品中，象征着守护、力量和神秘。 四、实践与传承：从观察到创作 日本画的学习和创作，是一个循序渐进、不断实践的过程。理解其理论和美学，最终需要落实在笔尖的每一次运笔之中。 勤加观察与临摹： 深入细致地观察自然，是创作的源泉。同时，通过临摹大师的作品，学习其用笔、用墨、用色和构图的技巧，是掌握日本画技法的有效途径。 掌握基本功： 扎实的线条训练、墨的晕染练习、色彩的调和与运用，是创作的基础。 体悟情感与意境： 日本画并非仅仅是技巧的展示，更重要的是情感的抒发和意境的表达。在创作时，尝试将自己的内心感受融入画面，用笔墨去诉说故事，去传递情感。 勇于创新与个性表达： 在掌握传统技法的基础上，鼓励探索新的表现方式，融入个人独特的思考和审美，形成自己的艺术风格。 本书将通过深入浅出的讲解，带领您一步步走进日本画的艺术世界。我们不仅仅关注表面的技巧，更注重挖掘其背后蕴含的文化底蕴和哲学思想。希望通过本书，您能够掌握日本画的精髓，找到属于自己的创作灵感，用笔尖描绘出属于您自己的国风之魂。

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评价二： 我是一位多年的传统绘画爱好者，一直对日本画的独特魅力神往已久。但真正着手学习时，却发现自己陷入了瓶颈。尤其是对那种笔触的细腻处理，色彩的晕染效果，以及画面留白的艺术，总感觉隔靴搔痒，不得其法。直到我遇到了这本书，才算找到了症结所在。作者在书中并没有回避那些看似微不足道的细节，而是花了大量篇幅去剖析它们。例如，关于如何控制墨的浓淡变化，如何表现不同材质的肌理，甚至是如何通过笔锋的轻重来传达情感，这些在其他书中很少会如此细致地讲解。我特别欣赏书中关于“意境”的阐述，这正是日本画的灵魂所在。它不仅仅是技巧的堆砌，更是画家内心世界的投射。通过这本书，我开始明白，日本画的美，在于“似与不似之间”，在于“言有尽而意无穷”。每一次的尝试，每一次的模仿，都能感受到自己技艺的提升，以及对日本画理解的深化。这本书给我带来的，不单单是绘画技巧的精进，更是一种艺术审美的启迪。

评分☆☆☆☆☆

评价三： 这本书的排版设计给我留下了深刻的印象。它不是那种枯燥乏味的教科书式排版，而是充满了艺术感和人文气息。书页的纸张质感也非常好，翻阅起来非常舒适，而且油墨印刷清晰，每一幅插图的细节都展现得淋漓尽致。作为一名对日本画充满热情的初学者，我常常会因为过于复杂的技法而感到沮丧，但这本书巧妙地将复杂的步骤分解成易于理解的部分，并配以直观的图示，让我能够一步一步地跟随着作者的思路进行练习。让我特别惊喜的是，书中提供的练习素材非常丰富，涵盖了花鸟、山水、人物等多个方面，让我能够根据自己的兴趣进行选择和练习。我尤其喜欢书中关于色彩运用的一些独到见解，很多时候，我们总以为日本画的色彩是固定的，但作者却展示了如何通过巧妙的色彩搭配，来营造出不同的季节感和氛围。这本书不仅教会了我“怎么画”，更教会了我“为什么这么画”，这种对绘画背后理念的讲解，是我非常看重的。

评分☆☆☆☆☆

评价四： 总而言之，这本书的价值远超其价格。我一直以来都对日本画那种空灵、静谧的美感所吸引，但总觉得难以捉摸。市面上关于日本画的书籍不少，但真正能够让我感受到“醍醐灌顶”的却不多。这本书在这方面做得尤为出色。它没有浮夸的宣传，没有故弄玄虚的理论，而是用最朴实、最真诚的语言，将日本画的精髓娓娓道来。作者的讲解非常到位，无论是笔法的运用，还是色彩的渲染，都力求做到精准而富有表现力。我特别喜欢书中关于“留白”的章节，它深刻地阐述了留白在日本画中的重要作用，如何通过留白来营造意境，如何让画面更加生动，这些都让我豁然开朗。此外，书中还提供了许多优秀的范例作品，这些作品不仅技艺精湛，而且充满了艺术感染力，足以激发读者的创作热情。这本书无疑是我学习日本画以来，最满意的一本教程，它为我打开了一扇通往日本画艺术殿堂的大门。

评分☆☆☆☆☆

评价五： 我一直觉得，学习一门艺术，最重要的是要找到一个好的“引路人”。而这本书，在我看来，就是一位非常优秀的引路人。它不像某些教程那样，上来就讲一些高深的理论，而是从最基础的笔墨线条开始，一步一步地引导读者进入日本画的世界。我特别喜欢作者在讲解每一个技法时，都会附带一些“注意事项”和“常见错误”，这对于初学者来说，是非常宝贵的经验。它能帮助我们规避很多不必要的弯路，更有效地掌握绘画技巧。而且，书中提供的练习素材也非常具有代表性，涵盖了日本画中最经典的题材，通过这些素材的练习，我能更直观地感受到不同题材的绘画特点。最让我感动的是，作者在书中分享了许多自己创作的心得和体会，这些真实的情感和经验的流露，让整本书充满了人情味，也让我更加理解了日本画背后所蕴含的艺术家精神。这本书不仅是一本绘画教程，更是一本关于艺术追求的指南，它点燃了我对日本画更深层次的热情。

评分☆☆☆☆☆

评价一： 这本书的包装精美，封面设计就充满了日式淡雅的韵味，让人在还没翻开书页之前，就对其中的内容充满了期待。作为一名自学日本画的爱好者，我一直苦于找不到一本能够系统性地指导我入门，并且能够深入浅出的教程。市面上很多教程要么过于理论化，要么过于偏重技巧而忽略了基础的扎实。翻阅这本书，最直观的感受就是它在内容编排上非常用心。从基础的笔触练习，到色彩的搭配运用，再到构图的法则，层层递进，逻辑清晰。而且，书中大量的插图和示范作品，都极具参考价值。我尤其喜欢作者在讲解某些技法时，会附带一些“为什么”的解释，而不是简单地告知“怎么做”。这种深入骨髓的讲解，让我对日本画的理解上升了一个维度。每次翻阅，都能从中汲取新的灵感，仿佛置身于一个充满智慧的日本画工作室，有经验丰富的老师在耳边细语指导。对于我这样想要真正理解并掌握日本画精髓的读者来说，这本书无疑是我的良师益友，它的出现，让我的学习之路变得更加明朗和充满希望。