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徐湛 著

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店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 中国科学技术出版社等

ISBN：9787110066362

商品编码：17981539060

出版时间：2010-09-03

作  者:徐湛 著作 定  价:116 出 版 社:中国科学技术出版社 等 出版日期:2010年09月03日 装  帧:平装 ISBN:9787110066362 《跟徐湛学国画》

《跟徐湛学国画》是中央电视台书画频道《跟徐湛学国画》栏目的配套教材。

●《跟徐湛学国画》
●《跟徐湛学国画(2)》
●【注】本套装以商品标题及实物为准，因仓位不同可能会拆单发货，如有需要购买前可联系客服确认后再下单，谢谢！
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内容简介

《跟徐湛学国画》
作为中华文化学院*国花鸟画研修院常务院长，回忆自己四十余载的国画生涯，徐湛感到事业的路虽然很艰辛，但也得到了令人欣慰的回报：在中央电视台《夕阳红》节目开设系列书画讲座，一讲就是3年；今年上半年央视新开的书画频道也为他专门开设了名为《跟徐湛学国画》的栏目；他的学生早已遍布世界各地……本书是中央电视台书画频道《跟徐湛学国画》栏目的配套教材。 徐湛 著作 《跟徐湛学国画》
徐湛，中国花鸟画研修院常务副院长、中华五千年网艺术总策划、中国美协会员、北京市西城美协。毕业于首都师范大学，几十年来，他一直从事中国画教学的研究工作。徐湛先生师从李苦禅、郭味蕖和欧阳中石等大师，专攻写意花鸟，他的风格中既有李苦禅老师的凝重朴厚、郭味蕖老师的清新高雅，又有欧阳中石老师的飘逸洒脱。

翰墨丹青，意境悠长：中国传统国画艺术之旅 中国国画，是中华民族智慧与情感的结晶，是承载着千年文化底蕴的艺术瑰宝。它不仅仅是色彩与线条的组合，更是中国人对自然、对人生、对宇宙的深刻理解与哲学思考的体现。从山水画的磅礴气势到花鸟画的生机盎然，从人物画的传神写意到书法绘画的形神兼备，国画以其独特的东方美学，向世界展现了东方文明的独特魅力。 溯源流长，文脉绵延 中国国画的历史，可以追溯到遥远的史前时代。在新石器时代的陶器上，就已经出现了具有装饰性的图案和简单的写实描绘，这便是中国绘画的萌芽。经历了漫长的发展，秦汉时期，绘画开始与社会生活紧密结合，出现了壁画、帛画等形式，题材多为神话传说、历史故事和生活场景，线条粗犷有力，设色古朴典雅。 魏晋南北朝时期，随着佛教的传入，佛教绘画兴盛一时，佛像画成为主流。同时，文人画开始崭露头角，如顾恺之的《洛神赋图》，以其精妙的笔法和细腻的情感，开启了中国绘画的新篇章。这一时期，山水画也逐渐独立，开始展现出对自然景物的描摹与情感的寄托。 唐代是中国绘画的黄金时代。盛唐气象，雄浑壮丽，在绘画艺术上得到了淋漓尽致的体现。人物画方面，阎立本的《步辇图》、吴道子的“吴带当风”都展现了高超的技艺和恢宏的气势。山水画方面，李思训的“金碧山水”与王维的水墨山水各成一派，为后世山水画的发展奠定了基础。花鸟画也日益成熟，边鸾的工笔花鸟，栩栩如生，令人叹为观止。 宋代是中国绘画的又一高峰，尤以山水画和花鸟画最为突出。宋代画家对自然的观察更为精细，笔墨技法也更为成熟。范宽的《溪山行旅图》、郭熙的《早春图》以其宏大的构图和精湛的技法，展现了山水的雄伟壮阔；赵佶的《芙蓉锦鸡图》、崔白的花鸟画，则以其精致的写实和生动的神韵，赢得了极高的赞誉。宋代绘画的“理性”和“写实”精神，对后世产生了深远影响。 元代，文人画进一步发展，注重写意和笔墨情趣。赵孟頫以其“古法”提倡复古，笔墨苍劲，意境深远。黄公望的《富春山居图》更是写意山水画的典范。这一时期，绘画与诗文、书法紧密结合，强调“诗中有画，画中有诗”的意境。 明清时期，国画迎来了更加多元化的发展。明代沈周、文徵明的文人画，董其昌的“南宗论”对后世绘画产生了重要影响。晚明时的徐渭，以其狂放的笔墨和独特的创意，将写意花鸟画推向了一个新的高度。清代，宫廷绘画与民间绘画并存，扬州八怪等一批极富个性的画家，以其鲜明的个性和不羁的艺术风格，打破了传统画坛的沉闷，为国画注入了新的活力。 技法精髓，各有千秋 中国国画的技法博大精深，主要可以分为工笔和写意两大类，但两者之间并非截然分开，而是相互渗透，相互影响。 工笔画，顾名思义，是精雕细琢、一丝不苟的画法。它要求画家对物体的形态、结构、色彩进行细致的描绘，力求形似。工笔画用笔细腻，设色鲜艳，层次分明，常用于描绘花鸟、人物、楼阁等。其代表技法包括： 勾勒：用墨线勾画物体的轮廓，线条的粗细、轻重、虚实变化，直接影响画面的表现力。 填色：在勾勒好的线条内部，根据物体的固有色或根据画面需要进行渲染，色彩丰富，层次感强。 晕染：利用水的湿润性，使色彩自然地渗透、扩散，形成柔和的过渡效果，常用于表现物体的体积感和光泽感。 皴法：在山水画中，用于表现山石的纹理和质感，如披麻皴、斧劈皴、解索皴等，各有不同的笔墨特点。 写意画，则更注重情感的表达和意境的营造，强调“以形写神”，而非刻板的描摹。写意画用笔奔放，墨色淋漓，讲究笔墨的韵味和气韵。它追求的是形神兼备，甚至是“神大于形”。写意画更具表现力和感染力，能够通过寥寥几笔，勾勒出事物的神韵和作者的情感。其代表技法包括： 写意勾勒：用笔简练，一气呵成，捕捉物体的神态而非细节。 墨法：中国画以墨为魂，写意画更是将墨的运用发挥到极致。浓、淡、干、湿、焦等墨色的变化，能够表现出丰富的层次和质感。 笔法：国画用笔讲究“骨法用笔”，讲究笔锋的变化，如中锋、侧锋、逆锋等，通过笔触的力度、速度、方向，来传达不同的情感和意境。 渲染：与工笔的填色不同，写意的渲染更加注重墨色的浓淡变化和色彩的自然晕染，追求水墨交融的韵味。 留白：是中国画的精髓之一。画面上的空白并非“无”，而是“有意”，它能够引发观者的想象，营造空灵、深远的意境。 题材广泛，意蕴无穷 国画的题材十分广泛，涵盖了自然万物和人类生活方方面面，但都蕴含着深刻的文化寓意和哲学思考。 山水画，是中国画中最具代表性的题材之一。古人认为“天人合一”，山水画不仅是对自然景色的描摹，更是画家心灵的写照，是寄托情怀的载体。从雄浑壮阔的崇山峻岭，到烟波浩渺的江湖烟雨，山水画展现了自然界的宏伟与宁静，也寄托了画家对隐逸、归隐、超越尘世的向往。山水画中的“气韵生动”是其追求的最高境界，画家通过笔墨，将自然的壮丽与生命的活力融为一体。 花鸟画，以描绘花卉、禽鸟、草虫等为主要内容。花鸟画不仅能展现大自然的生机与色彩，更蕴含着丰富的象征意义。梅兰竹菊被誉为“四君子”，象征着高尚的品格；松鹤代表着长寿；鱼象征着年年有余。花鸟画通过对物象的细致描绘和生动刻画，传达出生命的活力、自然的和谐以及对美好事物的赞颂。 人物画，是中国画最早的题材之一，包括肖像画、历史故事画、宗教人物画等。人物画注重人物的表情、神态和精神气质的刻画，力求“传神写照”。从帝王将相的威严，到文人雅士的清雅，再到百姓的日常生活，人物画反映了不同时代、不同阶层的人物形象，也折射出当时的社会风貌和审美情趣。 走兽画，虽然相对独立，但常与花鸟画结合，表现动物的姿态和习性。马、牛、羊、狮、虎等动物，在国画中都有不同的表现手法和象征意义，如马象征着力量与奔放，虎象征着威严与力量。 书法与绘画的交融 在中国画中，书法与绘画是密不可分的。许多画家本身就是书法家，他们将书法的用笔、用墨、用章法融入绘画创作中，使得画面更具笔墨情趣和艺术张力。画面的题款、印章，本身也是重要的艺术组成部分，它们与画面的构图、色彩相得益彰，共同构成一幅完整的作品。 现代发展与未来展望 随着时代的变迁，中国国画也在不断地发展和创新。当代的国画家们在继承传统技法和精神的同时，也积极探索新的表现形式和创作理念。他们将西方的艺术观念和技法融入国画创作，拓展了国画的表现空间。同时，越来越多的年轻人开始接触和学习国画，为这门古老的艺术注入了新的生命力。 中国国画，不仅是一门艺术，更是一种生活态度，一种文化传承。它以其独特的东方魅力，展现了中国人民对美、对自然的深刻理解和热爱。学习国画，不仅是学习绘画技巧，更是走进中国传统文化的殿堂，感受中华民族博大精深的艺术精髓。它能让我们在忙碌的生活中，找到一份宁静与和谐，在挥毫泼墨间，体悟生命的真谛，感悟艺术的无穷魅力。

评分☆☆☆☆☆

我最近刚开始 dabble 在水墨画的世界里，之前完全是零基础，看到网上很多前辈的教程，总觉得门槛很高，又或者讲得太理论化，看得我云里雾里。直到我偶然间翻到了这套书，真的是如获至宝！它不像市面上那些简单粗暴的“速成”教程，而是非常系统地从最基础的笔墨技法讲起，比如如何握笔、如何调墨、如何运用不同的笔触来表现不同的质感，这些看似简单，但却是国画的根基。我记得第一章讲的是“点”，我之前觉得点不就是点一下吗？看了书才知道，同一个“点”，用墨的浓淡、笔尖的走势、落笔的轻重，都能产生千变万化的效果，有圆润的、有飞白的、有干枯的，这些细节都讲解得非常到位，而且配图非常清晰，我甚至可以照着书上的图一步步临摹，感觉就像有老师在我身边手把手地教一样。书中还穿插了很多国画史上的经典作品赏析，不是那种干巴巴的介绍，而是结合技法讲解，让你知道为什么古人能画出如此传神的意境，这让我对国画的理解又加深了一层。而且，这套书的装帧设计也很精美，纸张的质感也很好，拿在手里就觉得是一本有分量的艺术书籍，让人忍不住想去翻阅和学习。我把这套书放在我的案头，每天下班回家，都会忍不住拿起来翻翻，感觉自己的心也跟着宁静下来了。

评分☆☆☆☆☆

我是一名艺术院校的学生，在学习过程中，一直渴望找到一本能够真正提升我笔墨功底的参考书。这套《跟徐湛学国画1+2套装》的出现，给了我很大的惊喜。它在讲解基础技法的时候，非常注重“笔墨本体”的训练，比如如何通过控制笔的力度、速度、角度，以及墨的浓淡、干湿，来表现出物体的质感、体积感和空间感。书中的讲解非常系统，从最基础的笔触练习，到具体题材的创作，都给出了非常明确的指导。我特别欣赏它在讲解“墨分五色”的时候，它不仅仅是告诉你调色，更重要的是告诉你如何在宣纸上通过不同方式的用笔，让墨色产生丰富的层次和变化，从而表现出物体的立体感和质感。书中的范例作品，都非常有代表性，而且讲解非常深入，让我能够看到画家创作的思路和技巧。这套书让我觉得，国画的技法是千变万化的，但万变不离其宗，核心在于对笔墨的理解和运用。通过学习这套书，我感觉自己的笔墨功底有了明显的提升，也对国画的理解更加深入了。

评分☆☆☆☆☆

我对国画的热情，很大程度上源于小时候在长辈那里看到的一些水墨画作品，那些画作的意境和韵味，总能深深地吸引我。但自己尝试起来，却发现远比想象中要难得多。这套书的出现，就像是为我打开了一扇新的大门。我特别喜欢它在讲解基础技法的时候，用了很多生动形象的比喻，比如讲到“飞白”的时候，它会让你联想到雨丝、枯枝，让你在理解笔触的时候，更容易代入到自然景物中去。而且，它对于“墨分五色”的讲解，我感觉是市面上最清晰、最易懂的。它不仅讲了如何通过加水来调墨，还讲了如何在宣纸上通过笔触的轻重、快慢来产生不同的墨色变化，这些细微之处，往往是决定画面是否生动传神的关键。书中的范例作品，也都是我非常喜欢的题材，有清新淡雅的花卉，也有苍劲有力的山水，而且每一个范例的讲解都非常详细，从构图到用笔，再到最后的点睛之笔，都给出了非常明确的指导。我按照书里的方法，自己尝试画了一些简单的花鸟，虽然离大师的作品还有十万八千里，但我感觉自己的笔触比以前有了很大的进步，而且作品也渐渐有了一点“味道”。这套书让我觉得，国画并不是高不可攀的艺术，只要用心去学，去体会，人人都可以找到属于自己的那份雅趣。

评分☆☆☆☆☆

我一直在寻找一套能够真正指导我从零开始学习国画的教材，市面上很多书要么过于理论化，要么过于简单化，都无法满足我的需求。这套《跟徐湛学国画1+2套装》的出现，简直是解决了我的燃眉之急。我最欣赏它的地方在于，它非常注重“笔墨本体”的训练。它不像有些书上来就让你画复杂的场景，而是会让你从最基本的用笔用墨开始，比如如何控制笔的力度、角度，如何让墨色在宣纸上产生飞白、浓淡、焦枯的变化，这些看似简单的练习，却是国画的精髓所在。书中有大量的示范图，而且讲解非常到位，让我能够清晰地理解每一个笔触的意义和效果。我跟着书中的方法，每天坚持练习，感觉自己的手感和对墨色的控制力有了明显的提升。而且，它在讲解具体题材的时候，比如花鸟、山水，都不是简单地给你一个范例让你去临摹，而是会从物体的结构、形态、以及其内在的精神气质出发，让你去理解为什么这样画。比如画牡丹，它会教你如何表现牡丹的雍容华贵，如何用重墨和淡墨的结合来体现花瓣的层次感和丰满度；画山水，它会教你如何用皴法来表现山石的纹理，如何用墨色来营造出山间的云雾缭绕。这套书让我觉得，学习国画不再是枯燥乏味的模仿，而是一个充满探索和创造的过程。

评分☆☆☆☆☆

我一直对国画中的写意精神特别着迷，总觉得寥寥几笔就能勾勒出万千气象，但自己尝试起来却困难重重。这套《跟徐湛学国画1+2套装》的出现，彻底点燃了我对国画学习的热情。它不仅仅是教授笔墨技巧，更重要的是引导我理解国画的“意”。比如，在讲解画山水的时候，它会让我去感受山川的壮阔、云水的灵动，然后告诉我如何运用不同的皴法来表现山石的纹理，如何用墨色来营造出山间的烟云。书中的讲解非常细致，从笔触的起承转合，到墨色的浓淡干湿，都讲解得非常到位，而且配以大量的范例图，让我可以清晰地看到每一步的变化。我尤其喜欢它在讲解“留白”的时候，它会告诉你留白不仅仅是空白，更是画面的灵魂，是引发观者想象的空间。这种对艺术的理解，让我觉得这套书的价值远不止于技巧的传授。我跟着书中的方法，尝试画了一些简单的景物，虽然还很粗糙，但我感觉自己的笔墨更加大胆了，也敢于去尝试表现自己对自然的感受了。这套书让我觉得，国画不仅仅是看得见的画，更是看不见的“意”。

评分☆☆☆☆☆

作为一个多年国画爱好者，我一直在寻找能够真正提升我笔墨功底的书籍，市面上很多都是泛泛而谈，讲皮毛，缺骨髓。这套书的出现，真的让我眼前一亮。它非常注重“写”的功力，尤其是在表现花鸟和山水的过程中，对于“写意”的讲解，我感觉是这套书最核心的价值所在。它不是让你机械地模仿，而是教你如何抓住物体的神韵，如何用最简洁的笔墨勾勒出生命力。比如讲到画竹子，它不会只给你画几片叶子和几根竹竿，而是会从竹子的生长规律、节气变化，再到不同姿态的竹竿、竹叶，以及如何用不同的墨色和笔法来表现竹子的挺拔、柔韧、以及风吹雨打时的动态，每一个细节都抠得很细致。它会告诉你，为什么古人画竹子总能“画竹不是竹”，而是通过竹子来表达一种君子之风。我还特别喜欢它里面关于“意境”的讲解，如何通过留白、构图、墨色的变化来营造出画面中的空间感和时间感，这些都不是靠技巧能一蹴而就的，而是需要深厚的文化底蕴和对自然的感悟。书中的案例分析也做得非常棒，挑选的都是历代大家的名作，但讲解的角度很独特，不是简单地赞美，而是从技法和意念上进行剖析，让我能够看到画作背后隐藏的智慧。这套书读起来，就像是和一位经验丰富的老师在进行一场深入的艺术对话，受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

我一直对中国传统水墨画情有独钟，但苦于没有系统的学习途径，只能是浅尝辄止。这套《跟徐湛学国画1+2套装》的出现，彻底改变了我的学习方式。它以一种非常平易近人的方式，将国画的复杂技法化繁为简，让每一个初学者都能轻松上手。我特别喜欢它在讲解“用笔”的时候，会用很多生动的比喻来帮助理解，比如形容“折钗笔”的挺拔，形容“枯柴笔”的苍劲，这些形象的描述，让我对笔触的理解更加直观。而且，它对于“用墨”的讲解也极其细致，不仅仅是调色，更重要的是讲解如何在宣纸上通过不同的用笔方式，让墨色产生丰富的层次变化，从而表现出物体的质感和体积感。书中的范例作品，无论是花鸟还是山水，都非常有代表性，而且讲解的步骤非常清晰，我跟着书中的指导，一步步地临摹，感觉自己的绘画技巧有了很大的进步。我最欣喜的是，这套书不仅仅是传授技巧，更重要的是引导我去体会“意境”，去感受中国画的那种“气韵生动”，这种精神层面的引导，是其他很多教材所不具备的。它让我觉得，学习国画不仅仅是为了画出好看的画，更是为了培养一种对艺术的感悟和对生活的热爱。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对传统艺术充满兴趣的上班族，我一直在寻找一本能够帮助我系统学习国画的书籍，既要讲解深入，又不能过于晦涩难懂。这套《跟徐湛学国画1+2套装》简直是为我量身定做的。它以一种非常好的逻辑顺序，从最基础的笔墨技法讲起，循序渐进，让我这个完全的门外汉也能看得懂、学得会。我最喜欢的是它对“墨法”的讲解，它不会简单地告诉你“浓淡干湿”，而是会详细讲解如何通过笔触的轻重、快慢、角度以及水分的控制，在宣纸上呈现出丰富而微妙的墨色变化，从而表现出物体的质感、体积感和空间感。书中大量的范例图，都是经过精心挑选的，而且讲解非常细致，我甚至可以跟着步骤一步步地去临摹，感觉就像有一个经验丰富的老师在旁边指导一样。我特别喜欢它在讲解花鸟画的时候，会让我去体会不同花卉的“神”，比如梅花的傲骨、兰花的幽香、竹子的坚韧，然后才去谈如何用笔墨来表现这些“神”。这种从“意”到“形”的讲解方式，让我觉得国画不仅仅是技巧的堆砌，更是情感和精神的表达。这套书让我对国画的学习充满了信心，也让我看到了将传统艺术融入现代生活的可能性。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得国画是一种非常“写意”的艺术，它不像西画那样追求写实，而是更注重意境和神韵。但一直苦于没有好的入门教材，所以一直没有真正开始学习。这套《跟徐湛学国画1+2套装》的出现，简直是我的福音。它以一种非常接地气的方式，将国画的复杂技法化繁为简，让每一个初学者都能轻松上手。我最喜欢的是它对“用笔”的讲解，它会用很多生动的比喻来帮助我们理解不同的笔触所能产生的效果，比如“飞白”像雨丝，“渴笔”像枯枝。这些形象的描述，让我对笔触的理解更加直观。而且，它对于“用墨”的讲解也极其细致，不仅仅是调色，更重要的是讲解如何在宣纸上通过不同的用笔方式，让墨色产生丰富的层次感，从而表现出物体的质感和体积感。书中的范例作品，无论是花鸟还是山水，都非常有代表性，而且讲解的步骤非常清晰，我跟着书中的指导，一步步地临摹，感觉自己的绘画技巧有了很大的进步。它让我觉得，学习国画不仅仅是为了画出好看的画，更是为了培养一种对艺术的感悟和对生活的热爱。

评分☆☆☆☆☆

我之前对国画一直抱有一种敬畏之心，总觉得那是需要天赋和多年磨砺才能掌握的技艺，所以一直不敢轻易尝试。直到我偶然间翻阅了这套《跟徐湛学国画1+2套装》，我才发现，原来国画的学习也可以是如此循序渐进、充满乐趣的。这套书的讲解逻辑非常清晰，从最基础的笔法、墨法开始，一步步深入到具体题材的表现。我特别喜欢它对于“写”的理解，它强调的不是僵硬的描摹，而是如何捕捉事物的精神。比如，在画梅花的时候，它会让你去体会梅花的傲骨，如何在用笔上体现出那种坚韧不拔的生命力；在画松树的时候，它会让你去感受松树的苍劲，如何在用墨上体现出那种饱经风霜的沧桑感。书中的很多细节都让我受益匪浅，比如关于“墨色变化”的运用，它不是简单地告诉你“浓、淡、干、湿”，而是会详细讲解如何在宣纸上通过不同力度、速度和角度的笔触，让墨色产生丰富的层次感，从而营造出画面的立体感和空间感。而且，书中对于构图的讲解也很有独到之处，它会告诉你如何留白、如何虚实结合，从而让画面更加耐人寻味。我按照书中的方法，尝试画了一些简单的花草，虽然作品还很简单，但我能明显感觉到自己的笔触更加稳健，对墨色的运用也更加自如了。这套书让我对国画的畏惧感大大减弱，取而代之的是一种强烈的学习兴趣和自信心。