你應該知道的200件紫檀傢俱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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宋永吉 著

图书标签:

• 紫檀家具
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• 木工
• 中国传统文化
• 家居

出版社： 藝術家雜誌社(時報外版)

ISBN：9789867034977

商品编码：16049656

出版时间：2008-07-01

页数：296

正文语种：繁體中文

内容简介

紫檀木家具一向為人們所珍視喜愛，它顯示出一種尊容華貴、大氣磅礡、穩重堂皇的風範。本書即介紹北京故宮收藏的200件紫檀家具，殊為不凡。內容包含六大類，分別是：床榻、椅座、桌案、櫃櫥、几架、屏聯。從明末至清康熙時期，這時期生產的宮廷家具，做工精湛、造型美觀、簡練舒展、線條流暢、穩重大方，被譽為代表明代優秀風格的明式家具。清代雍正至嘉慶年，正處於康乾盛世，經濟發展，各項民族手工藝均得充分以發展，由於黃花梨木的過度開發，來源枯竭，質地堅硬的紫檀木取而代之，形成時尚。紫檀木家具在清式家具中有顯赫的地位。乾隆鼎盛時期，充裕的國力促使其不僅將紫禁城皇宮內各個殿堂的紫檀木家具配齊，也包括了圓明園離宮、熱河行宮以及三海等處宮殿。這些家具珍品在鴉片戰爭中不幸遭到肆意搶奪與焚毀，又歷經四次大火之災，使宮中紫檀家具數量驟減。倖存之品更顯珍貴。通過對世間大部分紫檀家具進行瞭解和對比後，得出結論有四：

（1）北京故宮所藏的紫檀木家具，佔有世間紫檀木家具總量之半。
（2）宮廷紫檀木家具即代表了清紫檀木家具的最高等級。
（3）宮廷紫檀木家具皆為成堂配套製作，具有品種齊全之特點。
（4）宮廷紫檀木家具經過皇帝欽定製作，品質優良且款式多樣，充分顯示出它的價值所在。清式家具中絕大部分是乾隆朝家具，紫檀木家具中又絕大部分是清式家具，所以說紫檀木家具是乾隆朝家具的代表之作。欲瞭解和認識紫檀木家具，對於認識清式家具大有裨益。本套書目前已出版有：《鐘錶》、《宜興紫砂》、《古代陶俑》、《青銅器》、《銅鏡》、《佛像》、《玉器》、《黃花梨家具》；即將推出《鼻煙壺》、《雕漆》、《古代陶瓷》，是愛好收藏及審美人士不可缺少的參考書籍。

目录

前言：明清硬木家具
故宮藏紫檀家具
床榻
椅座
桌案
櫃櫥
几架
屏聯

前言/序言

好的，这是一本关于中国古典园林建筑的专业著作的简介，它将深入探讨中国传统园林从萌芽到鼎盛时期的演变脉络、核心美学思想以及各地风格的独特魅力。 --- 《山水意境：中国古典园林艺术的流变与精髓》 图书简介 引言：凝固的诗篇，流动的哲学 中国古典园林，是中华文明中“天人合一”哲学思想最直观、最诗意的物质载体。它不仅仅是栽花种树、垒石叠水的空间艺术，更是将文学、哲学、绘画、建筑融为一炉的综合性艺术殿堂。本书《山水意境：中国古典园林艺术的流变与精髓》，旨在系统梳理和深度剖析中国园林艺术自先秦萌芽至清末衰落近三千年的发展历程，探究其背后的文化基因与审美范式。 第一部分：溯源与奠基——园林艺术的雏形与古典范式的确立 本部分聚焦于中国古典园林艺术的起源阶段，追溯其文化渊源。 第一章：从狩猎园到帝王苑囿（先秦至汉代） 详细考察“囿”“苑”“囿”等早期园林形态的社会功能和空间特征。重点分析先秦时期“山泽之利”的朴素自然观，以及秦汉时期“上林苑”等大型皇家园林的开创性意义，探讨其作为政治权力和理想国象征的意义。此阶段的园林，更侧重于规模的宏大与象征意义的表达。 第二章：文人精神的觉醒与园林哲学的萌芽（魏晋南北朝） 这是园林史上至关重要的一环。魏晋时期，玄学思潮兴起，士大夫阶层对自然与个体的关注度空前提高。本章将深入剖析“竹林七贤”等文人对山水精神的推崇，以及开始在私人宅邸中营造“小天地”的实践。探讨“师法自然”的早期观念如何渗透入造园手法中，为后世的私家园林定下了追求精神寄托的基调。 第三章：盛世气象与山水格局的完善（隋唐五代） 唐代国力强盛，园林艺术进入第一个高峰期。本章将分别论述皇家园林（如大明宫含元殿前苑囿）的宏大叙事，与私家园林的精致典雅。重点剖析唐代诗歌对园林意境的塑造作用，尤其是“借景”手法的初步成熟与运用。同时，本书将引入对“借贷自然山水”的理论探讨，即如何将远方的山水意象引入有限空间。 第二部分：精雕细琢的黄金时代——私家园林的巅峰与格局的定型 宋元时期是中国古典园林艺术，尤其是私家园林，走向成熟和精致的黄金时期。 第四章：市民文化与宋代园林的精致化（宋代） 宋代经济繁荣，市民阶层崛起，对园林的需求从帝王式的威仪转向生活化的审美体验。本章详述宋代“叠山理水”技术的飞速发展，对太湖石的推崇达到了极致。重点分析苏轼、朱熹等文人士大夫在造园理论和实践中的贡献，如对“咫尺之内再造乾坤”的哲学阐释。通过对开封、临安等地园林遗存的考证，展现宋代园林的细腻与文气。 第五章：元代文人的隐逸与写意山水（元代） 元代士人受异族统治，对园林寄托了更深的隐逸情怀。本章侧重分析元代文人园林在“写意”上的突破，强调通过极简的元素（如一两块太湖石、一丛竹子）来暗示广袤的自然。探讨元代文人画（特别是水墨山水画）对园林空间布局、线条运用和氛围营造的直接影响。 第六章：江南园林的集大成与地域风格的成熟（明清早期） 明代，尤其在苏州、扬州等地，私家园林达到了艺术和技艺的顶峰。本书将系统解析江南园林的标志性特征：灵活的布局、精巧的构造、典雅的装饰艺术。深入解析“漏窗”、“花墙”、“曲径通幽”等核心要素在营造层次感和含蓄美中的作用。本章将选取拙政园、留园等代表性园林进行深度案例分析，阐释其布局中的“虚实相生”之道。 第三部分：地域流派与特色——南北园林的差异性探究 中国园林并非铁板一块，本书将清晰对比南北方在审美取向、气候适应和材料运用上的显著区别。 第七章：北方皇家园林的雄浑与秩序（京畿园林群） 分析以北京为中心的皇家园林（如颐和园、圆明园的遗存部分）的特点。北方园林受宫廷礼制和北方气候影响，倾向于“大开大合”，利用天然山体，强调轴线对称和气势的磅礴。探讨其在处理水系和植被时，如何体现帝王“俯瞰天下”的格局。 第八章：江南私家园林的秀美与文气（苏杭扬州） 江南园林则以“秀美”、“精巧”、“诗意”著称。本章着重分析其对有限空间的极致利用，以及如何通过精妙的水体处理和细致入微的建筑装饰，营造出“不出城郭而获山水之趣”的境界。对比江南园林如何将楹联、匾额与景观有机融合，使其成为“可居、可游、可观、可赏”的活态艺术品。 第九章：岭南园林的适应性与地方材料（岭南及巴蜀园林简述） 简要探讨岭南园林在应对炎热多雨气候时所展现的独特手法，如高台、通风设计、以及对石雕、砖雕等装饰艺术的偏爱。同时，触及巴蜀园林在利用天然坡地和独特材料方面的地域特色。 第四部分：艺术的内核——造园手法与审美范式 本书的最后部分是对中国古典园林艺术精髓的提炼和总结。 第十章：理水与叠石：空间的骨骼与血肉 深入解析“叠山理水”这一核心技艺。从李诫的营造法式到明清的实践指南，探讨不同朝代对山石的审美变化。重点分析太湖石、黄石的象征意义，以及如何通过控制水面的曲折、深浅，来模拟自然江河湖海的万千气象。 第十一章：建筑与空间的交融——框景、对景与移步换景 分析园林建筑不仅仅是遮风避雨的场所，更是组织视线、界定空间的工具。详细阐述“框景”（如月洞门）、“对景”（远近呼应）、以及“移步换景”（空间序列的连续变化）这三大空间序列手法，如何引导游人体验由“藏”到“露”、由“小”到“大”的心理过程。 第十二章：诗情画意：文学、楹联与命名艺术 探讨中国园林如何成为“凝固的诗”。分析历代文人如何通过对园林景点的命名（如“曲径通幽处”、“有正堂”）来赋予景观以文化内涵和诗意表达。楹联、匾额的撰写与悬挂，如何成为点睛之笔，深化园林的主题思想。 结语：当代传承与未来视野 总结古典园林艺术所体现的东方智慧，探讨在现代城市化进程中，如何从传统园林中汲取养分，进行创造性转化和可持续发展。 本书特色： 系统性与深度并重： 脉络清晰地梳理了园林三千年的发展史，同时对关键理论和技艺进行了深入的专业剖析。 理论结合实例： 结合历史文献记载、考古发现与现存实例，力求做到理论与实践的完美结合。 文化视野广阔： 将园林置于中国哲学、文学、绘画的宏大背景下考察，揭示其文化基因。 本书是园林学、建筑史、艺术史、历史学等领域专业人士及所有热爱中国传统文化爱好者的必备参考书。它将引领读者穿越时空，走进那一方方由文人精心构建、寄托着山水情怀的艺术天地。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的深度和广度实在令人惊叹。它不仅仅是一本关于某种特定家具的指南，更像是一部穿越时空的文化之旅。作者以极其细腻的笔触，描绘了那些木材在历史长河中扮演的角色，探讨了它们如何从自然之物，一步步演变成承载着家族记忆和审美品味的艺术珍品。我尤其欣赏作者对于纹理和光泽的描绘，那种仿佛能透过纸张触摸到温润木质的质感，是其他同类书籍难以企及的。书中穿插的那些关于工匠精神的叙述，更是让人热血沸腾，理解了每一道榫卯背后凝聚的匠心独运。它成功地将枯燥的物件介绍提升到了哲学思考的高度，让人在欣赏家具之美的同时，反思人与自然、传统与现代之间的关系。读完后，我对“美”的理解也变得更加立体和深刻了。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的阅读体验是充满挑战性，但也极具回报的。它没有采用那种浅尝辄止、走马观花的介绍方式，而是深入挖掘了每一件物品背后的社会背景和审美流变。有几章内容涉及到复杂的结构分析和历史考据，初次阅读时确实需要反复推敲，甚至需要配合一些外部资料才能完全领会其精髓。然而，正是这种深度，使得这本书超越了一般的工具书范畴，成为了一部严肃的学术参考。作者的论证逻辑严密，引用的史料翔实可靠，看得出背后下了大量的功夫。对于那些真正想“懂得”而非仅仅“认识”这类传统工艺的读者来说，这本书无疑是架在案头、时常翻阅的宝典。它不仅教会了我如何辨别优劣，更重要的是，教会了我如何去尊重和欣赏那些耗费巨大心力才能成就的杰作。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和视觉呈现简直是一场盛宴！我一直认为，对于艺术和工艺类的书籍，图文的配合至关重要，而这本书在这方面做得近乎完美。那些高清、细节入微的图片，不仅仅是家具的简单记录，更像是精心策划的微距摄影作品。你可以清晰地看到木材纤维的走向，甚至感受到那种经过岁月打磨后留下的微妙包浆。更绝妙的是，作者巧妙地将一些古代的手绘图纸与现代的实物照片并置对比，这种跨越时空的对话感，极大地增强了阅读的趣味性和信息量。装帧设计本身也透着一股沉稳和雅致，拿在手里，就能感受到出版方对内容本身的尊重。对于视觉驱动型的学习者来说，这本书简直是无与伦比的享受，翻阅的过程本身就是一种放松和沉浸。

评分☆☆☆☆☆

让我感到耳目一新的是，作者并没有将这些物件塑造成遥不可及的博物馆藏品，而是非常接地气地探讨了它们在日常生活中的实用价值和情感联结。书中穿插了一些现代生活场景的应用案例，比如如何将古典元素融入简约的现代家居设计中，如何通过保养维护让这些“老伙计”继续焕发生机。这种“传承而非束之高阁”的理念，非常贴合当下社会对可持续生活方式的追求。它打破了传统鉴赏的距离感，拉近了读者与传统工艺的心理距离。我从中得到了很多启发，学会了如何以更具温度的眼光去看待家中那些看似普通的木质摆件，意识到它们也是我们生活故事的一部分，值得被珍视和用心对待。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是其跨学科的视野和批判性的思维。它没有简单地罗列“好”与“不好”的标准，而是深入剖析了不同历史时期社会对“好”的定义是如何被塑造和影响的。比如，某个时期对某种特定雕刻手法的推崇，背后其实折射出的是当时的政治气候或经济基础。作者对“鉴定标准”背后的权力结构进行了反思，这一点非常难得。它促使读者跳出纯粹的物质层面，去思考文化符号的流动与变迁。这种深度的挖掘和思辨，让整本书的层次感瞬间提升，不再是单纯的“教你买”的书籍，而更像是一部关于“文化符号演变史”的精彩论述。读完后，我对所有涉及手工技艺的领域都产生了更深层次的敬畏之心。