现货原版FASHION时尚服装18到20世纪服装设计京都时尚学院 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 时尚设计
• 服装设计
• 服装史
• 时尚史
• 京都时尚学院
• 原版书籍
• FASHION
• 服装
• 18-20世纪
• 设计参考

店铺： 品图图书专营店

出版社： TASCHEN

ISBN：9783836557191

商品编码：14070833999

开本：20.1 x 14.5cm开

出版时间：2016-01-01

页数：648

FASHION. A History from the 18th to the 20th Century

时尚：18到20世纪时尚历史-京都时尚学院藏品

648页精装画册

Product Details

 

• Hardcover: 648 pages
• Publisher: Taschen (November 20, 2015)
• Language: English
• ISBN-10: 3836557193
• ISBN-13: 978-3836557191
• Product Dimensions: 7.9 x 5.7 x 1.7 inches
• Shipping Weight: 1.6 pounds

• 服装是一个人的个性和定位展示。一个人的装束，无论是沙丽、和服还是西装，都是他/她的文化、阶级、个性甚至是信仰的重要信息。1978年，京都时装学院认识到从社会学、历史和艺术的角度理解一个人的衣着的重要性。京都时装学院（简称KCI）是世界上迄今为止广泛的服装收藏保持者之一，KCI已经积累的广泛的历史服装、内衣、鞋、时尚饰品可以追溯到18世纪。

  书中展示KCI所收藏的古代时装藏品，让读者浏览近三个世纪的服装流行趋势，内容尤为丰富，值得一读。

探索服饰变迁与文化流转：一部跨越时代的时尚史诗 本书并非聚焦于特定时期或地域的服装设计实例，而是旨在提供一个宏大、细致的视角，审视服饰艺术自古至今的演变轨迹及其背后的社会、技术与文化驱动力。我们将追溯那些定义了人类着装美学与功能性的关键转折点，从古代文明的简洁线条到现代工业化浪潮下的材质革命，为读者构建一幅丰富立体的全球服饰文化图景。 第一篇：古典的韵律与早期的象征 本篇深入探讨古代社会中，服饰如何超越遮蔽身体的基本需求，成为身份、信仰与权力的清晰符号。 古埃及的亚麻与神圣的垂坠： 我们将详细解析古埃及人对亚麻布的偏爱，及其对几何形体和天然染料的运用。重点分析“卡拉西里斯”（Kalasiris）等基本形制的演变，以及法老、祭司和普通民众之间的服饰差异。服饰中的图腾、色彩和配饰，如何直接关联到他们的宇宙观和对永恒的追求，将作为核心议题展开。 古希腊罗马的褶皱与结构： 希腊的“基同”（Chiton）和“希马蒂翁”（Himation），罗马的“托加”（Toga）和“帕拉”（Palla），这些看似简单的布料包裹方式，实则蕴含着高超的立体剪裁智慧。我们将剖析这些服装的穿着仪式、政治含义（例如罗马公民身份的象征——白色的托加），以及在雕塑和壁画中，服饰褶皱如何被用来表达运动感和理想化的身体美。这不是关于具体的“京都时尚学院”的当代解读，而是对古典美学根源的溯源。 中世纪的等级与信仰的织物： 欧洲中世纪，服饰成为最直接的社会阶层划分工具。我们探讨封建制度下，关于布料稀有性（丝绸、天鹅绒）、颜色（如紫色和深红色被贵族垄断）以及服装长度和装饰的严格规定。从拜占庭帝国华丽的宗教服饰，到哥特式建筑风格影响下，女性服饰开始强调高腰线和修长轮廓的转变，都将得到细致的考察。 第二篇：文艺复兴至启蒙：对个体与技术的探索 随着地理大发现和人文主义的兴起，服饰开始展现出更强烈的个体表达和对精湛工艺的追求。 文艺复兴的体积与文艺复兴的装饰： 意大利文艺复兴时期，服饰的结构开始变得复杂。我们关注西班牙宫廷风格对欧洲的影响——如紧身胸衣（Stays）的成熟、裙撑（Farthingale）的出现，以及对刺绣、珠饰和蕾丝工艺的极致追求。这些工艺的发展，体现了对手工技艺和贵族财富的炫耀。本部分将关注服装从单纯的覆盖向艺术品转变的过程。 巴洛克与洛可可的戏剧性： 17世纪路易十四治下的法国成为欧洲时尚中心。巴洛克风格强调宏大、对称和庄严，男性服饰中的马裤、精致的袖口和假发艺术成为权力象征。随后，洛可可的柔美、不对称与精致的“法式褶”（Watteau Pleat）占据主导，展现了贵族阶层对享乐主义的偏爱。这种对奢靡和装饰的极致推崇，与后来的启蒙运动思潮形成了鲜明对比。 启蒙运动下的“自然”回归： 18世纪后期，以卢梭为代表的思潮影响了服饰的审美取向。我们探讨“朴素”风格（Simple Style）的兴起，如女性从沉重的裙撑转向轻盈的衬裙（Chemise Dress），以及男性受英国乡村绅士风格影响，对羊毛和实用性面料的偏爱。这标志着现代日常服饰概念的萌芽。 第三篇：工业革命与全球化初现：实用性与机械化 19世纪是服饰史上的巨大转折点，工业化彻底改变了生产、分销和审美观念。 维多利亚时代的规范与束缚： 工业革命带来了更廉价的染料、缝纫机和批量生产的纺织品。然而，社会规范对女性形体提出了极其严苛的要求，束腰（Corset）达到了其历史上的巅峰。本篇将对比英国和法国在这一时期（如太平盛世的波旁王朝复兴）对服饰的理解，分析功能性（如工作服、军服）在日常服饰中占比的增加，以及“成衣”（Ready-to-Wear）概念的初步形成。 新艺术运动与对自由的渴望： 世纪末，对僵化时尚的反思催生了新艺术运动（Art Nouveau）。服装设计开始借鉴自然界中流畅的线条和有机形态，旨在解放女性身体，为20世纪的突破积蓄能量。这不是聚焦于某特定学院派对当代潮流的解析，而是关注美学思潮如何反映社会对解放的深层渴望。 第四篇：20世纪的解构与重塑：流动的时代精神 20世纪是服饰变化最为剧烈的时期，每一次社会动荡都直接映射在人们的衣着上。 两次世界大战的实用主义冲击： 战争期间，女性大规模进入工厂，服装设计必须适应功能性和简洁性。我们研究香奈儿等设计师如何将男装元素（如斜纹软呢、针织面料）引入女装，奠定了现代主义时尚的基础。战后的“新风貌”（New Look）如何试图回归女性气质，以及随后对这种保守的回应——强调年轻化和休闲化。 青年文化与亚文化的面孔： 1950年代开始，青少年群体成为时尚消费的新力量。从迪奥的优雅到摇滚乐和牛仔裤所代表的叛逆，服饰成为定义社群身份的最有力工具。本篇将分析不同音乐流派（如朋克、嬉皮士）如何将DIY、二手和政治宣言融入服装设计中，形成了对主流时尚的持续挑战。 全球化与设计理念的交融： 探讨20世纪后半叶，不同地域文化的设计师如何将传统元素融入现代剪裁。重点在于时尚产业如何被媒体和全球贸易网络重塑，以及设计美学如何从单一的欧洲中心主义转向更加多元和包容的视角。 结论：服饰的永恒循环 本书的总结部分将回归主题，强调服饰史并非一条直线，而是螺旋上升的循环。古代的垂坠感回归现代的宽松廓形，早期的象征意义被新的身份标签所取代。服饰是对人类社会、技术进步、经济状况和个体心理的持续性视觉陈述。通过对历史的全面梳理，读者将能更深刻地理解“时尚”二字背后所承载的深厚文化重量与永恒的创造力。

评分☆☆☆☆☆

初读这本书时，我最直观的感受是它的“跨界”视野。我原以为这会是一本专注于西方高级定制演变的专著，但很快我发现它在引述不同地域时尚观念碰撞时，展现出了令人惊喜的广度。作者在处理20世纪初现代主义兴起阶段时，并没有完全陷入巴黎沙龙的叙事陷阱，而是插入了大量关于功能性服饰和新兴工业设计对时装影响的论述。这种多维度的观察视角，极大地拓宽了我的思路。比如，其中有一章专门讨论了特定时期下装演变与社会性别观念松动之间的微妙关系，论证得鞭辟入里，而不是停留在简单的“进步”与“保守”的二元对立上。我尤其欣赏它对于“制服”美学和“日常着装”如何反哺高级时装的分析，这种由下而上的研究路径，为理解当代时尚的根源提供了一个全新的、更具批判性的框架。这本书的排版设计也十分考究，版心留白恰到好处，让那些复杂的视觉信息得以充分呼吸，读者体验非常舒适。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字风格，对我来说，更像是一篇篇精心打磨的时尚评论散文，而非冷冰冰的学术论文。它充满了作者个人强烈的审美倾向和独到的洞察力，读起来一点也不觉得乏味。我特别喜欢作者在描述特定设计师的创作哲学时所使用的那些富有张力的词汇，那种“解构与重塑”、“瞬间的永恒”之类的表述，一下子就抓住了我想象中的那种高定魅力。当我翻到关于战后“新风貌”的章节时，作者没有陷入对宏大历史叙事的追逐，而是着重分析了面料创新，比如人造纤维的介入如何彻底改变了服装的“形”与“神”。这种对技术细节的关注，往往是许多同类书籍所忽视的。它让我意识到，每一次时尚的革命，背后都有着材料科学的默默推动。总的来说，这本书的阅读体验是高度愉悦的，它成功地将专业知识与感性的审美体验完美地融合在了一起。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张选择，本身就是一种对“时尚”的致敬。纸张的质感非常高级，那种略带磨砂的触感，让翻页的动作都变得小心翼翼，仿佛生怕惊扰了历史的宁静。更值得称道的是，它在视觉呈现上展现出极高的专业水准。很多历史照片的色彩还原度极高，那些尘封已久的织物色彩，在现代印刷技术下焕发出新的生命力。我印象最深的是其中关于20世纪初期的彩色插画部分，那些水彩和淡彩的效果，完美捕捉了当时巴黎画报那种轻盈、流动的美感。这本书的编辑功力可见一斑，它不是简单地把图片堆砌起来，而是有目的地将文字论述与视觉证据进行交叉引用和呼应，形成了一个非常紧密的论证闭环。每次合上书本，我的脑海中都会浮现出清晰的画面感，而不是一堆零散的知识点。它确实是一本值得反复品味、时常翻阅的视觉盛宴。

评分☆☆☆☆☆

作为一个资深时装爱好者，我阅读了市面上许多关于服装史的经典读物，但坦白说，大部分都存在一个通病：过于强调服装作为一种“符号”的解读，而忽略了它作为“物”的实体属性。这本书在这方面做得非常出色。它似乎在努力弥合理论与实践之间的鸿沟。书中对特定时期服装结构图的呈现方式，让我这个非科班出身的人也能大致理解一件复杂结构（比如维多利亚时代紧身胸衣的内部支撑系统）是如何运作的。作者花了相当大的篇幅去解释面料的纹理、缝纫技术的演变，甚至是服装在不同光线下反射光线的物理特性如何影响穿着者的气质。这种对“做衣服”本身的尊重和深入剖析，赋予了全书一种罕见的厚度和可信度。它让我重新审视了那些经典造型，不再仅仅停留在表层的华丽，而是看到了其背后精密的工程学原理。

评分☆☆☆☆☆

这本书，拿到手上就让人有一种沉甸甸的仪式感，封面设计简约却不失格调，透露着一股历史的厚重感。我本来是对服装史抱有一种比较学术性的期待，希望能够看到扎实的史料梳理和严谨的时代背景分析。然而，这本书给我的感觉更像是一次深度策展的体验。它没有试图用枯燥的文字堆砌出一条完整的年代线，而是巧妙地通过一系列精选的视觉材料，引导读者进入不同时期的时尚语境。特别是那些来自私人收藏或专业机构的罕见早期手稿和样衣照片，其清晰度和细节之丰富，简直令人叹为观止。我花了大量时间研究其中关于19世纪末期廓形变化的图解，那种对结构、剪裁和面料垂坠感的细腻捕捉，远超一般教科书的范畴。这本书的叙事节奏把握得非常好，它懂得何时需要留白，何时需要聚焦细节，让读者在翻阅的过程中，仿佛能听到历史的回响，感受到那些早已逝去的匠人精神。它不只是记录，更是一种对美学哲学的深度探讨。