梨园佳话/近代散佚戏曲文献集成·戏曲史料汇29 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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王梦生 著，黄天骥 编

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• 近代戏曲
• 散佚文献
• 戏曲研究
• 清代戏曲
• 民国戏曲
• 戏曲史
• 文献集成
• 梨园佳话

出版社： 山西人民出版社 ， 三晋出版社

ISBN：9787203102663

版次：1

商品编码：12332879

包装：平装

丛书名： 近代散佚戏曲文献集成

开本：16开

出版时间：2018-03-01

用纸：胶版纸

页数：160

字数：70000

正文语种：中文

内容简介

　　《梨园佳话/近代散佚戏曲文献集成·戏曲史料汇29》是一部关于戏剧及戏剧历史的笔记体著作，总论中对戏曲的若干特质作了抉发，“诸剧精华”章择要介绍了一些精彩剧目，“群伶概略”介绍了不少清代戏曲界的著名艺术家，“余论”对戏曲中的一些名词作了解说。《梨园佳话/近代散佚戏曲文献集成·戏曲史料汇29》具有一定的史料价值。

作者简介

　　王梦生，清光绪间人，生平末可考。其对梨园杂耍颇有研究。清人徐珂编清稗类钞，对其人多有提及，并称其为（长洲王梦生气）。一说为今江苏苏州人。

内页插图

目录

第一章 总论
戏为美术
戏为专门之科学
今剧之始
弋腔为崑曲皮黄之过渡
京师最讲皮黄声调
唱工向无专书记载其要有五
梨园练嗓养嗓治嗓之法
腔为唱工之第三步
字为唱工之第五步
戏有四德
发源最早种类最多
明清时戏剧之盛
徽调之典
科班各项名色
嗓为唱工之第一步
调为唱工之第二步
板为唱工之第四步
唱皮黄须讲双声字
做工之难
武剧之难

第二章 诸剧精华
生旦等称名之义
文昭关为生唱最难之剧
寄子朱砂痣观画洪羊涧四剧
天水关
斩黄袍
李陵碑
资马捉放二剧
打棍出箱
鱼藏剑
……

第三章 群□概略
第四章 余论

前言/序言

　　戏曲，是我国在世界艺坛上独树一帜的综合性艺术。如果从金元时期戏曲趋于成熟的阶段算起，历经明清两代，到晚清民国时期，它已经走过了近七百年的道路，发挥过重大的社会影响。
　　戏曲，包括杂剧、传奇乃至花部小戏等体裁，在不同的历史时期，其内容、形式，不断地变化融合，也经历过好几个不同的发展阶段。进入晚清民国时期，随着我国历史和社会出现翻天覆地的变化，戏曲进入了非常独特的历史时期。对于中国文化和研究中国戏曲史而言，这是具有特别意义并且非常值得注意的历史时期。
　　我国戏曲，元代以杂剧为主流，明清两代，剧坛以传奇为主，也兼演杂剧。但到了清代乾隆年间，朝廷经常在为皇帝、皇太后祝寿的全国性节日，引进各种地方戏班，进入北京会演。以此为契机，徽班以其精彩的表演和它易于为群众接受的特质，在京城落地生根，影响日益扩大。它融合了其他唱腔，形成了后来被称为“京剧”的新剧种。这时候，各处的地方戏，风起云涌。至于曾在舞台上流行的杂剧、传奇，即使在某些方面结合时代的潮流，有所革新，但终究敌不过以徽班为代表的清新、活跃、更接地气的地方戏。愈到后来，属于“雅部”的杂剧、传奇，渐渐无人问津，走向衰落。从此，“花部”终于战胜了“雅部”，中国的剧坛，经历了一次重大的变化。
　　从晚清到民国，随着政治经济的变革，西方各种思潮包括文艺思潮，也陆续涌入古老的天朝。我国戏曲领域，与中国人民反帝反封建的斗争相联系，与资产阶级政治运动相适应，也出现了深刻的改良活动。以京剧为例，剧坛上呈现出与元明清三代不同的面貌和特点。
　　从金元以至明清，我国戏曲经过长期的创造、沉淀，在剧本创作上，特别在唱、做、念、打等表演技巧方面，都在不断地完善。乾嘉以来，商业兴旺，中心城市如北京、上海一带，市场繁荣，观众日多，审美要求也日益提高。加以宫廷的大力提倡，各个地方戏种有了交流借鉴、互相影响、共同提高的机会。以京剧为代表的“花部”，特别在表演艺术方面，日臻成熟，达到了中国戏曲史上的高峰。那时候，戏班众多，名角迭出。咸丰、道光年间，京师出现以演老生见长的程长庚、余三胜、张二奎。这三杰，被称为“三鼎甲”。后来又出现谭鑫培、汪桂芬、孙菊仙三位杰出的老生演员，被称为“后三鼎甲”。他们的做派唱工，或如黄钟大吕，慷慨沉雄；或如雁啸长空，悲凉苍劲。他们风格各异，而其共同之点：品行端正，敬业不懈，严肃地对待艺术创造。因此，他们被艺术界公认为偶像，也受到广大观众的尊敬。
　　到民国初年，观众喜爱老生的热忱，逐渐转换为对旦角的追捧。当时京剧涌现出四大男旦。梅兰芳以俊美的容姿，唱、做、念、打已达炉火纯青的表演技艺，让观众如痴如醉。程砚秋擅演悲剧，以青衣应工，幽韵哀情，如泣如诉，唱到剧中的凄楚之处，让观者感同身受。荀慧生则表情多变，做派风流活泼，有第一花旦的美誉。尚小云嗓音圆亮高朗，在串演女性角色中透露着英勃之气，他尤擅演JJ马旦，在旦角中自成一派。那时候，“梅、程、荀、尚”，红透了中国剧坛。
　　可以说，清末民初，是中国戏曲发展的高潮时期，尤其是在表演技巧方面，更是发展到艺术的顶峰。这一点，和戏曲在继承传统的基础上，在新旧交替的时代，审美观念出现变化，演员们在剧本内容和演技方面，为适应社会的需要，积极地酝酿有所变化、有所革新有关。当旧的政治体制被推翻，崇尚个性的潮流涌入剧坛，“四大名旦”们，也就不断刷新剧目，即使演出传统旧剧，也注意作适当的改造，注意程式的创新，甚至懂得追求人物形象的个性化。于是，整个清末和民国的剧坛，出现了让人耳目一新的局面。

近代戏曲研究新视野：传统与变革中的艺术图景 本书是一部深入探讨中国近代戏曲发展脉络的学术专著，立足于丰富的历史档案、剧本、演出记录及相关评论资料，旨在勾勒出二十世纪上半叶中国戏剧艺术在社会巨变背景下的复杂面貌。全书秉持严谨的史学精神，辅以细致的文本分析和语境考察，力求超越传统戏曲史研究中侧重于“文学经典”的窠臼，转而关注戏曲在社会、文化、政治多重力量交织下的实践形态与生命力。 第一部分：时代洪流中的剧场变迁 本部分聚焦于清末民初至抗战爆发前夕，中国社会形态和审美趣味的剧烈转型如何深刻影响了戏曲的生态。我们首先考察了传统梨园体系在面对现代性冲击时的内在张力。新式学堂、电影、乃至西方戏剧思潮的涌入，并非简单地取代或被取代，而是在复杂的互动中催生出新的艺术形式和观众群体。 城市化与剧场空间重塑： 重点分析了京津沪等大都市中，传统戏园子如何逐步向现代“剧场”过渡。从舞台机械的更新（如灯光、布景的西化），到观众席位的划分与管理模式的改变，这些物质层面的革新如何反映了社会阶层的流动和新的观剧礼仪的形成，是本部分探讨的核心议题。我们详细梳理了特定剧场（如上海的大世界、天蟾舞台）的兴衰史，将其视为近代文化权力博弈的缩影。 “新剧”与“旧戏”的拉锯： 细致辨析了以“话剧”为代表的“新剧”运动对传统戏曲的冲击与启发。新剧的启蒙色彩和政治诉求，迫使传统戏班和剧作家进行自我反思和调整。书中不回避传统戏曲在这一时期遭遇的衰落叙事，但更强调其“韧性”——即传统剧种（如京剧、昆曲、地方戏）如何通过“改良”和“包装”来适应市场需求，实现自身的现代化转型。例如，对京剧“谭派”“杨派”等流派在此时期如何吸收新元素，拓展艺术疆域的个案研究，揭示了艺术创新的内在驱动力。 第二部分：文本与表演的再阐释 本部分将研究的焦点从宏观环境转向微观的文本生产和表演实践，试图还原近代戏曲表演的立体性。 剧本的流变与商业化： 探讨了近代戏班的剧本来源和生产机制。在印刷技术普及和报刊杂志的推动下，剧本不再是封闭的“师徒相传”之物，而是成为一种可以流通和消费的商品。我们分析了不同出版形式（如小开本袖珍剧本、报纸连载）对剧本内容和结构的影响，并对比了舞台演出本与留存文本之间的差异，揭示了“活的戏”与“死的文本”之间的张力。对一些著名戏班的演出剧目清单进行统计分析，展示了剧目更新的速度与商业导向的紧密关系。 名伶的“人格化”与偶像崇拜： 近代是“名伶”真正登上历史舞台的时期。本部分深入研究了梅兰芳、程砚秋、尚小云、荀慧生等“四大名旦”的艺术成就，但更侧重于他们如何成为社会文化符号的过程。他们的个人风格、舞台形象与社会舆论、摄影技术、时尚潮流的互动，共同构建了一种新型的公共偶像文化。书中通过对当时报刊杂志中对名伶的报道、评论，重构了观众对这些艺术家的想象与迷恋的机制。 地方戏曲的勃兴与地域身份： 区别于对京剧一枝独秀的传统叙事，本书对同一时期在地方上蓬勃发展的地方戏曲（如川剧、粤剧、越剧、豫剧等）进行了大量的关注。这些剧种往往更贴近底层民众的日常生活和地域文化心理，它们的“改良”路径与京剧的自上而下有所不同。通过对特定地域的演出风俗、商业模式的考察，揭示了近代中国戏剧的“多中心”格局。 第三部分：戏曲与现代性的对话 本书的第三部分着重探讨戏曲艺术如何参与到现代中国的意识形态建构与社会教育之中。 政治意识形态的渗透与利用： 随着民族主义情绪的高涨和国民政府的治理，戏曲不可避免地被纳入国家文化建设计划。我们分析了“整理国故”运动对戏曲遗产的保护与“改造”作用。一方面，它挽救了部分濒临失传的剧种和剧目；另一方面，它也带来了对传统戏曲“落后性”的批判，以及试图将其导向服务于特定政治宣传的倾向。对抗战时期戏曲界在沦陷区与大后方的不同境遇，以及戏曲工作者如何通过演出表达爱国情怀的案例分析，展现了艺术的社会责任感。 教育、普及与新的观众群： 探讨了戏曲教育机构（如戏校）的建立，以及文化精英尝试将戏曲引入学校和现代客厅的努力。这些努力旨在培养“新的”戏曲观众，使戏曲消费从传统的市井娱乐转向一种具有文化修养的活动。然而，这种精英化的努力在多大程度上成功改造了根深蒂固的民间观剧习惯，是值得深入思辨的问题。 结语：未竟的遗产 全书的结论部分总结了近代戏曲在“中断”与“延续”之间的复杂状态。它既是古典艺术最后的辉煌顶点，也是向现代戏剧转型的关键过渡期。本书的价值在于，它拒绝将近代戏曲简单视为通往成熟现代戏剧的垫脚石，而是将其视为一个独立且充满活力、充满矛盾的艺术生态系统进行审视和记录。通过对那些散落在历史角落的演出信息、未整理的剧目单、民间舆论的重新挖掘，本书为理解二十世纪中国文化的深层结构提供了坚实的文献基础。

评分☆☆☆☆☆

我对这部汇编中对不同流派戏曲表演理论的收录感到非常惊喜，尤其是那些关于昆曲和徽班进京初期唱腔流变的细致描述，简直是研究中国戏曲声腔演变脉络的无价之宝。那些零散的笔记、信札中透露出的关于“声腔如何适应不同剧目情绪”的讨论，比一些学院派的理论著作要生动和实在得多。我花了好几个下午，沉浸在那些老伶人对手眼身法步的精妙解析中，真切感受到了“台上一分钟，台下十年功”的重量。不过，我发现部分文献的影印质量波动较大，有些页面的清晰度明显不如其他部分，这可能是受制于原始底本的保存状况，但也确实影响了阅读体验。尤其是在辨认那些手写体的批注时，如果能提供一份规范的数字化转录文本作为附录，将会极大地方便我们进行文本细致的比对和研究，毕竟纸质文献的反复翻阅和查找效率终究是有限的。尽管如此，这份资料的稀有度和独特性，已经让它超越了这些小瑕疵。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是令人眼前一亮，封面色彩的运用既古典又不失现代感，那种深沉的墨绿与淡雅的米黄搭配在一起，仿佛能让人瞬间穿越回那个戏曲盛行的年代。纸张的选择也十分考究，拿在手里沉甸甸的，触感温润，完全符合它作为珍贵历史文献汇编的身份。不过，我还是希望在内容编排上能更人性化一些。比如，如果能在每篇文献的开头增加一个简短的导读或者背景介绍，哪怕只有几十字，对于初次接触这些散佚资料的读者来说，都会有极大的帮助，能更快地进入到文献的语境中去。现在这些文献几乎是原汁原味地呈现，虽然保留了原始风貌，但对于学术研究之外的普通戏曲爱好者来说，理解起来可能会有些吃力。希望后续的版本能在保持文献原貌的基础上，增加一些辅助性的解读工具，这样这本书的受众面会更广，更能实现其普及历史文化价值的初衷。总体而言，从实体感和视觉享受来说，这本书绝对是值得收藏的精品。

评分☆☆☆☆☆

这部戏曲史料汇编的出版，无疑是为当代戏曲研究者们送上了一份厚礼，它填补了许多以往研究中因资料匮乏而产生的空白点。我个人受益匪浅的是其中关于某一地方小剧种在民国初期向主流戏曲吸收元素时的具体操作案例。这些案例的细节描述，如“某某腔调的改腔记”或“某某武打程式的创新过程”，都为我们理解戏曲艺术的动态演变提供了坚实的案例支撑，而不是空泛的理论推测。它展示了一种活态的、不断自我革新的艺术生命力。如果说有什么可以进一步提升的地方，那就是关于这些原始文献的“出处考证”。虽然目录中列出了大致来源，但如果能在每一篇材料旁边标注更精确的原始收藏机构、著录者的具体身份信息（如果可知），或者该文献首次被关注的时间点，将大大增强其作为“一级史料”的可信度和学术可追溯性，让读者在引用和研究时更有底气。这部书的价值毋庸置疑，它是一座等待被深入挖掘的宝库。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对戏曲史料整理工作抱有敬意的读者，我必须赞扬编者在文献搜集上的“地毯式”努力。这部汇编所收录的材料之广，涵盖了剧本残页、戏班章程、地方报刊的演出广告、甚至是戏迷的笔记，这显示出极大的耐心和对史料价值的敏锐判断力。它不拘泥于传统的“正统”文献，而是将目光投向了边缘和被忽略的角落，这恰恰是学术研究中最具突破性的地方。这些“边角料”往往能提供最直接的社会文化信息。然而，如此庞大的资料量，如果缺乏一套科学合理的检索系统，对于研究者来说，查阅起来难免感到吃力。我期待未来的电子版本能够配备全文检索功能，或者至少，在这部实体书中，能在卷首提供一份详尽的、按主题分类的目录清单，帮助我们快速定位特定主题下的相关文献，而不是只能依赖传统的页码顺序进行大海捞针式的翻阅。

评分☆☆☆☆☆

这部文集对于梳理近代戏曲界名家的私人交往网络提供了一个极佳的窗口。通过那些散落在各处的往来书信和应酬记录，我得以一窥当时伶界领袖人物之间的复杂关系——他们既有艺术上的切磋与合作，也难免存在圈子内的竞争与龃龉。这种基于一手材料的“去神化”视角，非常有助于我们重建一个更真实、更立体的人物群像。它不再是舞台上被美化的偶像，而是一个个鲜活的、充满挣扎与抱负的艺术家。我特别留意了其中几封关于戏班运营和剧目改编的通信，它们揭示了在社会变迁的大背景下，戏曲艺人如何努力保持艺术生命力的过程，充满了历史的张力。唯一让我感到些许遗憾的是，关于女性戏曲家的记录似乎相对较少且分散，如果能有一个专门的章节或者索引来集中梳理这些重要的女性身影，对于完善近代戏曲史的性别视角研究，将会有更积极的意义。