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[美] 斯科特·温菲尔德·萨布，莱特 著

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出版社： 湖北科学技术出版社

ISBN：9787535292957

版次：1

商品编码：12323533

包装：精装

开本：32开

出版时间：2018-01-01

用纸：胶版纸

产品特色

内容简介

本书是一本引进图书，由好莱坞知名编剧撰写，讲述在拖延症、神经质充斥的时代，如何将剧本写作这个规模浩大的工程破解成一系列容易完成的小任务，最终排除干扰和误导，实现写作目标。每个人都有一个“写作梦”，而本书带给你的绝对是一个全新的视角，让你知道：哇！原来可以这样做！本书是给有志于从事编剧事业的人看的，但喜爱它的读者一定不只是编剧，相信你懂的。献给每一个爱生活、爱电影的人！

作者简介

作者为《再见本拉登》编剧，导演及制作人，在迈阿密南沙滩国际动漫节上被评为“best剧情片”，并且担任电影“战栗”编剧兼导演，由奥斯卡获奖者Shirley Jones 领衔主演。两部电影作品均由网飞影视公司及流媒体进行发行。

此外，他为《安息，安息吧，戴安娜》 ，《再见本拉登！》， 及《音乐剧：帝国主义》写词作曲。其中，《安息，安息吧，戴安娜》在纽约国际艺术节上获得提名，并在多种刊物上进行刊载，例如 ”纽约时报“， ”纽约日报“及 ”纽约杂志“等。《再见本拉登！》 舞台剧本由”旧金山海湾卫报评为”2004年首演五大剧目之一“

其合作的电影剧本《电影：披萨之战》，在影视研讨会上首映，并获得全国发行。

他还担任《关于父亲的一切》电影作品的独立创作及监制，被亚太文艺评为”2009年十大亚-美 合作影视作品“。（详见网络影视数据库）。

他创作的剧本《我是一名少年相扑手》由迪士尼拍成电影。 并在各大刊物上发表有关影视作品的论文，文章及影评，包括”旧金山纪事报“， ”华盛顿先驱报“，”美国合众社国际版“等等。2013年，其作品”好教练“在 “逐渐衰落的杂志“编剧大赛中获得一等奖， ”查理斯顿海港“在贝弗利山编剧大赛中获得第二名。

2014年秋季，他写的书《关于精神病患者的剧本》由爱荷华大学出版社出版。并且已获得加州大学洛杉矶分校剧本创作艺术硕士，及西北大学电台/电视/影视学士学位，现担任圣何塞州州立大学电影及舞台剧教授，并担任系主任一职。

好的，这是一份关于一本名为《完美编剧成长指南》的图书的简介，其中内容完全围绕该书“不包含”的内容展开，并力求细节丰富，文笔自然流畅。 --- 暂无书名：探索剧本创作的未尽领域 一部深入剖析那些“非标准”剧本技法、被主流理论忽视的创作思维的深度探讨之作。 导言：剧本的“暗面”与“空白地带” 我们身边充斥着各种关于“三幕式结构”、“英雄之旅”以及“如何精准设置高潮点”的宝典。然而，真正的创作熔炉往往在这些被标准化流程覆盖不到的角落里熊熊燃烧。本书并非又一本教你如何遵循公式的指南，恰恰相反，它是一份对那些在传统剧本写作课堂上被轻描淡写、甚至被视为“禁忌”的创作领域进行系统性梳理的尝试。 我们不讨论如何写出一部“合格”的剧本，而是专注于那些能让作品拥有独特生命力的、尚未被纳入任何成熟教学体系的创作方法论。 第一部分：解构“完美”——对既有范式的批判性审视 本书的第一部分，将带领读者跳出对“完美”的盲目追求，直面那些阻碍真正创新的固有思维定式。 章节主题一：结构之反叛——对线性叙事的解构与超越 本书不会提供任何关于“如何划分场景”的流程图。相反，它将深入探讨非线性叙事在当代电影语言中的复杂应用，特别是那些故意模糊时间顺序、挑战观众记忆与认知的叙事策略。我们会分析那些通过碎片化信息重组来构建意义的案例，它们如何避免了传统因果链的束缚，转而依赖情感共鸣和主题的隐喻力量。 非因果驱动的场景连接： 探讨如何仅凭意象的对位或潜意识的流动来衔接两个看似无关的场景，从而在逻辑断裂处产生新的张力。 主题的“自生”而非“嵌入”： 讨论剧本如何避免将主题强行植入对白或情节，而是让主题在人物行为的无意识冲动中自然涌现，即“让故事自己长出意义”，而非“为意义服务”。 章节主题二：人物弧光的悖论——静态人物与“负面成长”的价值 我们不会详述如何设计一个具有清晰“从A到B”转变的主人公。本书聚焦于那些拒绝被驯化的角色：那些在故事终点依然固执己见、甚至比开场时更加“错误”的角色。 “反向弧光”的复杂性： 分析一些经典案例中，人物是如何在经历巨大事件后，深化其核心缺陷而非克服它。这种“负面成长”如何服务于更宏大的社会批判或存在主义母题。 “背景人物”的叙事功能： 深入研究那些几乎没有台词、甚至从未露面的“环境人物”，他们如何通过“缺席”的方式，比任何正面角色更深刻地定义主角的处境与困境。 第二部分：技法之边界——超越对话与场景的创作领域 本部分将跳出剧本的“骨架”层面，探索那些决定剧本“血液”流动的非显性元素。 章节主题三：声音景观的剧本化——沉默与噪音的编排 剧本中对“声音”的描述往往限于“门砰的一声”或“背景传来警笛”。本书将研究如何将声音设计提升至叙事核心。 环境声的隐喻负载： 探讨如何通过对特定环境噪音（例如：持续的低频嗡鸣、特定频率的回音）的精确描述，来预示角色的心理状态或即将到来的灾难，而无需任何对白辅助。 “不可听见之物”的表达： 如何在剧本中描绘角色“听到了某种别人听不到的声音”，以及这种听觉体验如何成为驱动情节的内生动力。 章节主题四：空间与场域的心理拓扑学 本书不教授如何写场景描述，而是研究空间如何内化为角色的记忆与恐惧。我们关注的不是“一个房间里有什么”，而是“这个房间的几何形状和光线分布如何迫使人物做出某种选择”。 封闭空间的情绪压缩： 分析那些故意使用压抑的、难以定义的室内空间的剧本，它们如何通过物理限制来模拟精神上的困境。 景观的“异化”书写： 探讨如何将日常的都市景观或自然场景，通过独特的视角和措辞，转化为与人物内心冲突相呼应的陌生化景象。 第三部分：面对空白——灵感枯竭与创作道德的边缘 最后一部分，我们将探讨编剧在创作过程中最难言说的困境——那些无法被工具书解决的问题。 章节主题五：拒绝灵感的困境——在创作“荒漠期”的自我定位 我们不会提供“五分钟找回灵感”的技巧。相反，本书探讨的是如何接受创作停滞期，并将这种“无为”转化为一种有意识的沉淀与等待。 从“填充”到“挖掘”： 区分主动的素材积累与被动的“等待启示”之间的界限，并论述后者在真正原创性作品中的不可替代性。 对市场需求的“有意识的忽视”： 探讨在商业压力下，编剧如何有策略地、而非盲目地偏离主流期待，保持创作的纯粹性。 章节主题六：剧本的“未完成性”与读者的“共谋” 真正的剧本不仅是给导演和演员看的，它也是写给未来观众的邀请函。本书将剖析那些故意留有“缝隙”的剧本，它们如何将最终意义的阐释权，交还给接收者。 意义的“悬浮”技术： 分析那些关键情节的动机被刻意模糊处理的案例，这些模糊是如何创造出比清晰解释更持久的观影体验的。 剧本中的“空白页”： 探讨如何通过剧本文本的节奏中断、信息缺失，来迫使读者（以及未来的观众）用自己的经验去“填补”这些间隙，从而使每一次阅读都成为一次新的创作。 --- 结语：一本为你保留“犯错空间”的参考书 本书旨在为那些厌倦了标准化模板、渴望探索剧本表达极限的创作者提供一面棱镜。它不提供答案，只提供提问的角度。如果你正在寻找一种新的方式来打破自己的创作瓶颈，尤其是在那些关于结构、人物和主题的灰色地带进行探索，那么，这本书的价值，恰恰在于它所未曾言明和界定的广阔领域之内。 它是一本关于如何避免成为教科书范本的创作手册。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常有吸引力，那种略带复古又充满现代感的排版，立刻就抓住了我的眼球。我是在书店的推荐区无意中翻到的，一开始只是好奇，但很快就被内页的排版和字里行间透露出的那种对“好故事”的执着所吸引。我特别欣赏作者在介绍人物塑造部分所采用的案例分析，没有那种空泛的理论说教，而是直接拆解了几个经典电影角色，剖析他们如何从一个模糊的概念成长为令人信服的银幕形象。比如，对于那个“英雄的旅程”的阐述，它不是简单地罗列步骤，而是结合了不同文化背景下的叙事母题，让人豁然开朗。尤其让我印象深刻的是关于“冲突的层次性”那一章，作者清晰地划分了外部冲突、内部冲突和环境冲突，并且展示了如何让它们相互交织，形成一张密不透风的故事网。读完这一部分，我感觉自己对剧本的骨架有了更扎实的理解，不再满足于仅仅搭建一个情节线索，而是开始思考如何让每一个转折点都带着情感的重量。这本书的语言风格是那种沉稳而富有洞察力的，读起来像是在和一位经验丰富的前辈对话，他既不卖弄玄虚，又能精准地指出新手常犯的错误。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对市面上那些“速成”的编剧手册有点免疫了，总觉得它们要么过于注重格式，要么就是一些陈词滥调的堆砌。但这本书，给我的感觉完全不一样。它更像是一部深入的“故事哲学”探讨，而非简单的操作指南。我最欣赏它对“主题的渗透性”的处理。作者没有把主题当作一个生硬的口号放在剧本的开头或结尾，而是通过细节、潜台词和角色的选择无声无息地渗透进去。我记得其中有一段分析了如何通过场景调度来强化核心主题，比如在一个表现“疏离感”的场景中，如何利用空间布局和光影对比来加剧人物之间的心理距离，这简直是教科书级别的演示。我立刻找了最近在写的剧本片段进行比对，发现自己过去常常把主题讲得太满，反而失去了回味的空间。这本书的价值就在于，它教会你如何“不说”，如何让观众自己去体会故事深层的含义。它的结构安排也很巧妙，从宏观的故事结构，逐步深入到微观的台词打磨，层层递进，毫不拖泥带水。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验是极其流畅和富有启发性的，仿佛一位经验丰富的导演在耳边低语，指导你如何构建一个能够呼吸的场景。我特别喜欢它关于“节奏把控”的论述。它不仅仅停留在“哪里该快，哪里该慢”这种表层概念上，而是深入探讨了如何通过信息释放的密度和速度来调动观众的情绪起伏。作者用了很多图表和流程图来辅助说明，比如如何设计一个“情绪过山车”式的场景，先抑后扬，再突然插入一个意料之外的小高潮，确保观众的注意力始终被牢牢锁定。对我个人而言，最大的收获是关于“空白与留白”的理解。过去我总害怕留给观众思考的空间，总想把所有事情都填满，这本书清晰地指出了过度解释的危害性，教会我如何恰到好处地设置悬念和未解之谜，让故事在结束时依然能在观众心中回响。它不是一本教你如何写出爆米花电影的书，而是一本教你如何写出“有后劲”的故事的宝典。

评分☆☆☆☆☆

作为一个已经尝试过几次投稿却屡遭碰壁的作者，我阅读这本书的过程更像是一次痛苦但必要的“自我诊断”。我发现这本书最“扎心”的地方，在于它对“动机与行为一致性”的苛刻要求。过去我总以为只要情节推动得快，观众就不会深究角色为什么做某件事，但作者用一系列令人信服的例子证明，任何一个不合逻辑的动机都会像蛀虫一样蛀空整个故事的根基。特别是关于“次要角色的功能性”的探讨，我以前常常为了凑人数而设计角色，这本书让我明白，即便是路人甲，也必须对主角的成长或情节的推进起到某种微妙的作用，否则就是多余的赘述。这本书的笔触非常犀利，它不会给你虚假的安慰，而是直面现实的残酷：一个平庸的故事，无论格式多么完美，最终都会被市场无情地淘汰。这种坦诚反而让我更有动力去打磨每一个细节，因为它提供的是一套可以真正落地的、经得起推敲的创作标准。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我眼前一亮的是它对“视听语言的文字转译”所做的努力。许多编剧教材往往忽略了剧本作为一种“表演蓝图”的本质，只是停留在文字叙事层面。但这本书非常强调“你写下的每一个字，都必须有画面感和声音指向性”。作者详尽地分析了如何用精确的动词和场景描述，来替代空洞的形容词，从而让导演和演员能够清晰地捕捉到你脑海中的画面。例如，书中对比了两种不同的动作描述方式，第一种平淡无奇，第二种则通过强调角色的肢体语言和环境互动，瞬间就将一个简单的开门动作赋予了紧张感或疲惫感。这种对细节的极致追求，让我的剧本不再是干巴巴的对白和说明，而是真正具有可操作性的影像脚本。它真正做到了连接文学创作与影视制作的桥梁作用，让我意识到，一个优秀的剧本，首先是一个优秀的“拍摄计划书”。这本书的实用价值，远超出了我最初的预期。