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内容简介

　　《西方舞台美术基础》是一本介绍西方舞台美术的书，也是作者于海勃过去三十余年教学与设计实践（包括先后在中国、英国与美国的教学与实践）中的一些个人体会。《西方舞台美术基础》中的大部分内容取自作者本人在美国加州大学的设计基础课教案，也包括作者在国内讲课的一些章节，试图通过这些内容对现代西方舞台美术，尤其是英美两国舞台美术的概况向国内读者做一系统性的介绍，为希望了解国外舞台美术的人们提供一扇兴趣之窗；或许也可作为专业院校舞台设计课的教材。

作者简介

　　于海勃，美国加州大学河滨分校戏剧电影系设计教授，美国演艺设计师工会注册设计师，英国舞台美术协会会员。
　　1977年底考入中央戏剧学院舞台美术系（**后首次全国大学招考），1982年毕业并留校任教。1985年考取教育部出国研究生，先后就读于英国利兹大学戏剧系与伦敦圣马丁艺术设计学院，获艺术硕士学位。1991年至2001年就职于伦敦圣玛丽学院戏剧系，担任演出经理与兼职设计讲师。2002年至今任美国加州大学河滨分校戏剧电影系设计专业教授。
　　创作范围广泛，涉及：歌剧、音乐剧、舞剧、话剧、电影、电视、大型庆典、博览会、博物馆及景观等设计。作品曾多次在英美两国发表并获奖.包括：连续三次（每四年一次）被选入全英场景设计全集：布拉格场景设计四年展（1991年）金奖团队成员；2002年美国舞美学会（USITT）设计，2010年美国舞美学会（USITT）研究基金奖及2013年世界舞台设计展（英国）入围世界百强设计师等。

内页插图

目录

前言
自序

第一章 舞台美术与舞美设计
看到的“真实”
什么是舞台美术
什么是舞美设计
设计的核心评判标准

第二章 演出的制作流程与工作团队
戏剧制作流程
戏剧制作团队

第三章 舞美设计师
团队精神
舞美设计师的素养
舞美设计师如何工作

第四章 设计基础
舞台美术的特性
设计的灵魂——想象力
视觉翻译／隐喻
主题形象
舞台构图
设计元素
设计的局限

第五章 设计风格
设计风格的选择
写实风格与非写实风格
不同艺术流派对舞台美术的影响
附录：现代戏剧流派

第六章 舞台美术发展概要
古希腊的剧场艺术
古罗马的剧场艺术
中世纪的剧场艺术
文艺复兴的剧场艺术
17、18、19世纪的剧场艺术
20世纪初的剧场艺术
近代与现代的剧场艺术

第七章 舞台样式与设计要点
现代舞台样式
舞台的构成元素

第八章 舞台技术
艺术与技术的合作
制作车间
工具
材料
常用布景元素
布景迁换

第九章 舞台灯光对舞美的影响
光，视觉呈现的灵魂
舞台灯光的基本功能
灯光的造型要素

第十章 了解世界舞美的窗口
演出设计
其它类型的演出设计
体育赛事表演设讨
国际舞台美术会展
舞台美术期刊
重要国际舞美奖项

第十一章 西方的舞台美术教育
基本介绍
入学资格
学习内容与学业考评
附录1
附录2
附录：参考书目

前言/序言

　　这是一本介绍西方舞台美术的书。
　　这也是我在过去三十余年教学与设计实践（包括先后在中国、英国与美国的教学与实践）中的一些个人体会。本书中的大部分内容取自我在美国加州大学的设计基础课教案，也包括我在国内讲课的一些章节。我试图通过这些内容对现代西方舞台美术，尤其是英美两国舞台美术的概况向读者做一系统性的介绍，为希望了解国外舞台美术的人们提供一扇兴趣之窗：或许也可作为专业院校舞台设计课的补充教材。
　　倒退几十年，知道“舞美”为何物的人寥寥无几，在中国称得上舞美专家的人数估计两幅巴掌就能数全。而今，“舞美”似乎大步流星地从幕后走向前台，成为演艺评论一项不可或缺的评论焦点，连一般观众也能对“舞美”侃侃而提出自己的诸多品论。据说，已开设有关舞台设计课程的高等学府已近百所，舞美设计队伍日渐庞大，“大舞美”的概念近年也被隆重推出。
　　作为舞美工作者，看到自己多年从事的行业渐渐被普及并得到观众的了解、欣赏甚至敬重，当然会感到由衷的欣慰与自豪，但同时又不禁对近年来某些将“舞美”作用过分夸大与期望过高的现象而感不安。“戏不够，景来凑”虽然是句行内老话，但它却准确地描画出目前演出行业的某种创作生态。
　　我们不应该忘记美国舞台设计家罗伯特·琼斯（1887-1954）曾经说过的话：“舞台美术从来没有自己的独立性，它服从于表演，没有演员的舞台美术是不存在的。令人诧异的是，这个简单而基本的舞台设计原则似乎仍然被广泛地忽视。”这段话多么值得我们重温，因为至今仍然有人在继续忽视这个原则，仍然在过度地挥霍舞美的外部包装而放任干瘪的内容。
　　在内容与形式的关系上，不同的见解与较量似乎一直没断，有些人将现代装置艺术与行为艺术的创作理念与方法嫁接到表演艺术上，以视像先行作为戏剧表演的出发原点，甚至干脆摒弃台词与故事等至关重要的戏剧元素。这种形式大于内涵的表演（西方将此叫作Performance Making）或许可以成为一种新的艺术形式，但无论如何不是我们所说的戏剧与从属于它的舞台美术。
　　被绝大多数人认可并接受的事实是：戏剧是一门综合艺术，舞台美术是这门综合艺术中的重要分支。在戏剧团队中演员应永远处于被优先考虑的地位。这个原则不但没有过时，而且在现代所有教授戏剧的课堂与教科书中仍被继续强调。戏剧发生的两要素一个是表演另一个是观众，古代戏剧如此，现代成功的戏剧作品也莫不如是。布莱希特的御用设计师卡斯帕·内赫也用他的“零起点”舞美创作方法再一次明确地诠释了这一“表演至上”的原则。他劝戒舞美设计师在创作初期不要“过于热情”，而应以空白的心态（即零起点）从最简单的“演员需要什么”开始。归根结底，让演员感到舒服，让导演感到好用的设计才称得上是一个成功的好设计。
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