具体描述
内容简介
中国的绘画艺术是中华民族文化的璀璨瑰宝，为人们展示的是直观而真实的历史，能够打破时空界限，引领人们步人一个又一个曾经的世界；能够情思接亘古，运墨走笔间传达画家或昂扬，或悲戚，或悠然，或欢快的心境，令人陶醉其中，情感与画家相应和。《通赏中国名画》既可引领读者品赏画作的神韵。又可帮助读者了解画作精妙之所在，学会赏画、鉴画，对广大文化爱好者和绘画学习者有较强指导意义。
目录
上编 中国绘画概述中国绘画的发展历程
中国绘画的特点
中国绘画的基本技法
中国绘画与书法的关系
下编 中国名画通赏
《鹳鱼石斧图》
／新石器时期·陶质彩绘器
《后（司）母戊鼎》／商代·青铜器
《人物龙凤帛画》／战国·帛画
《人物驭龙图》／战国·帛画
《软侯家属墓生活图》／西汉·帛画
《二桃杀三士》／西汉·壁画
《夫妇宴饮图》／东汉·壁画
《女史箴图》／东晋·顾恺之
《洛神赋图》／东晋·顾恺之
《竹林七贤与荣启期》／南朝·砖画
《屏风漆画列女古贤图》／北魏·木版漆画
《游春图》／隋·展子虔
《西方净土变》／莫高窟·壁画
《历代帝王图》／唐·阎立本
《步辇图》／唐·阎立本
《江帆楼阁图》／唐·李思训
《明皇幸蜀图》／唐·李昭道
《虢国夫人游春图》／唐·张萱
《捣练图》／唐·张萱
《簪花仕女图》／唐·周防
《天王送子图》／唐·吴道子
《雪溪图》／唐·王维
《照夜白网》／唐·韩干
《五牛图》／唐·韩混
《高逸图》／唐·孙位
《卓歇图》／五代·胡壤
《十六罗汉图》／五代·贯休
《匡庐图》／五代·荆浩
《写生珍禽图》／五代·黄筌
《雪竹图》／五代·徐熙
《重屏会棋图》／五代·周文矩
《韩熙载夜宴图》／五代·顾闳中
《关山行旅图》／五代·关仝
《夏山图》／五代·董源
《秋山问道图》／北宋·巨然
《读碑窠石图》／北宋·李成
《山鹧棘雀图》／北宋·黄居宋
《溪山行旅图》／北宋·范宽
《溪山楼观图》／北宋·燕文贵
《写生蛱蝶图》／北宋·赵昌
《渔父图》／北宋·许道宁
《墨竹图》／北宋·文同
《早春图》／北宋·郭熙
《渔村小雪图》／北宋·王诜
《双喜图》／北宋·崔白
《枯木怪石图》／北宋·苏轼
《五马图》／北宋·李公麟
《采薇图》／宋·李唐
《秋庭戏婴图》／宋·苏汉臣
《潇湘奇观图》／宋·米友仁
《芙蓉锦鸡图》／宋·赵佶
《清明上河图》／宋·张择端
《千里江山图》／北宋·王希孟
《四梅花图》／宋·扬无咎
《四景山水图》／南宋·刘松年
《货郎图》／南宋·李嵩
《踏歌图》／南宋·马远
《溪山清远图》／南宋·夏圭
《江山秋色图》／南宋·赵伯驹
《泼墨仙人图》／南宋·粱楷
《岁寒三友图》／南宋·赵孟坚
《墨兰图》／元·郑思肖
《云横秀岭图》／元·高克恭
《鹊华秋色图》／元·赵孟頫
《伯牙鼓琴图》／元·王振鹏
《富春山居图》／元·黄公望
《渔父图》／元·吴镇
《墨梅图》／元·王冕
《清闷阁墨竹图》／元·柯九思
《渔庄秋霁图》／元·倪瓒
《青卞隐居图》／元·王蒙
《杨竹西小像》／元·王绎
《朝元图》／元·永乐宫壁画
《风雨归舟图》／明·戴进
《庐山高图》／明·沈周
《渔乐图》／明·吴伟
《秋风纨扇图》／明·唐寅
《绿荫清话图》／明·文征明
《桃源仙境图》／明·仇英
《墨葡萄图》／明·徐渭
《葛一龙像》／明·曾鲸
《荷花鸳鸯图》／明·陈洪绶
《高逸图》／明·董其昌
《南山积翠图》／清·王时敏
《积雪图》／清·王鉴
《天都峰图轴》／清·弘仁
《苍翠凌天图》／清·髡残
《荷石水禽图》／清·朱耷
《康熙南巡图》／清·王翬
《锦石秋花图》／清·恽寿平
《淮扬洁秋图》／清·石涛
《玉壶春色图》／清-金农
《醉眠图》／清·黄慎
《兰竹石图》／清·郑燮
《三友图像》／清·任颐
《桃实图》／清·吴昌硕
《秋林图》／近现代·黄宾虹
《奔马图》／近现代·徐悲鸿
《人散后，一钩新月天如水》／现当代·丰子恺
《流民图》／现当代·蒋兆和
精彩书摘
中国绘画的历史源远流长却难窥其肇端。2010年9月，经中外专家确认，内蒙古雅布赖手印岩画成为中国已知最古老的岩画，距今14000至30000年间，也是目前中国绘画最早的遗迹。新石器时代彩陶上的图画已具有初步造型能力，对人物、鱼、鸟等外形动态亦能把握其主要特征，《人面鱼纹图》《鹳鱼石斧图》是早期陶绘的杰出代表。夏、商、西周及春秋、战国时期，中国绘画有了长足发展。青铜及玉器上的装饰纹样，战国漆器上的彩绘，特别是湖南长沙楚墓出土的《人物龙凤帛画》和《人物驭龙帛画》，状物之精妙生动、线条之流畅洒脱，昭示着中国早期绘画的较高水平，为秦汉时期绘画艺术的发展奠定了基础。
秦汉时期是中央集权大一统帝国的建立与巩固时期，国势强盛，民族融合，以此为背景的绘画艺术也形成了“深沉雄大”、昂扬向上的时代风格。秦代绘画留存虽然较少，但1976年发现的秦都咸阳宫壁画仍使人们领略到秦代宫廷绘画的辉煌。并且根据秦始皇兵马俑的精湛技艺人们推测，秦皇地宫内很可能有内容鲜活、色彩斑斓的壁画作品。由于汉代统治者尊奉儒术，绘画成为政治统治和封建教化的一种手段。汉代宫殿衙署、祠堂庙宇多有壁画，用以褒扬功臣、宣扬礼教。墓室壁画、帛画、画像石及画像砖中描绘的历史故事、生活场景、仙怪传说等内容，气魄宏大，笔势流转，动态鲜明，展现了当时绘画艺术的雄奇风采。
魏晋南北朝时期，艺术开始步人自觉时代。在这一时期，社会动乱，群雄逐鹿，南北纷争，民生凄苦，残酷的社会现实以及朝不保夕的内心忧惧迫使人们急切需要心灵的安寄之所，于是佛教迅速传播，士大夫多尚玄谈、趋向避世，人们开始有更多的时间观照自我、抒发性情并诉诸笔端，因而包括绘画在内的各项艺术及其理论随之发展起来。
三国时期的曹不兴创立了佛画，他的弟子卫协在其基础上又有所发展。东晋时的顾恺之是人物画大家，《晋书》称他为“画绝…‘才绝…‘痴绝”，代表作有《女史箴图》《洛神赋图》《列女仁智图》等。南北朝时期，南朝刘宋一代成就最高的画家是陆探微，他所画人物的笔法如刀刻一般，线条运用却“连绵不绝”，有“一笔画”之说。中国最早的山水画家宗炳、王微也出现在刘宋时期。梁代最杰出的画家是有着“画龙点睛”故事的张僧繇，他以“善图寺壁”著称，创造了号为“张家样”的佛像楷模，其独创的只用色彩而不用墨骨的“没骨法”对唐朝画家阎立本和吴道子影响极大。梁元帝萧绎尤善画域外人的形貌，传世的宋代摹本《职贡图》即为此题材的经典之作。北朝画家中，北齐有被时人称为“画圣”的杨子华，还有善画“曹家样，，佛像（梵像）的曹仲达。曹仲达画的人物衣服窄紧，仿若刚从水里出来一般，因而有“曹衣出水，，之名。此外，遗存下来的克孜尔石窟和敦煌莫高窟的北朝石窟壁画以其独特的题材与风格丰富着中国的绘画艺术。
有关绘画的美学理论在魏晋南北朝时期相继出现。东晋顾恺之建立了“传神论”，总结出“传神写照，正在阿堵中”的绘画理论，标志着绘画自觉艺术的成熟。南朝刘宋宗炳的《画山水序》及王微的《叙画》是中国也是世界最早的关于山水画的美学论著。齐梁时谢赫的《古画品录》概括了中国古代绘画的艺术准则，并提出传世之“六法论”，即气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写，它对中国绘画的创作与审美产生了深远影响。梁隋问姚最《续画品录》，上承谢赫，提出“心师造化”理论，成为对画家品评的又一专著。
魏晋南北朝出现的名画大家以及诸多古典绘画理论，使人物画与走兽画已臻于完善，而以山水、花鸟为题材的绘画则远未成熟，尚待发展。另外，卷轴画在这一时期已经出现，因而使得书画的收藏欣赏成为现实。
隋唐时代的绘画艺术随着社会经济文化的繁荣而跃上高峰，无论在题材抑或是技巧方面均取得了卓越成就。隋代著名画家展子虔的《游春图》，摆脱了此前山水画“人大于山，水不容泛”的幼稚阶段，是中国山水画的一大进步。唐代绘画艺术空前繁荣，涌现出许多绘画名家。阎立本是初唐时期最重要的画家，他的绘画尤其以人物见长，其《历代帝王图》描绘了由汉至隋间十三个帝王的肖像，《步辇图》中表现的是唐太宗接见吐蕃王松赞干布派来迎接文成公主的使臣禄东赞的情景。吴道子是盛唐最杰出的画家，被后人尊称为“画圣”，他将狂草的用笔糅合到人物画像中，并创造了“兰叶描”的线型，因其所绘人物的衣袖、飘带有迎风起舞的动态，故有“吴带当风”之名，现有《送子天王图》（宋代摹本）为后人观瞻。善画“绮罗人物”的张萱和周畴分别有《虢国夫人游春图》和《簪花仕女图》等作品展现当时贵族生活的场景。山水画在唐代获得了独立地位，并形成两大体系：一是以李思训、李昭道父子为代表的“金碧山水”，他们喜用强烈明快的色彩，创造了一整套青绿着色的方法，画面金碧辉煌；二是以王维为代表的“水墨山水”，他不用色彩，将恬静淡泊的诗意展现在画面上，用墨的浓淡自现山水的神韵，苏轼称其画为“画中有诗”，余味无穷。此外，唐代还有鞍马画家曹霸、韩干，画牛羊的韩混，画花鸟鹤鹰的冯绍正、姜皎、刁光胤等人。敦煌壁画在此时亦发展到极盛，人物造型、布局技巧、设色敷彩都达到了空前的水平。
五代十国时，社会虽再度进入裂变，但绘画创作取得的成就却熠耀辉煌，无论是人物、山水还是花鸟，都在前代基础上展现了新的面貌。人物画将宗教神话、历史故事、贵族生活、乡土民风都作为表现对象，出现了周文矩、顾闳中、贯休、石恪等一批名家。其中顾闳中的《韩熙载夜宴图》，人物造型清秀隽美，线条流利圆劲，色彩布施浓丽，竟以孤幅横绝于五代。山水画在这一时期分化为南北两支。北方山水画以荆浩为代表，他的画囊括唐人用笔用墨的经验，以全景式布局表现北方雄浑瑰丽的山河，《匡庐图》即为其传世名作。与荆浩齐名的北方山水画家关仝，早年师法荆浩，后形成笔简景少却气壮意长的画风，其流传后世的作品有《山溪待渡图》《关山行旅图》等。江南山水画则以董源和巨然为代表。他们运用披麻皴法与苔点相结合的画法表现平淡天真的江南秀色、风雨明晦的自然变幻，代表作品分别有《夏山图》和《秋山问道图》。五代时，花鸟画进人成熟阶段，出现了以西蜀黄筌、黄居寀父子为代表的“黄家富贵”一派，和以江南徐熙为代表的“徐家野逸”一派，他们在题材、风格和审美情趣上存在差异，形成了“黄徐异体”的局面，对后世画坛的影响经久不衰。此外，画院在此时期的创立，为画家开辟了新的出路，这在一定程度上开始左右民间绘画的观念与风尚。
北宋建朝之初即上承五代旧制，在宫廷内设立“翰林书画院”，并正式将画学列入科举之中，徽宗、高宗时期，宫廷画达到鼎盛。宋徽宗赵佶虽身为帝王，但善工书画，他的《芙蓉锦鸡图》线条优美，色彩艳丽，是宫廷画的经典之作。随着宋代城市经济的发展和市民创作的兴盛，描绘社会生活的风俗画颇受画家青睐，举世闻名的张择端《清明上河图》即创作于此时，此外还有李唐的《村医图》、李嵩的《货郎图》等名作出现。宋代大画家李公麟善画人物，能以单纯朴素的白描形式，精准地表现人物面貌、性格、地域、阶层等特征，现存作品有《维摩居士像》《莲社图》和《免胄图》等。后来的苏汉臣、梁楷也是著名的人物画家，其中梁楷善画减笔人物，为中国人物画的创作开辟了一条新路。宋代山水画名家辈出，画家们继承前代传统，在对自然细微的观察与体验中，运用不同的笔法表现相异的山石树木。李成的寒林平远、范宽的峰峦浑厚、许道宁的林木野水、郭熙的青霭云霞各表千秋，令人赞叹。李唐、刘松年、马远、夏圭被称为“南宋四家”，其中马、夏二人善于利用画面空白表达画外之旨。马远的画集中于一角，夏圭的画集中在半边，于是有“马一角”“夏半边”之称。在花鸟画方面，宋代还兴起了以梅、兰、竹、菊为代表的“四君子画”，表现文人的节操与雅趣，成为文人画的固定题材。
……
前言/序言
用户评价
这本书真是出乎我的意料，完全不是我想象中的样子，但又在某种程度上，给了我一种全新的艺术启迪。起初，我怀揣着对中国传统名画的某种憧憬，或许是想看到那些工笔细致、色彩绚丽的仕女图，或者是大气磅礴、意境深远的山水画，甚至可能是笔墨酣畅、神韵十足的写意花鸟。我以为它会像一本图册，精选各个朝代的代表作，配上简短的赏析文字，让我能快速浏览，一览中国绘画的精华。然而，当我翻开第一页，扑面而来的并非是预期的画面，而是一种更为宏观，甚至可以说是“解构”式的探讨。 它并没有直接展示那些被我们奉为经典的作品，而是从更深层次的维度，去剖析“名画”本身是如何形成的，以及我们作为观者，是如何去“赏”的。书里的大部分篇幅，都在探讨一种“观看之道”，它质疑了我们习惯性的、碎片化的审美体验，提出了一种更加沉浸式、更具批判性的解读方式。比如，它会分析一幅画的构图，但不是简单地说“这里用了S形构图”，而是深入探讨这个构图如何引导观者的视线，如何营造空间感，甚至如何影响观者的情绪。它还会研究笔墨的运用，不是简单地赞美“笔力雄健”，而是分析线条的力度、速度、干湿浓淡如何传递出创作者的情感和精神。 更让我感到惊喜的是，这本书并没有止步于形式的分析，而是将艺术与历史、哲学、社会文化紧密地联系在一起。它会追溯一幅画的创作背景，探讨当时社会的政治气候、文人阶层的审美趣味，甚至宗教信仰对绘画主题和风格的影响。它甚至会讨论，在漫长的历史进程中，哪些画作又是如何被“赋予”了“名画”的地位，其中是否存在某种评价体系的演变，甚至是时代的误读。这种跨学科的视角，让原本可能有些枯燥的艺术史讲解，变得生动有趣，也让我对那些熟悉的画作，有了完全不同的理解。 我一直以为，欣赏名画就是看懂画了什么，然后被它的美所打动。但这本书让我明白，真正的“赏画”，远不止于此。它需要我们具备一种“解读”的能力，需要我们去理解艺术家在创作时所面临的限制与自由，去体会他笔墨下流淌的情感，去感受画面所承载的时代信息。书中关于“留白”的论述，更是让我醍醐灌顶。我之前总觉得留白是为了省颜料，或者为了画面干净，但作者却阐述了留白在中国画中是如何成为一种重要的表达方式，它不仅是空间，更是一种意境，一种哲学，一种邀请观者参与想象的留白。 这本书并没有像我期待的那样，直接给我展示一幅幅精美的画作，并附上标准答案式的解读。相反，它更像是一本“工具书”，或者说是一本“思维训练手册”，教会我如何自己去“看”画，去“赏”画。它提供了一套全新的视角和方法论，让我能够带着这些工具，去主动地探索和理解那些我原本可能只是“看个热闹”的艺术品。读完这本书，我再去看那些中国名画，感觉完全不一样了。我不再是被动地接受，而是主动地去提问，去挖掘，去感受。 我甚至开始怀疑，我们过去对许多中国名画的认知，是否都被某种约定俗成的解读所框定了。这本书就像一把钥匙，打开了我对艺术理解的另一扇门。它没有给我现成的答案，而是激发了我对未知领域的好奇心。它鼓励我去质疑，去思考，去形成自己的判断。这种颠覆性的阅读体验，让我感到既兴奋又有些挑战。我需要重新学习如何去“看”，如何去“评价”，如何去“欣赏”。 书中的某些章节，虽然没有直接展示绘画作品，但通过对某个时代绘画思潮的分析，或者对某位画家创作理念的剖析，却能让我对那些我未曾谋面的、或是只闻其名未见其画的作品，产生一种强烈的画面感和理解。它通过文字的力量，构建了一个个生动的艺术场景，让我仿佛置身其中，与古人一同感受那时代的笔墨风韵。这种“意念化”的观看方式，对于无法亲临博物馆、无法接触原作的读者来说，更是一种宝贵的体验。 这本书让我深刻体会到，艺术欣赏并非仅仅是感官上的愉悦，而更多的是一种智力与情感的互动。它需要观者具备一定的知识储备，更需要观者拥有一颗开放而敏锐的心。作者在书中提出的那些关于“意境”、“气韵”、“神形”等概念的解读，并非空泛的理论，而是与具体的绘画实践紧密相连，让人能够从中体会到中国艺术独有的东方哲学和美学追求。 我甚至觉得，这本书更像是一本关于“如何成为一个合格的艺术鉴赏者”的入门读物。它没有直接将“答案”摆在你的面前，而是引导你去思考“问题”的所在，并提供探索答案的路径。对于我这样的普通读者来说，这比直接灌输知识要来得更为重要和持久。它让我认识到，欣赏艺术是一个持续学习和探索的过程，而不是一蹴而就的事情。 我必须要承认，一开始我对这本书的期望值不高，以为就是一本泛泛而谈的中国名画介绍。但是，当我真正投入其中，去理解作者想要传达的理念时，我才发现自己对艺术的认知被大大拓宽了。它并不是简单地罗列事实，而是试图去重塑你的观看方式，去激发你内心的共鸣。这是一种深刻的、带有启发性的阅读体验，让我对中国艺术的理解，上升到了一个全新的高度，虽然我还没有能直接对照着书中的方法去“看”那些名画，但我的脑海中已经构建了一套全新的“观看”框架。
评分这真的是一本让我脑洞大开的书，完全打乱了我之前对中国名画的固有印象。我原本以为，这本书会像一本精美的画册，里面罗列着一幅幅大家耳熟能详的名画，配上简洁的文字介绍，告诉我这幅画的作者是谁，创作于哪个朝代，又有什么特别之处。我期待着看到那些温婉的仕女图，雄浑的山水画，或是意趣盎然的花鸟画，然后跟着文字的引导，去欣赏它们精妙的构图和细腻的笔触。 然而，当我翻开这本书，才发现它根本就不是我之前设想的那样。它没有直接展示那些“名画”，而是将重点放在了“如何去理解”这些名画，甚至是如何“构建”名画。作者并没有给我现成的答案，而是提供了一种全新的视角，让我去审视我们是如何去看待艺术的。书中花了大量的篇幅去探讨“观看”本身，包括我们的视角，我们的文化背景，我们所处的时代，甚至是我们的情绪，是如何影响我们对一幅画的理解。 令我印象最深刻的是，它并没有把“名画”当成是固定不变的、完美的艺术品，而是将其置于一个动态的历史和社会语境中去审视。它会分析为什么某幅画会被认为是“名画”，这种评价体系是如何形成的，以及在漫长的岁月中，一幅画的价值和意义是如何被不断地重新解读和定义的。它甚至会探讨，在信息爆炸的今天，我们如何才能真正沉下心来，去体会一幅画的内涵，而不是被各种碎片化的信息所干扰。 这本书也让我开始反思，我以前是如何欣赏中国画的。我是否只是停留在表面，欣赏它的色彩和构图，而忽略了更深层次的东西？作者在书中提出的那些关于“气韵生动”、“意在笔先”、“留白之妙”等概念的解读，都不是简单地解释，而是通过深入的论证和举例，让我看到了中国画背后蕴含的哲学思想和东方智慧。我以前对这些概念只是模糊的认知，现在却有了更清晰的理解。 让我感到非常有趣的是，这本书并没有直接展示那些“名画”，而是通过对绘画技法、创作理念、历史背景的详细剖析，让我仿佛置身于创作的现场，去感受艺术家的心路历程。它用一种非常具象化的语言，去描述那些抽象的艺术理念，让我能够通过文字，在脑海中勾勒出那些画作的形象，甚至能体会到画家下笔时的情感。 它也让我意识到，艺术欣赏是一个主动参与的过程，而不是被动接受的过程。我不能仅仅满足于“看懂”画了什么，而是要主动地去思考，去提问，去感受。这本书就像一位循循善诱的老师，它没有直接告诉我答案，而是引导我去探索，去发现，去形成自己的理解。 我甚至觉得，这本书更像是为我们打开了一扇通往中国艺术深层理解的大门，它让我们看到了“名画”之外的东西，看到了艺术创作背后更为广阔的维度。虽然我还没有能够立即对照着书中的方法去欣赏具体的画作，但我的内心已经有了一种全新的“观看”姿态，一种更加开放、更加批判、也更加充满好奇的姿态。 这本书的写作风格也非常独特，它不是那种枯燥的学术论文，也不是那种轻松的科普读物，而是介于两者之间，既有深度又不失趣味。作者的语言充满张力，善于运用比喻和类比，将复杂的艺术概念讲解得通俗易懂。让我觉得，读这本书就像在和一个非常博学的朋友聊天，他会分享给你很多有趣的观点，也会激发你对很多问题的思考。 总而言之，这是一本让我感到惊喜又有所启发的书。它并没有给我我所期待的“名画图集”，而是给了我更宝贵的东西——一种全新的艺术观，一种更深入的理解中国艺术的方法。我迫不及待地想用这种新的视角，去重新审视那些我曾经熟悉的中国名画，去发现它们更多不为人知的魅力。
评分说实话，我拿到这本书的时候，心里还是有些忐忑的。因为“名画”这两个字，总让人觉得它会是那种厚重、严肃、需要专业知识才能读懂的书。我一直以来对中国画的认识，都停留在一些教科书上的片段，知道一些朝代有代表性的画家和作品，但具体到每一幅画的精髓，却总是难以领会。我期待的是一本能够让我快速入门，并且能让我了解到更多关于中国名画知识的书。 然而，这本书从一开始就给了我一个大大的“惊喜”，当然，这个惊喜是好是坏，我还需要慢慢体会。它并没有像我想象的那样，一上来就展示一幅幅精美的画作，配上作者、朝代、背景等等标准信息。相反，它开始探讨的是一种“看”的方式，一种“理解”的哲学。它提出了很多让我感到困惑，但又忍不住想继续读下去的问题，比如：我们为什么要看画？我们怎么才能真正地“看”懂一幅画？“名画”这个概念本身，又是如何被建构起来的？ 我花了相当多的时间，去理解作者关于“观看”的理论。它并不是简单地告诉你，要仔细观察画面的细节，或者要记住画家的名字。而是去剖析我们作为观者，在观看过程中所扮演的角色，以及我们的主观能动性是如何影响我们对艺术的理解的。它甚至探讨了，在互联网时代，碎片化的信息如何让我们越来越难以沉下心来，去真正地体会一幅画的深层含义。 让我感到非常震撼的是，书中对于“名画”的定义和评价体系的探讨。它并没有将某些画作奉为神明，而是将其置于历史和文化的语境中，去分析它们是如何一步步成为“名画”的。它会追溯艺术史的发展，探讨不同时代人们的审美趣味是如何演变的，以及这些演变如何影响了对绘画作品的评价。这种批判性的视角，让我对许多我一直以来视为“经典”的作品，产生了新的思考。 这本书也没有给我提供“标准答案”。它没有告诉我，这幅画的构图有多么精妙，这笔墨有多么传神。而是引导我去思考，为什么我们会认为它精妙，为什么我们会认为它传神。它鼓励我主动去发掘画面的细节，去体会创作者的情感，去感受画面所传达的意境。这种“授之以渔”的方式，让我感到非常受益。 它就像是一位老朋友，在和我分享他对艺术的深刻见解，而不是一位老师在给我上课。作者的语言充满智慧，善于运用生动的比喻，将一些抽象的艺术概念讲得非常形象。我常常在阅读的过程中，会因为某个观点而产生共鸣，或者因为某个比喻而恍然大悟。 我甚至开始觉得，这本书不仅仅是关于中国名画的，它更是一本关于如何欣赏艺术，如何理解艺术的书。它教会我用一种更开放、更包容、也更具批判性的眼光，去审视我所接触到的艺术作品。虽然我还没有能够直接对照着书中的方法去欣赏具体的画作，但我相信，在我未来的艺术欣赏过程中，这本书一定会给我带来巨大的启发。 我非常欣赏作者的勇气，敢于挑战一些传统的观念，敢于提出一些与众不同的观点。它让我意识到，艺术欣赏是一个不断探索和发现的过程，而不是一个固定的模式。这本书，无疑是我在这条探索之路上的一个重要的里程碑。
评分我一直以来都对中国的传统绘画充满了好奇，尤其是那些被誉为“名画”的作品，总觉得它们背后隐藏着我们难以触及的深厚文化和艺术智慧。于是，当我看到这本书时，我立刻被它所吸引。我期待着它能像一本精美的画册，里面收录着历代的名家名作，并附带详细的赏析和解读，让我能够一站式地了解中国绘画的辉煌。 然而，当我打开这本书，却发现它并没有如我所愿地直接展示一幅幅画作。相反，它以一种非常独特的方式切入，将重点放在了“如何去理解”中国画，甚至是如何“建构”我们对中国画的认知。它并没有给我一个现成的、标准的答案，而是提出了一系列关于“观看”、“解读”和“评价”艺术的问题，引导我去思考。 令我印象深刻的是，书中对于“名画”这个概念的解构。它并没有将某些作品奉为圭臬，而是将其置于历史、社会和文化的宏大背景下，去分析它们是如何被赋予“名画”地位的。作者探讨了评价体系的演变，以及时代审美趣味的变化如何影响了我们对艺术的判断。这种批判性的视角，让我对一些我一直以来视为“理所当然”的经典，产生了新的思考。 我也被书中关于“观看之道”的论述所深深吸引。它并非简单地讲解构图、色彩等技法，而是深入剖析了观者在欣赏艺术品时所扮演的角色，以及我们的主观经验、文化背景如何塑造了我们的理解。作者鼓励我去主动地去感受，去提问，去与画面进行对话，而不是被动地接受信息。 让我感到惊喜的是，尽管书中没有直接展示大量的画作，但它却能够通过对绘画理论、创作理念以及历史背景的深入剖析，在我的脑海中构建出一幅幅生动的画面。作者运用了非常形象的语言，将抽象的艺术概念具象化，让我仿佛置身于创作的现场，能够体会到艺术家下笔时的心境和情感。 这本书也让我重新审视了自己对中国画的理解。我意识到，我以前的欣赏方式可能过于肤浅，仅仅停留在表面的美感。而这本书则引导我去深入挖掘作品背后的文化内涵、哲学思想以及时代精神。它让我明白，艺术欣赏不仅仅是视觉的愉悦，更是一种智力与情感的深度互动。 我特别欣赏作者在书中对于“意境”、“气韵”等中国画特有美学范畴的阐释。他并没有简单地给出定义，而是通过多角度的分析，让我真正理解了这些概念在中国画中的重要性，以及它们是如何通过笔墨和构图得以体现的。 总而言之，这本书虽然没有给我一份“中国名画图鉴”，但它却给了我更宝贵的东西——一种全新的艺术观，一种更深入的理解中国艺术的方法。它让我明白，欣赏艺术是一个持续学习和探索的过程，而这本书，无疑是我在这条探索之路上的一盏明灯，照亮了我前进的方向。
评分我一直对中国的传统艺术怀有深深的敬意，尤其是那些被历代文人墨客所传颂的名画，总觉得它们承载着中华民族的文化根脉和审美情趣。因此，当我在书店看到这本书时，便毫不犹豫地买了下来，满心期待着它能带我走进一个璀璨的艺术殿堂。我希望它能是一本集大成的著作，收录最经典的中国名画，并配以深入浅出的讲解，让我能够快速地领略它们的风采。 然而，这本书的开篇却给了我一个不小的“意外”。它并没有直接呈现那些我们耳熟能详的画作，而是像一位哲学大家，开始探讨“艺术是如何被看见的”这个根本性的问题。它提出的那些关于“观看”的理论，着实让我大开眼界。它不只是告诉我如何去观察细节，而是让我去反思，我们是如何被我们的眼睛、我们的经验、我们的文化所塑造，从而影响了我们对艺术的理解。 让我感到格外着迷的是，书中对于“名画”的定义和评价体系的深入剖析。作者并没有简单地将某些作品奉为至宝，而是将其置于一个动态的历史和社会语境中，去追溯它们是如何被“制造”出来的。它探讨了不同时代人们的审美趣味是如何演变的，以及这些演变如何影响了对艺术作品的评价。这种批判性的视角，让我对一些我一直以来奉为经典的画作，产生了全新的审视。 书中花了大量的篇幅去讨论“意境”和“留白”这些中国画特有的美学概念。它并没有枯燥地进行理论阐述，而是通过生动的比喻和类比，让我深刻地理解了这些概念在画面中的作用。我仿佛看到了画家是如何通过寥寥几笔，便营造出万千气象，又或是如何通过看似“空无”的留白，来引导观者进入一个更为广阔的想象空间。 更令我惊喜的是，这本书虽然没有直接展示大量的画作，但它却能够通过对绘画技法、创作理念以及历史背景的深入解读，在我脑海中构建出一幅幅生动的画面。作者的文字极富感染力，他能够将抽象的艺术理念，通过具象化的描述，变得触手可及。我仿佛能够听到古人笔墨挥洒的声音，感受到他们创作时的心绪。 这本书也让我意识到，艺术欣赏并非是一个单向的接收过程，而是一个双向的互动。它需要观者主动地去思考，去提问，去与画面产生共鸣。作者鼓励我带着批判性的眼光去审视艺术，去形成自己的独立判断，而不是盲目地接受所谓的“经典”。 我必须承认，在读这本书的过程中，我时常会感到一种“颠覆”。它打破了我以往对中国画的许多固有认知，但也正是这种颠覆，让我看到了艺术更深层次的魅力。它不仅仅是美的呈现，更是思想的交流，是文化的传承。 总而言之，这本书虽然没有如我最初期待的那样，是一本“名画图集”，但它却给了我更宝贵的东西——一种全新的艺术观，一种理解和欣赏中国画的深度方法。它就像一位睿智的长者，引导我用更广阔的视野和更深刻的洞察力，去感受中华艺术的博大精深。
评分我一直对中国的传统艺术有着浓厚的兴趣，尤其是一些历史悠久的名画，总觉得它们是连接过去与现在的桥梁，承载着中华民族的文化精髓。于是，当我看到这本书的时候，我毫不犹豫地将其收入囊中，我期待着它能带我走进一个中国名画的世界，让我能够饱览那些历代名家的杰作，并对它们的艺术价值有更深入的了解。我设想的这本书，应该是一本集图画与赏析于一体的著作，能够满足我对中国画的求知欲。 然而，这本书的打开方式，却大大出乎我的意料。它并没有像我预期的那样，一上来就展示一幅幅精美的画作，并附上详细的图文介绍。相反，它开始探讨的是一种“观看”艺术的哲学，一种“解读”画作的方法。它提出了许多让我感到新颖，但又忍不住想要深入思考的问题，比如：我们为什么要看画？我们如何才能真正地“看懂”一幅画？“名画”这个概念本身，又是如何被历史和文化所塑造的？ 令我印象最为深刻的是，书中对于“名画”的定义和评价体系的解构。作者并没有将某些作品视为神圣不可侵犯的经典，而是将其置于一个更为广阔的历史和社会语境中进行审视。他探讨了评价体系是如何随着时代的发展而变化的，以及人们的审美趣味是如何影响了对绘画作品的判断。这种批判性的视角，让我对许多一直以来被奉为圭臬的艺术品，产生了全新的思考。 书中关于“意境”和“气韵”这些中国画特有的美学概念的解读，也让我受益匪浅。作者并没有简单地进行理论上的定义，而是通过生动的比喻和生动的案例，让我深刻地理解了这些概念在中国画中的重要性，以及它们是如何通过笔墨和构图得以体现的。我仿佛能够“看见”那些虚无缥缈的意境，感受到画家笔下流淌的生命力。 让我感到惊喜的是，尽管书中没有直接展示大量的画作，但它却能够通过对绘画技法、创作理念以及历史背景的深入剖析，在我脑海中构建出一幅幅生动的画面。作者的文字非常有力量，他能够将抽象的艺术理念，通过具象化的描述，变得触手可及。我仿佛能够感受到古人创作时的心绪，体会到他们笔墨下的情感。 这本书也让我意识到，艺术欣赏是一个主动参与的过程，而不是一个被动的接受。它鼓励我带着批判性的眼光去审视艺术，去提问，去寻找属于自己的答案。它就像一位循循善诱的老师，在引导我去探索艺术的奥秘，而不是直接将知识灌输给我。 总而言之，这本书虽然没有如我最初期待的那样，是一本“名画图鉴”，但它却给了我更宝贵的东西——一种全新的艺术观，一种理解和欣赏中国画的深度方法。它让我明白，欣赏艺术是一个持续学习和探索的过程，而这本书，无疑是我在这条探索之路上的一盏明灯，照亮了我前进的方向。
评分我一直以来都对中国的传统艺术有着浓厚的兴趣，尤其是那些被誉为“名画”的作品，总觉得它们是连接过去与现在的桥梁，承载着中华民族的文化精髓。于是，当我看到这本书的时候，我毫不犹豫地将其收入囊中，我期待着它能带我走进一个中国名画的世界，让我能够饱览那些历代名家的杰作，并对它们的艺术价值有更深入的了解。我设想的这本书，应该是一本集图画与赏析于一体的著作，能够满足我对中国画的求知欲。 然而，这本书的打开方式，却大大出乎我的意料。它并没有像我预期的那样，一上来就展示一幅幅精美的画作，并附上详细的图文介绍。相反，它开始探讨的是一种“观看”艺术的哲学，一种“解读”画作的方法。它提出了许多让我感到新颖，但又忍不住想要深入思考的问题，比如：我们为什么要看画？我们如何才能真正地“看懂”一幅画？“名画”这个概念本身，又是如何被历史和文化所塑造的？ 令我印象最为深刻的是，书中对于“名画”的定义和评价体系的解构。作者并没有将某些作品视为神圣不可侵犯的经典，而是将其置于一个更为广阔的历史和社会语境中进行审视。他探讨了评价体系是如何随着时代的发展而变化的，以及人们的审美趣味是如何影响了对绘画作品的判断。这种批判性的视角，让我对许多一直以来被奉为圭臬的艺术品，产生了全新的思考。 书中关于“意境”和“气韵”这些中国画特有的美学概念的解读，也让我受益匪浅。作者并没有简单地进行理论上的定义，而是通过生动的比喻和生动的案例，让我深刻地理解了这些概念在中国画中的重要性，以及它们是如何通过笔墨和构图得以体现的。我仿佛能够“看见”那些虚无缥缈的意境，感受到画家笔下流淌的生命力。 让我感到惊喜的是，尽管书中没有直接展示大量的画作，但它却能够通过对绘画技法、创作理念以及历史背景的深入剖析，在我脑海中构建出一幅幅生动的画面。作者的文字非常有力量，他能够将抽象的艺术理念，通过具象化的描述，变得触手可及。我仿佛能够感受到古人创作时的心绪，体会到他们笔墨下的情感。 这本书也让我意识到，艺术欣赏是一个主动参与的过程，而不是一个被动的接受。它鼓励我带着批判性的眼光去审视艺术，去提问，去寻找属于自己的答案。它就像一位循循善诱的老师，在引导我去探索艺术的奥秘，而不是直接将知识灌输给我。 总而言之，这本书虽然没有如我最初期待的那样，是一本“名画图鉴”，但它却给了我更宝贵的东西——一种全新的艺术观，一种理解和欣赏中国画的深度方法。它让我明白，欣赏艺术是一个持续学习和探索的过程，而这本书，无疑是我在这条探索之路上的一盏明灯，照亮了我前进的方向。
评分我一直对中国传统名画情有独钟，那些穿越时空的画作，总是能激起我对历史和文化的无限遐想。于是，当我看到这本书时，我便毫不犹豫地将其买了下来，满心期待着它能为我打开一扇了解中国名画的大门，让我能够深入地欣赏那些传世之作的魅力。我渴望它能像一本详尽的指南，带领我领略不同朝代的绘画风格，认识杰出的画家，并理解他们作品背后的深刻内涵。 然而，这本书的开头，并没有如我所愿那样，直接呈现那些熟悉的画作。相反，它更像是一位哲学家，开始探讨“艺术是如何被我们看见的”这个根本性的问题。它提出了许多让我感到耳目一新，却又忍不住想要继续探究的观点。它并没有告诉我，这幅画有多么“好”，而是引导我去思考，我们是如何判断一幅画的“好”与“坏”，以及我们的评价标准又是由什么决定的。 让我最为着迷的是，书中对于“名画”这个概念的解构。作者并没有将某些作品神圣化，而是将其置于一个动态的历史和社会语境中进行审视。他探讨了评价体系是如何随着时代的发展而演变的，以及人们的审美趣味是如何影响了对绘画作品的判断。这种批判性的视角，让我对许多一直以来被视为“经典”的作品，产生了全新的思考。 书中对于“意境”和“气韵”这些中国画特有的美学概念的阐释，更是让我受益匪浅。作者并没有简单地进行理论上的定义，而是通过生动的比喻和形象的描绘，让我深刻地理解了这些概念在中国画中的重要性，以及它们是如何通过笔墨和构图得以体现的。我仿佛能够“看见”那些虚无缥缈的意境，感受到画家笔下流淌的生命力。 令我感到惊喜的是，尽管书中没有直接展示大量的画作，但它却能够通过对绘画技法、创作理念以及历史背景的深入剖析，在我脑海中构建出一幅幅生动的画面。作者的文字极富感染力，他能够将抽象的艺术理念，通过具象化的描述，变得触手可及。我仿佛能够感受到古人创作时的心绪，体会到他们笔墨下的情感。 这本书也让我意识到，艺术欣赏是一个主动参与的过程，而不是一个被动的接受。它鼓励我带着批判性的眼光去审视艺术，去提问，去寻找属于自己的答案。它就像一位循循善诱的老师，在引导我去探索艺术的奥秘，而不是直接将知识灌输给我。 总而言之，这本书虽然没有如我最初期待的那样，是一本“名画图鉴”，但它却给了我更宝贵的东西——一种全新的艺术观，一种理解和欣赏中国画的深度方法。它让我明白，欣赏艺术是一个持续学习和探索的过程，而这本书，无疑是我在这条探索之路上的一盏明灯，照亮了我前进的方向。
评分我一直以来都对中国的传统绘画充满了好奇，尤其是那些被誉为“名画”的作品，总觉得它们背后隐藏着我们难以触及的深厚文化和艺术智慧。于是，当我看到这本书的时候，我便毫不犹豫地买了下来，满心期待着它能带我走进一个璀璨的艺术殿堂。我希望它能是一本集大成的著作，收录最经典的中国名画，并配以深入浅出的讲解，让我能够快速地领略它们的风采。 然而，这本书的开篇却给了我一个大大的“意外”。它并没有像我预期的那样，一上来就展示一幅幅精美的画作，配上作者、朝代、背景等等标准信息。相反，它开始探讨的是一种“看”的方式，一种“理解”的哲学。它提出了很多让我感到困惑，但又忍不住想继续读下去的问题，比如：我们为什么要看画？我们怎么才能真正地“看”懂一幅画？“名画”这个概念本身，又是如何被建构起来的？ 我花了相当多的时间，去理解作者关于“观看”的理论。它并不是简单地告诉你，要仔细观察画面的细节，或者要记住画家的名字。而是去剖析我们作为观者，在观看过程中所扮演的角色，以及我们的主观能动性是如何影响我们对艺术的理解的。它甚至探讨了，在互联网时代，碎片化的信息如何让我们越来越难以沉下心来，去真正地体会一幅画的深层含义。 让我感到非常震撼的是，书中对于“名画”的定义和评价体系的探讨。它并没有将某些画作奉为神明，而是将其置于历史和文化的语境中，去分析它们是如何一步步成为“名画”的。它会追溯艺术史的发展，探讨不同时代人们的审美趣味是如何演变的，以及这些演变如何影响了对绘画作品的评价。这种批判性的视角，让我对许多我一直以来视为“经典”的作品，产生了新的思考。 这本书也没有给我提供“标准答案”。它没有告诉我，这幅画的构图有多么精妙，这笔墨有多么传神。而是引导我去思考，为什么我们会认为它精妙，为什么我们会认为它传神。它鼓励我主动去发掘画面的细节，去体会创作者的情感，去感受画面所传达的意境。这种“授之以渔”的方式，让我感到非常受益。 它就像一位老朋友，在和我分享他对艺术的深刻见解，而不是一位老师在给我上课。作者的语言充满智慧，善于运用生动的比喻，将一些抽象的艺术概念讲得非常形象。我常常在阅读的过程中，会因为某个观点而产生共鸣，或者因为某个比喻而恍然大悟。 我甚至开始觉得，这本书不仅仅是关于中国名画的，它更是一本关于如何欣赏艺术，如何理解艺术的书。它教会我用一种更开放、更包容、也更具批判性的眼光，去审视我所接触到的艺术作品。虽然我还没有能够立即对照着书中的方法去欣赏具体的画作，但我相信，在我未来的艺术欣赏过程中，这本书一定会给我带来巨大的启发。
评分我一直以来都对中国的传统艺术有着很深的感情，尤其是那些流传千古的名画，总觉得它们不仅仅是画面，更是历史的见证，是文化的载体。因此，当我在书店看到这本书时，我便毫不犹豫地将其购入，我期待着它能为我打开一扇了解中国名画的窗户，让我能够深入地欣赏那些传世之作的魅力。我希望它能像一本详尽的指南，带领我领略不同朝代的绘画风格，认识杰出的画家，并理解他们作品背后的深刻内涵。 然而，这本书的开篇，并没有如我所愿地直接展示那些我们熟悉的名画。相反，它更像是一位经验丰富的导游，开始向我讲解“如何去欣赏”艺术，而不是直接带我去景点观光。它提出了许多让我感到新颖，但又忍不住想要深入思考的问题，比如：我们是如何看待艺术的？我们的眼睛在欣赏艺术时，是否真的发挥了它应有的作用？“名画”这个概念，又是如何被历史和文化所塑造出来的？ 让我最为着迷的是，书中对于“名画”的定义和评价体系的解构。作者并没有将某些作品视为理所当然的经典，而是将其置于一个动态的历史和社会语境中进行审视。他探讨了评价体系是如何随着时代的发展而演变的，以及人们的审美趣味是如何影响了对绘画作品的判断。这种批判性的视角，让我对许多一直以来被视为“经典”的作品，产生了全新的思考。 书中对于“意境”和“气韵”这些中国画特有的美学概念的阐释，更是让我受益匪浅。作者并没有简单地进行理论上的定义，而是通过生动的比喻和形象的描绘，让我深刻地理解了这些概念在中国画中的重要性，以及它们是如何通过笔墨和构图得以体现的。我仿佛能够“看见”那些虚无缥缈的意境，感受到画家笔下流淌的生命力。 令我感到惊喜的是，尽管书中没有直接展示大量的画作，但它却能够通过对绘画技法、创作理念以及历史背景的深入剖析，在我脑海中构建出一幅幅生动的画面。作者的文字极富感染力，他能够将抽象的艺术理念，通过具象化的描述，变得触手可及。我仿佛能够感受到古人创作时的心绪，体会到他们笔墨下的情感。 这本书也让我意识到，艺术欣赏是一个主动参与的过程，而不是一个被动的接受。它鼓励我带着批判性的眼光去审视艺术，去提问，去寻找属于自己的答案。它就像一位循循善诱的老师，在引导我去探索艺术的奥秘，而不是直接将知识灌输给我。 总而言之，这本书虽然没有如我最初期待的那样，是一本“名画图鉴”，但它却给了我更宝贵的东西——一种全新的艺术观，一种理解和欣赏中国画的深度方法。它让我明白，欣赏艺术是一个持续学习和探索的过程，而这本书，无疑是我在这条探索之路上的一盏明灯，照亮了我前进的方向。
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