动漫设计通关 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

樊燕 著

图书标签:

• 动漫设计
• 动漫绘画
• 漫画技法
• 角色设计
• 场景设计
• 插画
• 设计教程
• 绘画技巧
• 动漫入门
• 艺术设计

店铺： 百图书苑图书专营店

出版社： 湖北美术出版社

ISBN：9787539437507

商品编码：30100767653

包装：平装

出版时间：2010-10-01

基本信息

书名：动漫设计通关

：35.00元

作者：樊燕

出版社：湖北美术出版社

出版日期：2010-10-01

ISBN：9787539437507

字数：

页码：

版次：5

装帧：平装

开本：12k

商品重量：0.4kg

编辑推荐

---

　　应试有法则 学习有诀窍
　　道出设计考题考察脉络
　　全方位透析得分要点难点
　　帮你找到拿高分的关键诀窍

内容提要

---

　　动漫设计可以快速掌握吗？学习动漫设计还有诀窍吗？任何学习都可以说是有许多捷径可走的，关键是要掌握正确的学习方法和诀窍。翻阅本书大约需要两个小时，但却可以让你的学习兴趣和备考信心发生翻天覆地的变化。本书总结的几十种快速提高动漫设计能力的具体诀窍和多种备考与应试法则，都是短期内有效提高成绩的方法，能让你快速理清备考思路，找出问题的关键，从成功的经验中获益，使你走向成功的捷径。坐下来，一页一页地阅读本书。如果你能切实遵循书中的方法去做，你会发现：你在一天天地进步！

目录

---

作者介绍

---

文摘

---

序言

---

《光影流转：探索视觉叙事的艺术》 书籍简介 在这个信息爆炸、视觉信息占据主导地位的时代，如何有效地捕捉、传达和影响人心，成为一门至关重要的技能。本书《光影流转：探索视觉叙事的艺术》并非一本关于特定媒介（如图形设计、动画制作或插画技法）的工具手册，而是一部深入剖析视觉语言核心原理与叙事结构精妙的理论与实践结合之作。它旨在提升读者的“视觉素养”，让每一位创作者，无论最终作品是电影剧本、品牌标识、装置艺术还是交互界面，都能在创作过程中，将“看”转化为“思考”，将“图像”转化为“信息流”。 本书的构建逻辑是循序渐进的，从最基础的感知科学出发，逐步深入到复杂的文化语境与情感共鸣机制，最终落脚于如何系统地构建一个具有穿透力的视觉故事。 第一部分：感知的基础与视觉的语法 本部分着重于人类如何处理视觉信息，这是构建一切有效视觉传达的基石。我们探讨的不是如何使用软件工具，而是大脑本身如何工作。 第一章：视觉的生物学与心理学 本章首先回顾了格式塔（Gestalt）心理学的核心原则——完形、接近性、相似性、连续性——这些原则构成了我们组织混乱世界的基本框架。我们详细分析了“感知负荷”的概念，即在信息过载时，大脑倾向于选择最简单、最直接的路径进行理解。书中会配有大量跨越不同历史时期和文化背景的案例，展示这些底层规则的普遍性和可操纵性。例如，通过对比文艺复兴时期的透视法与现代摄影中的景深运用，揭示空间感的构建如何影响观众对作品主体的重视程度。 第二章：色彩的意义系统：从物理到文化 色彩不仅仅是波长，它是一个复杂的符号系统。本章超越了传统的色轮理论，深入挖掘了色彩在不同文化中的象征意义（例如，在东方文化中“红色”与“吉利”的关系，与西方文化中“红色”与“危险/激情”的关联）。我们重点分析了“色彩对比度”在引导观众视线和建立视觉层次中的关键作用，以及如何利用色彩的饱和度、明度和色相来精确调控作品的情绪基调。 第三章：光线与阴影的雕塑术 光线是视觉叙事中最强大的、但往往被低估的元素。本部分将光线视为一种“物质”，而非单纯的照明。我们分析了伦勃朗光、蝴蝶光等经典布光方式的心理暗示。更重要的是，我们讨论了“阴影”的叙事功能——阴影如何隐藏信息、制造悬念，或界定角色与环境的关系。书中探讨了数字时代中，如何模拟真实世界中光的物理特性（如散射、折射）来增强作品的沉浸感。 第二部分：结构、节奏与空间叙事 成功的视觉作品必然具有内在的结构逻辑。本部分将焦点从单个元素转移到元素之间的关系，以及它们如何共同构建一个动态的体验。 第四章：构图的动态平衡与张力 本书系统性地阐述了“黄金分割”、“三分法”以及“对角线引导”等经典构图法则，但重点在于理解它们背后的“不平衡性”如何产生张力。我们研究了如何通过故意打破这些平衡来制造不安或聚焦感。一个核心概念是“视觉重量”，即画面中不同元素对观众注意力的争夺。我们将构图视为一种无声的辩论。 第五章：时间感与视觉节奏 视觉叙事往往需要跨越时间。本章探讨了如何通过视觉元素的重复、变化和间隔，来控制观众感知到的时间流速。在静态图像中，节奏是通过重复出现的形状或纹理来实现的；在动态媒介中，节奏则与镜头切换、运动速度和场景转换的频率紧密相关。我们分析了蒙太奇理论，如何通过快速剪辑来压缩时间，或通过长镜头来拉伸瞬间。 第六章：符号学与隐喻：意义的叠加 视觉作品的深度往往来源于其承载的隐喻。本章深入符号学领域，区分了“指示性符号”（直接指向事物）和“象征性符号”（基于文化约定）。我们探讨了如何巧妙地植入具有多重解读可能性的意象（例如，水、镜子、迷宫），让观众在潜意识层面与作品建立更深层次的联系。 第三部分：情境构建与观众共情 最终，视觉叙事的目标是影响观众的情感和认知。本部分关注于如何将技术和结构转化为真正动人的体验。 第七章：角色的“在场”与环境的互动 角色并非孤立存在，他们的特质通过他们所处的环境被强化。本章研究了环境设计（无论是建筑、服装还是自然景观）如何作为角色的延伸和心理投射。我们关注“微环境”的细节——比如一个凌乱的书桌或一个光秃的房间——如何比直接的对话更能揭示角色的内在冲突和状态。 第八章：叙事弧线与情感的驱动 本章侧重于如何设计一个视觉叙事弧线，即使作品是完全抽象的。我们借鉴了经典的故事结构理论，将其转化为视觉元素的排列：如何通过初始的平稳、冲突的激化、到最终的解决（或无解）来组织画面序列。我们探讨了“视觉高潮”的设计，即如何在一个瞬间将所有技术元素（光线、构图、色彩）集中爆发，以达成最强烈的情感冲击。 第九章：跨媒介的通用性与适应性 《光影流转》的结论部分强调了视觉叙事原理的普适性。我们通过对比分析平面广告、电影海报、网页布局和装置艺术，展示了即使媒介和技术发生了翻天覆地的变化，那些关于感知、结构和情感共鸣的底层规则依然稳固。本书鼓励创作者将自身视为一个“视觉翻译者”，学习如何将复杂的思想，精确而优雅地转译为人类可以“阅读”和“感受”的图像。 致读者： 本书不是教你如何“画得像”或“做得炫”，而是提供一套严谨的思维框架，让你能够系统地、有目的地去创造具有力量和持久生命力的视觉作品。掌握这些原理，你将不再是技术的奴隶，而是光影和意义的真正驾驭者。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是打开了我新世界的大门！我一直对动漫充满热情，但总觉得自己在创作上总缺点什么，特别是那种能让角色“活起来”的感觉。收到《动漫设计通关》后，我迫不及待地翻开，发现它并非那种枯燥的理论堆砌。作者用非常生动形象的语言，把复杂的动漫设计原理讲得明明白白。比如，在讲解人物比例时，我之前总是凭感觉，结果画出来的角色要么头重脚轻，要么四肢不协调。《动漫设计通关》里，作者详细分析了不同风格下角色的黄金比例，还提供了大量不同体型、不同年龄段的参考图，我简直像得到了秘籍一样，每次对照练习，都能明显感觉到自己角色的稳定性提升了不少。更让我惊喜的是，书中关于表情和动作的篇幅。我一直以为画好表情就是掌握几个基本点，但这本书让我认识到，细微的眼神变化、肌肉的 Subtle 牵动，才是塑造人物情感的关键。书中那些关于“微表情”的讲解，让我恍然大悟，原来一个角色内心的喜怒哀乐，可以通过如此细腻的设计来传达。我尝试着把这些技巧运用到自己的练习中，感觉角色真的有了生命力，不再是僵硬的摆设。这本书的排版也很舒服，图片清晰，讲解也很循序渐进，让我这个初学者也能轻松跟上节奏，每次阅读都觉得受益匪浅，迫不及待地想把学到的东西用到实践中。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始拿到《动漫设计通关》的时候，并没有抱太大的期待，毕竟市面上的教程琳琅满目，很多都大同小异。但当我真正沉下心来阅读后，才发现这本书的独特之处。它并没有一上来就讲那些高深的理论，而是从最基础的“观察”开始。作者强调，好的动漫设计，源于对现实世界的细致观察。这一点我之前完全忽略了，我总是想着怎么把想象中的东西画出来，却忘了最真实的素材就来自于生活。书中花了大量的篇幅引导我们如何去“看”，如何去分析不同物体的结构、光影、纹理，以及它们在运动中的变化。我试着按照书中的方法，去观察身边的人、动物，甚至是一片落叶，然后尝试用笔去捕捉它们的特点。这个过程虽然有些挑战，但确实让我对造型有了更深的理解。我发现，原来之前我画不好某些结构，是因为我根本就没有“理解”它，只是在“模仿”一个大概的轮廓。此外，书中关于“情绪氛围”的营造也给我留下了深刻的印象。它不光教你如何画出角色的表情，更重要的是，如何通过场景、色彩、光线的配合，来烘托出角色的内心世界，让观众在看到画面时，能够直接感受到角色所处的情境和情绪。这就像是在为角色配乐，让画面本身会“说话”。这本书教会了我，动漫设计不仅仅是技巧，更是一种对世界的感知和表达。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我是一名已经接触动漫设计一段时间的人，自认为已经掌握了一些基本功，所以当我拿到《动漫设计通关》时，更多的是想看看有没有什么“干货”能让我更上一层楼。而这本书，绝对超出了我的预期。它并没有停留在“入门”级别，而是深入到了很多我之前从未注意到的细节。比如，书中关于“动态表现”的讲解，简直是神来之笔。我之前画的动作总是显得有些“飘”，缺乏那种力量感和冲击力。作者通过分析大量经典动漫作品的动作镜头，拆解了每一个动作的关键受力点、身体的重心转移以及肌肉的拉伸和压缩。我尝试着将这些理论应用到我自己的创作中，特别是画一些战斗场景或者奔跑的动作时，感觉角色瞬间就有了爆发力，每个动作都充满了张力，不再是那种“软绵绵”的感觉。另外，关于“风格化”的处理，这本书也给出了非常实用的指导。作者并没有强制我们去模仿某种特定的风格，而是引导我们去理解不同风格的形成原因，以及如何通过线条、色彩、形状等元素来塑造独特的个人风格。我之前一直很迷茫，不知道自己的风格在哪里，这本书就像是一面镜子，让我看到了自己风格的可能性，也给了我探索的方向。这本书的价值在于，它能够帮助不同水平的设计师找到自己的瓶颈，并提供切实有效的解决方案，让你的设计能力真正“通关”。

评分☆☆☆☆☆

《动漫设计通关》这本书，给我的感觉就像是给我的创作“加了BUFF”。我一直对角色设计很感兴趣，特别是那种能够吸引人的、让人过目不忘的角色。但我自己画的角色，总觉得少了点“神韵”，设计也比较普通。《动漫设计通关》在这方面做得太棒了！它不仅仅是教你画出好看的五官，更是教你如何去“创造”一个有故事的角色。书中关于“世界观与角色设计”的关联性分析，让我眼前一亮。作者强调，一个角色的设计，应该与其所处的世界观紧密相连。比如，在一个奇幻世界里，角色的服装、配饰、甚至是体型，都应该能够反映出这个世界的设定。这一点我之前完全没有想到，我总是把角色设计和世界观设计割裂开来。通过学习，我才明白，一个成功的角色，应该是世界观的载体，能够让观众通过角色的设计，去感知和理解整个世界。此外，书中关于“道具设计”和“场景概念”的篇幅也让我受益匪浅。我之前总觉得这些是次要的，但这本书让我认识到，精心设计的道具和场景，能够极大地丰富角色的个性和故事性，让整个作品更加完整和有说服力。这本书让我明白，动漫设计是一个整体，每一个细节都至关重要，它帮助我打开了思维的边界，让我能够从一个更宏观的角度去审视和创作。

评分☆☆☆☆☆

这本《动漫设计通关》真的名副其实，简直就是我动漫设计生涯中的“攻略”。我之前一直觉得自己在掌握了基本的绘画技巧后，就可以随意发挥了，结果画出来的作品总是有各种各样的问题，要么构图不合理，要么色彩冲突，要么情感表达不到位。这本书就像是给我提供了一套严谨的“检查清单”，让我能够系统地审视自己的作品，并且知道问题出在哪里。比如，在“构图法则”这一章，我之前对黄金分割、三分法这些概念只是模糊的了解，这本书则用非常直观的图例，把我之前那些“随心所欲”的构图方式的弊端一一指出，并且给出了更具视觉吸引力的构图范例。我尝试着按照书中的方法去重新构图，发现画面立刻就变得有重点，有层次感了。更让我惊喜的是，书中关于“色彩心理学”的应用。我之前总是凭感觉选颜色，结果画出来的作品色彩杂乱，没有统一的风格。这本书则详细讲解了不同颜色所代表的情感含义，以及如何在动漫设计中运用色彩来传递情绪、塑造氛围。我试着运用这些理论去调整自己的色彩搭配，感觉作品的感染力瞬间提升了好几个档次。这本书就像一个经验丰富的导师，它不仅仅是传授知识，更重要的是，它教会了我如何去“思考”设计，如何去“分析”问题，从而不断提升自己的创作水平。