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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 安徽文艺出版社

ISBN：9787539640358

商品编码：29867532894

丛书名： 少儿电子琴演奏快速入门

开本：16开

出版时间：2012-01-01

电子琴教材曲谱系列 ¥30.6   ¥36.00   ¥35.7   ¥24.3   ¥27.9   ¥24.8   ¥19.9   ¥22.5

 

• 版 次：1
• 页 数：82
• 字 数：120000
• 印刷时间：2012-1-1
• 开 本：大16开
• 纸 张：胶版纸
• 印 次：1
• 包 装：平装

目录

概述
第-课
第二课
第三课
第四课
第五课
第六课
第七课
第八课
第九课
第十课
第十一课
第十二课
第十三课
中外乐曲弹奏

内容推荐

这本电子琴入门教程，难度控制在一个升降号之内。全书以课的形式呈现，从简单的基础知识教起，循序渐进地融入音乐常识和演奏知识，同时配以相应的练习乐曲，让学生既能掌握电子琴的演奏技巧，又能轻松地学习相关的乐理知识，从而一举两得。该书内容编排合理、巧妙，文字通俗易懂，适合初学者和业余爱好者使用。

 

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好的，这是一本关于古典音乐欣赏与历史的深度导览书籍的详细介绍： --- 《和声的彼岸：西方古典音乐百年流变与大师肖像》 一部跨越时空的音乐史诗，一次深入灵魂的艺术探索 书籍定位： 本书并非速成的技巧手册，而是为渴望全面理解西方古典音乐的爱好者、音乐专业学生，以及对艺术史有浓厚兴趣的读者精心撰写的深度导读。它旨在揭示音乐如何成为人类情感与时代精神的载体，而非仅仅是悦耳的音符组合。 核心内容概述： 《和声的彼岸》以其宏大的叙事结构和细腻的文本笔触，勾勒出自巴洛克初期至二十世纪中叶西方古典音乐的完整发展脉络。全书共分六个主要篇章，每一部分都精准地捕捉了特定历史阶段的音乐语言特征、社会背景以及关键人物的艺术贡献。 第一章：巴洛克的辉煌与理性——结构、情感与装饰的艺术（约1600-1750） 本章深入剖析了巴洛克时期音乐的基石——复调音乐（Polyphony）和固定低音（Basso Continuo）的构建原理。我们不再停留在对巴赫和亨德尔的肤浅赞美，而是详细解析了赋格（Fugue）的严谨逻辑，探究了协奏曲（Concerto Grosso）的张力与对比。 重点解析对象： 巴赫的“音乐金字塔”： 探讨《平均律钢琴曲集》在调性体系确立上的革命性意义，以及他晚期作品中对纯粹数学美学的追求。 歌剧的诞生与确立： 考察蒙特威尔第如何将戏剧冲突注入声乐，以及对“力度记号”（Dynamics）的早期运用对后世戏剧音乐的影响。 维瓦尔第的“四季”： 不仅是旋律的欣赏，更是对“标题音乐”在巴洛克时期萌芽状态的结构分析。 第二章：古典主义的黄金比例——清晰、平衡与普世的表达（约1730-1820） 古典主义是音乐史上一次向“自然”与“人本主义”的回归。本章详细阐述了奏鸣曲式（Sonata Form）如何成为这一时期音乐创作的核心驱动力，以及器乐合奏的地位如何超越了歌剧。 重点解析对象： 海顿：“交响乐之父”的贡献： 分析海顿如何将分散的乐章组织成统一的结构，以及他对弦乐四重奏的深刻发展，如何奠定了室内乐对话的基础。 莫扎特的“透明的深度”： 深入研究莫扎特在和声进行上的精妙，如何用最简洁的材料表达最复杂的人类情感，尤其关注其歌剧（如《费加罗的婚礼》）中对人物心理的刻画。 贝多芬的桥梁作用： 重点剖析贝多芬如何从海顿、莫扎特那里继承古典的严谨性，又如何通过扩大曲式、引入英雄主题和个人意志，为浪漫主义的爆发铺平了道路。 第三章：浪漫主义的激情与个体的颂歌（约1815-1910） 随着工业革命的推进和社会结构的剧变，音乐开始成为表达强烈主观情感、民族精神和超自然想象的最终场所。本章探讨了标题音乐的兴盛、管弦乐队规模的空前扩张以及“主导动机”技巧的成熟。 重点解析对象： 李斯特与“交响诗”： 解析李斯特如何通过音乐叙事，将文学、绘画转化为听觉体验，并研究其对钢琴技巧的极限挑战。 瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）： 对“主导动机”理论的深入剖析，以及和声语言如何被推向功能和声的边缘，预示了二十世纪的调性危机。 北欧与俄罗斯的民族主义浪潮： 考察德彪西（印象主义的先驱）如何通过音色和模糊的调性来描绘光影与氛围，以及柴可夫斯基、德沃夏克等作曲家如何将本土民间音乐元素融入宏大的交响结构中。 第四章：印象派与表现主义的决裂（约1890-1930） 这一时期是音乐史上最具颠覆性的变革阶段。本书详细梳理了作曲家如何对古典传统（尤其是功能和声）发起挑战。 重点解析对象： 德彪西的“听觉色彩学”： 分析全音阶、五声音阶及增和弦的使用，如何在不解决和弦冲突的前提下，创造出宁静、漂浮的听觉景观。 勋伯格的“十二音技法”： 详尽解释无调性（Atonality）的产生原因，以及十二音序列体系（Serialism）在打破传统等级结构方面的理论意义和实际操作方法。 斯特拉文斯基的原始主义： 以《春之祭》为例，分析其对节奏的极端强调，以及如何运用不和谐音和多调性来表达原始的生命力。 第五章：战后音乐的多元探索与实验（约1945-1970） 在两次世界大战的震撼之后，作曲家们探索了前所未有的音乐材料和表达方式。 重点解析对象： 序列主义的深化： 考察布列兹等作曲家如何将十二音技法扩展到力度、时值和演奏法上，追求全面的理性控制。 电子音乐的崛起： 介绍早期录音室技术（如磁带拼贴）在音乐创作中的应用，以及音乐与科技的初步融合。 机遇音乐（Aleatoric Music）： 详细解读约翰·凯奇（John Cage）关于“不确定性”和“偶然性”的哲学思考，以及《4分33秒》对“音乐”定义本身的颠覆。 第六章：二十世纪下半叶的回归与融合 本章探讨了对前卫实验的反思，以及新古典主义、极简主义（Minimalism）等思潮的出现。 重点解析对象： 极简主义的魅力： 分析菲利普·格拉斯、史蒂夫·赖克如何通过极简的材料、重复的结构和相位差（Phasing）来创造出冥想式的听觉体验。 新浪漫主义的温情： 介绍部分作曲家如何重新拥抱旋律和丰富和声，以应对现代主义的疏离感。 本书特色： 拒绝“作曲家传记集”模式： 本书的重点在于“音乐语言”的演变，而不是简单的生平叙述。每一位大师的出现，都服务于解释特定时代音乐语法如何发生变化。 理论与聆听的结合： 每章末尾附有“建议聆听清单”，并提供简要的“结构分析提示”，引导读者带着理解而非盲目接受的方式去欣赏作品。 深入的术语解析： 书中对奏鸣曲式、赋格、变奏、主导动机等核心音乐术语进行清晰的图解和溯源，帮助读者建立坚实的理论框架。 读者获益： 通过阅读《和声的彼岸》，读者将不再仅仅是“听到”古典音乐，而是能“读懂”它。您将能识别出巴赫赋格中的逻辑推演，感受贝多芬在奏鸣曲式中对主题的挣扎与胜利，理解德彪西如何用和声色彩“绘画”，从而将古典音乐的欣赏提升到一个全新的、富有洞察力的层次。这是一本让您的音乐耳朵学会思考的书。 ---

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是在网上看到很多关于“零基础学琴”的宣传被套路怕了，所以对这类教程抱着非常审慎的态度。但这本教材在内容逻辑上的严谨性，确实让我刮目相看。它不是那种东拼西凑、把各种五线谱和简谱混在一起让人眼花缭乱的“大杂烩”。它非常清晰地将电子琴的键盘布局、基础的指位预备动作，作为第一块基石来打牢。我特别欣赏其中关于“手型”的讲解部分，作者用了好几页的篇幅，通过不同角度的素描和照片，细致入微地展示了“拱形手型”的保持，这对于电子琴这种需要手指独立性的乐器来说，至关重要。很多成人教程都忽略了这点，导致后期肌肉僵硬。而这本书从一开始就强调正确的“放松和支撑”，这表明编者具有非常扎实的钢琴或键盘教学背景。后续的曲目选择也很有考量，都是那种旋律优美、和弦进行简单的入门级小品，确保孩子能迅速获得“演奏成功”的喜悦感，从而建立持续学习的内在驱动力。这种对学习心理的把握，远超出了普通“快成教材”的范畴。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的纸张质量和印刷工艺，给我的第一印象是非常好的，这对于一本需要频繁翻阅和使用的学习资料来说很重要。内页的纸张选择了哑光处理，即便是长时间在灯光下学习，也不会产生刺眼的眩光，这对保护孩子的视力是非常人性化的考量。排版上，重点内容，比如新的音符名称或新的节奏型，都会用不同颜色的方框或加粗字体突出显示，即使孩子阅读能力还不是特别强，也能迅速抓住学习的重点。我尤其欣赏它对“节奏符号”的解释方式——它不是死板地给出四分音符、八分音符的定义，而是用类似“跑步”和“小碎步”的比喻来描述它们在时间轴上的相对长度，这种具象化的教学法，让抽象的节奏感变得触手可及。这使得孩子在刚接触到节拍的概念时，不会感到困惑，而是能立刻在自己的身体上找到对应的感觉，这在儿童音乐教育中是至关重要的桥梁。总体来说，这本书在用户体验（UX）设计上，充分考虑到了目标读者——儿童及其家长的实际需求。

评分☆☆☆☆☆

以一个音乐科班出身的成年人的角度来看，这本书在“技巧深化”方面的设计略显保守，但这恰恰是它的优点所在，尤其对于目标群体是“少儿初学”而言。它没有急于引入复杂的琶音或分解和弦，而是花了大量篇幅巩固单音旋律的准确性与时值控制。例如，在练习一段简单的 C 大调音阶时，它会反复要求孩子注意“休止符”的长度，而不是仅仅关注“弹奏的音符”。这种对“沉默”和“间歇”的强调，是音乐表现力的核心基础，很多成人学习者都会忽视。另外，书中的练习曲目，虽然旋律简单，但它们在设计上巧妙地覆盖了所有常见的指位变化，使得孩子们在不知不觉中完成了手指的灵活性训练。它更像是一个耐心的老教师，不追求短期内的炫技，而是扎扎实实地为孩子打下一个坚实的“演奏肌肉记忆”。我敢肯定，如果能按照这本书的进度扎实练习半年，孩子将来转学钢琴或者其他键盘乐器，都会比那些只学了皮毛的孩子要轻松得多，因为地基打牢了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计相当吸引人，色彩明快，配图也充满了童趣，一看就知道是为小朋友们量身打造的。我原本担心电子琴学习会枯燥乏味，但翻开内页后发现，编排的趣味性远超预期。首先，它没有一开始就堆砌复杂的乐理知识，而是从孩子们最感兴趣的、耳熟能详的儿歌入手，这一点做得非常高明。每一个音符的讲解都配有形象生动的插图和清晰的指法示范，即便是对音乐一窍不通的家长也能大致理解老师的意图。我儿子平时注意力集中时间很短，但拿起这本书，居然能安静地跟着书上的步骤尝试按键。这种循序渐进的引导，完全避开了初学者常见的“畏难情绪”。教材中对于基本节奏的引入也处理得非常巧妙，不是干巴巴的节拍器训练，而是通过拍手、踏脚等身体律动来辅助理解，让音乐学习从一开始就充满了互动感和身体的参与性。如果硬要说有什么可以改进的地方，可能是一些更进阶的配乐示范光盘（如果附带的话）能更丰富一些，但就入门教材而言，它的实用性和亲和力已经达到了一个很高的水准，绝对是送给想让孩子接触键盘乐的家长的“定心丸”。

评分☆☆☆☆☆

我给我的侄女买的，她今年刚上小学一年级，对一切新奇的电子设备都充满好奇心。我发现这本书最棒的一点在于，它完美地平衡了“电子琴的特性”与“传统乐理的学习”。很多传统的钢琴教材，在电子琴上操作起来会显得笨拙，比如涉及踏板或者音色切换的部分往往处理得很粗略。但这本书专门针对电子琴的面板功能做了图文并茂的介绍，比如如何选择“小喇叭”音色，或者如何使用简单的“节奏伴奏”功能，让孩子能立刻享受到电子琴带来的多样化音效乐趣，而不是被限制在单一的钢琴音色里。这极大地激发了他们对乐器本身的探索欲。更让我觉得物超所值的是，教材中穿插了许多关于“如何听音乐”的小知识，比如什么是高音、什么是低音，为什么有些乐器听起来响亮、有些听起来柔和。这种跨学科的音乐启蒙，使得学习电子琴不仅仅是手指的机械运动，而变成了一种对声音世界的感知和理解，格局瞬间打开了。