正版中国乐理教程杜亚雄安徽文艺出版社高等院校艺术系列教材9787539635392 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杜亚雄，秦德祥 著

图书标签:

• 乐理学
• 音乐理论
• 高等教育
• 教材
• 艺术类
• 杜亚雄
• 安徽文艺出版社
• 9787539635392
• 中国音乐
• 音乐教学

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 安徽文艺出版社

ISBN：9787539635392

商品编码：29859857451

页数：243

图书基本信息
书名：	中国乐理教程
丛书名：	高等院校艺术系列教材
作者/主编：	杜亚雄  秦德祥
出版社：	安徽文艺出版社
ISBN号：	9787539635392
出版年份：	2012年

版次：	第1版
总页数：	243页
开本：	1/16
图书定价：	34.50元
实际重量：	698g
新旧程度：	正版全新

 《中国乐理教程》是高等院校艺术系列教材之一。

对中国音乐理论的根本自觉（代序）前言序章 传统文化中的音乐章 音乐的材料——声音节 声音四要素及其物理意义第二节 听觉中的声音 第二章 乐音形态节 直音与腔音第二节 腔音的生成 第三章 重音节 语言重音第二节 音乐重音 第四章 音色节 音色的基础知识第二节 音色的多样性第三节 乐音性噪音的运用第四节 人声音色的运用第五节 中西音乐的音色比较 第五章 阶名、律吕名及工尺谱唱名节 阶名第二节 律吕名第三节 工尺谱唱名 第六章 律学节 生律法第二节 律制第三节 各种律制的比较和并用 第七章 音阶节 五声音阶第二节 七声音阶第三节 音阶音的省略和附加 第八章 板眼和板式节 节奏、拍第二节 拍值第三节 板眼第四节 板式第五节 板式变换 第九章 宫调第十章 曲调第十一章 多声部音乐第十二章 记谱法第十三章 中国传统音乐的哲学基础和美学特征本课程教学课时安排建议后记 

 《中国乐理教程》内容简介：音乐的感觉较之其他艺术往往更为全体、混沌、直接并无以名之，由于强势者的贴切，主观因此更强，而弱势者内化强势者的价值也愈甚。在绘画，水墨的写意笔墨趣味是一种不同于油画写实堆叠量感的美学表现，是被普遍接受的事实。但音乐则不然，一个从西方引进的音乐理论，甚至有时只是约定俗成的规则，却被简单地以“乐理”之名称之，而既称之为理，当然放之四海而皆准。其结果是，以这样的标准来衡量中国音乐的种种，所看到的乃尽是零乱破碎的音乐实践，而多少年来持此观点者却一直是音乐界的主流。 

《和声的艺术：西方古典音乐的结构与美学》 导言：音乐的骨架与灵魂 本书旨在深入探索西方音乐体系中最为核心的构建元素——和声学。和声，作为音乐的“骨架”与“灵魂”，不仅决定了旋律的走向与色彩，更承载了特定历史时期乃至作曲家个人的情感表达与哲学思考。本书将带领读者跨越时空，从巴赫的对位严谨，到德彪西的和声自由，系统梳理和声学理论的演变脉络、基本规律及其在音乐实践中的应用。我们不满足于单纯的规则罗列，更致力于揭示和声背后的审美价值与文化内涵。 第一部分：传统和声的基石——调性体系的构建（约400字） 本部分聚焦于17世纪至19世纪欧洲古典主义和浪漫主义音乐赖以生存的功能和声体系。我们将从最基础的音高概念、音程、三和弦的构建入手，详细解析大小调的音阶结构及其音响特性。 第一章：音与和弦基础 音高与音组： 介绍十二平均律的原理，并解释调性中心是如何确立的。 三和弦的识别与转位： 详述大、小、增、减三和弦的构成与听觉效果，以及在和声进行中转位的实际意义。 七和弦的扩展： 深入探讨属七和弦（Dominant Seventh）作为解决和推动和声发展的核心作用，以及其他九和弦、十一和弦的初步应用。 第二章：功能和声的逻辑 功能组的划分： 详细阐述主功能（Tonic, I）、属功能（Dominant, V/V7）和下属功能（Subdominant, IV/ii）三大家族的功能性差异与相互转化。 和声进行与解决： 分析和弦之间的逻辑连接——如V到I的强力解决，IV到V的预备，以及如何通过级进（Stepwise Motion）保持旋律线条的流畅性。 导音与色彩： 探讨导音（Leading Tone）在和声中的导向作用，以及如何通过增六和弦（Augmented Sixth Chords, 意大利式、德意志式、法国式）来增强属功能前的色彩和张力。 第二部分：对位与织体——复调思维的渗透（约350字） 和声的深度往往来源于对位法的渗透。本部分将探讨在和声背景下，旋律线条如何相互独立而又和谐共存，尤其关注巴赫时代作品中对位织体对和声选择的影响。 第三章：和声中的对位思维 不协和音的引入与处理： 详细分析经过音、倚留音、经过音组（Passing Tones）、辅助音（Auxiliary Tones）等非和弦音的引入方式、时值要求以及规范的解决路径。这不仅是技术要求，更是张力与释放的美学体现。 平行五/八度的规避： 解释古典和声学中对平行五度和八度的限制原因，并探讨在特定织体（如器乐声部划分）中如何巧妙地规避或合理利用这些“禁忌”。 和声的垂直与水平： 强调和声的“垂直”组合与旋律的“水平”走向必须达到统一，优秀的和声进行本身就是线条的艺术。 第三部分：调性之外的探索——浪漫主义的色彩与扩展（约400字） 随着瓦格纳、李斯特等作曲家的出现，传统功能和声的界限开始被模糊和拓展，音乐的色彩性与情感的复杂性被推向极致。 第四章：半音化与色彩的丰富 二次属和弦（Secondary Dominants）： 深入解析如何利用指向非主和弦的属七和弦来临时转移调性，增加和声的流动性和色彩的斑斓。 拿波里六和弦（Neapolitan Sixth Chord）： 研究这一具有强烈色彩感的降二级和弦（bII6）在浪漫主义作品中营造的阴郁或戏剧性效果。 增三和弦的模糊性： 分析增三和弦作为一种“中性”和弦，如何被作曲家用来模糊调性边界，制造梦幻或不确定的听感。 第五章：远关系转调与调式色彩 转调的艺术： 区分常见的平行调转调、属关系转调以及远关系转调（如平行小调到关系大调的转调）。 调式音阶的运用： 介绍在传统大小调体系之外，如弗里吉亚调式（Phrygian）、利迪亚调式（Lydian）等教会调式（Modes）对和声色彩的影响，特别是在民族乐派和印象主义音乐中的体现。 第四部分：现代和声的曙光——功能瓦解与音响实验（约350字） 20世纪初，以德彪西、拉威尔为代表的作曲家开始挑战功能和声的束缚，寻求全新的音响组织方式，为音乐带来了巨大的变革。 第六章：印象主义的和声语言 平行和弦的解放： 详述平行五度和声、平行三和弦的运用，这标志着和声功能的彻底放弃，转而追求音响的质感和色彩的叠加。 全音阶与五度圈： 分析全音阶（Whole-Tone Scale）如何创造出一种失重、漂浮的听觉效果，以及五度圈（Circle of Fifths）在和声进行中被打破和重构的方式。 纯粹的音响选择： 探讨九和弦、十一和弦、十三和弦在不解决状态下的独立应用，它们不再承担解决张力的任务，而是纯粹作为一种丰富的音响组合。 结语：理解与创造的桥梁 和声学不仅是分析古典音乐的工具，更是未来音乐创作的基石。通过对这些理论的深入理解，读者将能更清晰地辨识出不同时代作曲家的意图，欣赏到音乐织体中隐藏的精妙设计。本书旨在提供一个坚实的理论框架，鼓励学习者将其内化为直觉，最终转化为自身独到的音乐语言。

评分☆☆☆☆☆

这本琴谱简直是为我这种初学者量身定做的，我之前试过好几本号称“零基础入门”的书，结果看了头都晕了，各种术语和复杂的图示让人望而却步。但这本书不一样，它的编排逻辑非常清晰，从最基础的音符识别开始，循序渐进地引入节奏、拍号，讲解得深入浅出。我尤其喜欢它在每一个新概念出现时，都会配上大量清晰的例曲片段进行演示，而不是干巴巴的理论堆砌。学到和弦那一块时，作者的讲解方式让我豁然开朗，那种如何从音程关系推导出和弦构成的过程，描述得特别到位，我终于明白了“为什么”要这样按，而不是死记硬背。而且，书中的字体和排版设计得很舒服，长时间对着眼睛也不会太累，这对于需要反复练习和阅读的教材来说，是一个巨大的加分项。我已经能用它来试着自己扒一些简单的旋律了，那种自己“听懂”音乐并能写下来的成就感，实在太棒了，强烈推荐给所有想系统学习音乐理论的朋友。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书纯粹是抱着试试看的心态，因为我工作很多年了，大学时学的乐理早就还给老师了，现在想重新拾起来教我小孩，结果发现这本教材的兼容性超乎我的想象。它最好的地方在于，它不像那种高冷的学术著作，而是非常注重“实用性”。比如，它解释了什么是“强弱记号”和“力度记号”时，会用非常生活化的比喻来解释其在音乐中营造的戏剧效果。对于我这种中年学习者来说，最怕的就是遇到一些晦涩难懂的抽象概念，但这本书的处理方式总是能找到一个具象的参照物，让我能快速理解并内化。我甚至发现，我能用书里的某些分析框架，去更好地理解我以前听不懂的古典音乐片段了。它没有催促你快速前进，而是让你在每一步都站稳了，这对于非专业人士来说，才是最宝贵的学习体验，让我重拾了对音乐的兴趣。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个音乐交流群里被安利这本书的，当时大家都在讨论如何突破乐理学习的瓶颈期。这本书给我的第一印象是它的“完整性”。它涵盖的知识点非常全面，从最基础的五线谱识别到复杂的十二平均律、转调技巧，几乎构建了一个完整的知识体系。最让我惊艳的是它对“和声”部分的讲解，很多其他教材里一笔带过的内容，这里都进行了详尽的图表化解析，特别是对于不协和音程的处理，作者的论述逻辑严密，步骤清晰，几乎没有歧义。此外，这本书的装帧质量也值得称赞，纸张厚实，印刷清晰，经得起高频率翻阅和书写批注。对于想要通过自学达到专业水准的学习者来说，拥有这样一本内容详尽、结构严谨的“工具书”是至关重要的，它能帮你填补知识体系中的所有漏洞，让你在面对更高级的学习内容时，胸有成竹。

评分☆☆☆☆☆

我是一名音乐学院大二的学生，之前上专业课时，老师推荐我们补充阅读一些更系统、更注重实践应用的书籍，于是我找到了这本。坦白说，市面上关于乐理的书籍汗牛充栋，但真正能连接理论与演奏实践的却不多。这本书的优势在于其深厚的学术背景，它不仅仅停留在基础知识的罗列，而是深入探讨了某些乐理现象背后的历史沿革和逻辑必然性。比如在谈到调式转换时，它不仅给出了规则，还引用了古典时期和浪漫时期的一些范例进行对比分析，这对于我们进行作品分析和配器练习非常有帮助。书中的习题设计也很有挑战性，很多都是开放式的思考题，促使我们不能仅仅满足于“记住答案”，而是要学会“推导结论”。说实话，读这本书就像是跟随一位经验丰富的教授在进行一对一的深度辅导，虽然过程需要投入大量精力，但每翻过一页，都能感觉到自己的音乐思维得到了质的提升，那种扎实感是其他速成读物无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，好的教材应该是“有温度”的，这本书恰恰做到了这一点。它不是简单地罗列规则，而是仿佛在与读者进行一场心与心的对话。比如，它在讲解一些容易混淆的概念时，会特意用粗体或不同的颜色来强调注意事项，这种细微的排版处理，极大地减轻了阅读疲劳。这本书的“呼吸感”很强，理论和实践穿插得恰到好处，让你在学习抽象概念后，能立刻通过一个小小的练习来巩固。我特别喜欢它后面附加的“进阶思考”部分，那些问题不是标准答案式的，而是引导你去探索音乐创作的可能性。这让我体会到乐理不只是束缚，更是理解和创造的工具。总而言之，这是一本真正用心编写的教材，它尊重学习者从懵懂到精通的每一步，阅读体验非常愉悦且收获巨大，绝对是乐理学习道路上的得力伙伴。